7作品目の新作「PARIS」を完成させて、西野壮平は「DioramaMap」にピリオドを打つ。シリーズの最終章となるカラーの新作とともに、全オリジナル作品がやって来る。 時に橋の上であったり、ビルの屋上であるだろう。 あるいはどこかの丘からの眺めかもしれない。 西野壮平の仕事は、カメラを持って都市をつぶさに歩いて回る事から始まっている。 処女作は作者が慣れ親しんだ「大阪」。 優に150本を超えるフィルムを使って、およそ50箇所の位置から俯瞰できる場所から撮影している。 写真はベタ焼きされ、1枚1枚切り取って記憶を頼りに繋ぎ合わせてゆく。完成までに丸1年を要し、費やした時間もエネルギーも半端でないことは作品自身がなにより饒舌だ。 2005年、キヤノン写真新世紀2005で「大阪」「京都」「広島」「上海」「東京」を出品して優秀賞を受賞。 2007年、現代アート展「都市との対話」で若手アーティストによる展覧会が横浜と神戸で開催され、「N.Y」を含めて６作品を出品して話題となったのも記憶に新しい。 今年、新作「PARIS」を仕上げて、この5年間に創作した全７作品と最新作がここ広尾にやって来ることになった。 西野の作品は、仕上がった作品を一旦複写し、フラットな一枚作品として発表するのが常であったが、今展ではオリジナルをそのまま発表するという大胆な展示方法が予定されている。 特筆すべきは、新境地に挑んだ2.5メートルを超えるカラー作品が登場することだ。 7つのモノクロ作品DioramaMapシリーズは、都市の特色をデフォルメさせながら手作業で全体像を再現させていく。 忠実ではあっても正確ではなく、記憶の中で覚醒するイメージを描き出そうとしている。 一方、本邦初公開となる巨大なカラー作品「i-LAND」では、それまでのコンセプトとは違い、この世に存在しない空想都市を描こうとしている。 今まで記録した日本の写真を緻密な作業と大胆な構図で組み合わせ、トマス・モアの『ユートピア』を現代の日本に現そうとするような作品だ。 しかし不条理な現実を批判するものではなく複雑で異なった価値観を持つ社会のなかにも「共生」できる何かを見つけだそうとしているのが、この最新作『アイランド』だろう。 作業は仕上げ段階に入っているが、展覧会当日まで作業は続けられるに違いない。まだ糊が乾ききらない出来たての作品が登場することになりそうだ。 「i-LAND」は、遠目にはデジタルか？と見紛うが、作品に近寄るにしたがってその複雑な作業行程を思い知らされることになる。 ゴツゴツとした表層、はみ出したボンド、堆積したおびただしい数の写真。 作品の表面からは言いしれぬ迫力が漂い、見る者を圧倒する。 すでにデジタル技術が特別なものではないポストデジタル時代に移行した今、芸術も同様、コンテンポラリーアートの中にデジタルで表現された作品が多く出てきたことは何の不思議ではない。 西野壮平の場合、ハサミをマウスに持ち替え、糊の代わりにコピー&ペーストで制作したならば、人を惹きつけるような作品にはなりえなかったに違いない。 ７つのDioramaMap作品が20世紀に現出した現代の都市の肖像であるなら、新作「i-LAND」は、より自由な発想で描いた西野壮平の日本の未来予想図ということだろう。 この展覧会では、作家の全生命をかけた訴えが聞こえてくるような迫力に心を砕かれるなら、これらの作品は傑作になる。 そうでない人にとっては、時代遅れなポップアートくらいにしか映らないだろう。 2008年8月　エモンインク ディレクター 小松整司

今年4月に行われたアートフェア東京にて大好評を博し、大和プレスビューイングルーム（広島）でのグループ展「是が非の絵画」でも注目を集めた新人ペインター佐々木憲介の、待望の個展。TARO NASUにおける彼の初個展であるだけでなく、彼自身にとっても初めての本格的な個展だ。捨て置かれたCDのジャケット、B級映画のワンシーン、どこかで見た女の子．．．奔放な筆致による装飾的な画面のなかに、物語的な要素を感じさせる彼の作品には、深い意味が隠されているように見える。 しかし一方で、作品にはタイトルが付けられず、作品そのものの物語性や、それぞれの作品の関係性を排除するべく展示される。描く対象に特別な思い入れがあるわけではないと佐々木は言うが、では、彼を作品制作へと駆り立てるものとはいったい何なのだろうか。 今回はペインティングだけでなく立体作品も出品し、TARO NASUの展示スペース全体を使った大規模なインスタレーションになる予定だ。ひとつの空間がまるごと、佐々木憲介という魅力的な矛盾をたたえた独特の感性に包まれる。23歳というまさに現代を生きる若者の、ときに暴力的にも映る飾らない表現は、言葉を介すことなく見る者の心に直接訴えかけ、そしていとも簡単にそれを裏切ってしまうことだろう。

アルゼンチンのコンテンポラリーアーティスト3名によるグループ展

Gaillard Andre Luc さんの作品展.「日仏交流150周年記念行事」の一つに選ばれ、フランス大使館などの協力のもと行われます。

2001年よりtake-g toy's｢テイクジー・トイズ｣というメーカーとして、木のおもちゃ作りをしている中川さん。 その作品は、樹木特有の色や木目を活かし、その組み合わせによって文様など描く寄木・木象嵌という技法によって制作されています。 ケヤキ・ウォールナット・ホワイトアッシュ・チークの４種の木を、配色に合わせて製材し、圧着したものを、顔や体の形に削り出し、オイル塗装で仕上げるという、緻密な作業を経て生まれます。 また、中川さんならではのユーモア溢れるキャラクターは、子供から大人まで多くの人々を魅了しています。 すこしずつ丁寧な手作業での創作活動の為、販売は個展開催時のみ。当ギャラリーでの初めての開催となる本展では、約90点の作品を展示いたします。 是非この機会に、take-g toy'sの木のおもちゃの楽しさを味わってみてはいかがでしょうか？ ＜作家在廊日＞ 7日(火)、8日(水)、10日(金)、11日(土)、12日(日)、18日(土)、19日(日)

近年の急激な経済発展に加え、8月に開催される北京オリンピックで話題沸騰の中国ですが、美術界においても今、中国の現代美術が世界中から注目を集めています。 1970年代末に改革開放政策が始まった中国では、美術の世界でも社会主義リアリズム絵画とは異なる表現が現れました。1979年には"星星画会"が展覧会を開催し、美術家の個性を前面に打ち出した自由な芸術活動に先鞭をつけます。 80年代半ば頃からは、中国全土で同時多発的にさまざまな前衛グループが結成され、"八五美術運動"と呼ばれる大きなうねりを形成しました。彼らは、西欧からの情報流入を背景に、中国が抱える社会的なテーマを、従来の絵画や彫刻のみならず、パフォーマンスやインスタレーションといった新しい手法で表現しました。蔡國強や黄永砅など、活動の拠点を海外に移す美術家がでてきたのもこの頃です。 90年代初めには"ポリティカル･ポップ"や"シニカル･リアリズム"といった一連の美術家が活動を始めて、中国現代美術の存在を国際的に知らしめすことになります。その後、過激なパフォーマンス・アートや映像作品などが続々と生まれ、現代美術は、2000年以降のグローバル化に連動し、美術市場の活況と国際展の隆盛と共に、中国の開放を象徴する文化のひとつとして認知されるようになりました。 本展は、中国に現代美術が登場した1980年代を出発点に、ここ20年間の流れをたどりつつ、すでに評価を確立した美術家たちから、今後活躍が期待される若手まで、特筆すべき美術家たちに焦点をあてて、その代表作を展覧するものです。絵画や彫刻だけでなく、パフォーマンスや映像など、さまざまな表現を使って展開されてきた中国現代美術の知られざる魅力をご紹介します。 [画像: 方力鈞 「シリーズ2 No.3」 (1992) 油彩・カンヴァス、福岡アジア美術館蔵]

日本には、優れた技術に裏付けられたものづくりの伝統が有り、世界有数の洗練された食文化があり、もてなしや礼儀を大切にする精神が有ります。 単純な形の連続によるデザイン、高いものづくりの技術から生まれる、テクスチャーや心地よい緊張感、佇まい。 ディテールへの強いこだわり。限りある資源を生かす自然との関係性。 非木材であり、土に還る素材、紙の器、には随所にそうした細やかな日本の感性が息づいています。 絶った一度しか使われない「使い捨て」の過程の中に、心を潤すもてなしの時間を感じる事が出来るはずです。

「かくれんぼうの鬼の目隠しを外した時に一瞬だけ見える青い光景」をテーマに、記憶のどこかにあるような、けれど膜を通して見ているような、透明感のある青いトーンの写真作品を発表する。「写真に焼き付いた時点で存在は明確でも、青い色に変換することで見知ったはずの風景から突き放される」実際には存在しない場所、でもどこかで知っているはずの場所をArcadiaと表現。

1976年生まれ、千葉県出身の田中圭介は東京芸術大学で彫刻を学び、主に木彫作品を制作しております。田中は10cm角の樟の柱、木材といういわば「木の死体」を彫り、新たな木の集合体である「再生する山」を制作します。 木彫の歴史は一説によれば6世紀、仏教伝来とともに始まったと言われております。 布の動きで風を、血管の隆起で人体の躍動を、顔の表情で悟りを、、、と様々な表現がされる木彫ですが、田中は「木」をそぎ落として「風景」を描くことでまったく新しい彫刻を制作しているといえます。 展覧会タイトルは「人間到る処青山有り」という漢詩からの引用で、山を墓として見ている感覚に共感し、つけられました。 田中の作品はアクリル絵具で柔らかに着彩されていることもあり、一見穏やかなものに見えます。アニメや漫画がそのまま立ち上がったような森の輪郭、大人から子供までファンの多い鉄道模型のような可愛らしさも持ちながら、それは牧歌的なものではなく、生命の集合体である風景を鳥瞰することで、生死の営みを捉えております。 今回ご紹介する約3m立方の大作は、わたしたちを、虫の鳴き声のする初夏の山へいざないます。わたしたちは山を見下ろし雲を見上げる格好となるため、神のような、死者の目線のような浮遊感を覚えます。また森からのぞく道に目をやると精霊の宿る森に入っていけるような神聖な気持ちになります。 田中の彫刻作品と対峙することは山彦が返ってくるかのごとく、さまざまな問いや思いが、自分に返ってくるようです。

この展覧会は大竹伸朗個展「貼」シリーズの第三弾です。

1864年、パリに生まれたリヴィエールがジャポニスムにであったのは、モンマルトルのロドルフ・サリのカフェ「シャ・ノワール」でした。当時「シャ・ノワール」には、芸術家や文化人、前衛知識人が多く出入りし、社会批判や政治談議が繰り広げられると同時に、芸術家たちの新しい作品発表の場となっていました。当時のメンバーには、ロートレックやスタンラン、オーリオルなどがいます。 そのリヴィエールが美術史上、特に重要な位置を占めるのは、木版画の復興と多色リトグラフの開発でした。熱心に日本美術の研究をしたリヴィエールは、葛飾北斎や歌川広重の浮世絵から色彩や構図、題材、表現の仕方を学びました。 本展では、当館所蔵の『エッフェル塔三十六景』を公開すると同時に、本作品の表紙と装丁を担当したジョルジュ・オーリオルの作品、そしてその題名通り、制作に大きく影響を与えた北斎の『冨嶽三十六景』などの作品を合わせて展示します。 ギャラリートーク: 9月27日（土）、10月11日（土）いずれも午後14:00~　当館学芸員

流れ・ストリーム 古典技法のテンペラ画でありながら新しい造形力のある有森正の絵画。 西洋の立体を金箔や銀箔で表現し、日本的な群青の青から赤へ色の流れを線・形・光・質で変化させる。スピーカーから名曲が聴こえて来るように絵画の内から奏でる音楽のように見る人の心の奥を振動させる。有森の絵は不思議なベクトルとなって五感に響いてくるのである。 若い頃、ポール・クレーやロスコーに憧れ、社会人になっても画家への夢を捨てきれず、東京芸大に挑戦。芸術について真剣に学び、今もずっと研究し続け、美しい絵をアメリカ、ヨーロッパで発表。その実力は国内外で認められている。今回のテーマ“流れ”の新作大小30点がレンガ造りのギャラリーに並びます。その絵はどんなリズムと波動を感じさせてくれ、私達はどこへ連れて行ってくれるのでしょうか。ライブが楽しみです。

SFTでは8月27日から 吉祥寺のショップ、ラブラバがメキシコから集めたフォークアートを紹介するコーナーを展開します。SFTではおなじみの、動物などをモチーフにした木彫り人形、オアハカン・ウッドカーヴィングや、アレキサンダー・ジラルド、ネルソン・ロックフェラーらもコレクションしていた、アギラールファミリーがつくる陶人形、サポテコ族の人々がつくる、美しさと耐久性を兼ね備えたつづれ織りのウールラグ、サボテックラグ…。メキシコの文化や人々の暮らしを垣間見ることができる、ユニークなものが集まります。手作りのものですので全く同じものはありません。どうぞお早めにお越しください！

「ピンクリボンデザイン大賞」は、決して他人事ではない乳がんを自分の問題として意識し、検診に行かなければならないという思いを抱かせるメッセージ性の強い作品を公募する企画です。 第4回目となる今年は、ポスター部門、東京都コピー部門、ノベルティ部門の3部門で作品を募集しました。ポスター部門には1,469点、東京都コピー部門には8,490点、ノベルティ部門には308点、総数10,267点の応募がありました。この中から、各部門最優秀賞1点、優秀賞2点、入選2点、ポスター部門については佳作19点が決定。 ポスター部門と東京都コピー部門の最優秀賞は、都営大江戸線、JR中央線の広告ジャック（東京都実施）をはじめとする駅貼り、中吊り広告などに活用し、ノベルティ部門のポーチは、ピンクリボンスマイルウオーク（東京、神戸、仙台）での記念品として配布いたします。また、ポスター部門の最優秀賞作品については、10月に開催する「ピンクリボンフェスティバル」でのメッセージポスターとして活用させていただきます。 一人でも多くの人が、作品を通じて乳がんを身近な問題として意識し、検診への一歩を踏み出していただくきっかけになることを願っております。 その他詳細については、イベントウェブサイトをご覧下さい。

今月のHEARTLANDのギャラリーはHEARTLAND KARUIZAWA DRAWING BIENNALE アート作品のポスター展です。 HEARTLAND DRAWING BIENNALEとは、、、 HEARTLAND BEER をモチーフに、ドローイング”（素描）のみを募る公募展。そこで選ばれた作品は、HEARTLAND BEER とアーティストの感性が融合して生まれた独特なアートの世界を創りあげています。今回、過去の作品の一部をポスターとして店内に展示し、アート＋音楽＋ビールの融合空間を皆様にお楽しみいただけるようになっています。

MAMプロジェクト008では荒木珠奈（1970年生まれ）を紹介します。荒木は版画、立体、インスタレーション、アニメーションなど多様な技法を使い分け、シンプルでありながら斬新さを感じさせる独自の表現を展開してきました。確かな技術によって絶妙に組み合わされる色彩や形からは、居住、移動、つながり、成長など、人間の日々の営みにかかわるテーマが浮かび上がり、これらの要素が作品と見る人を結びつけて、さまざまな読み取りを促します。インスタレーションはしばしば複数のパーツの集合で構成され、それらは集団を形成するというよりは、多数の中の“個”を強調しているように見えます。一見すると似通った現象の中に、それぞれの個性と人生の炎が灯されているかのようです。ときに孤立し、ときに寄り添いながら異なる道を進む生命の姿から「生きる」という根源的な意味が想い起こされます。これまで繰り返しメキシコに滞在した荒木は、色彩感覚や様式にその文化的影響を受けており、ときに毒々しささえ感じさせる色や形は原初的なエネルギーとして表現され、荒木の作品に「きれい」だけでない強靭さを加味しています。今回の展示では、ギャラリー空間を生かした新作インスタレーションを発表。ユニークな素材使いと独創性あふれるコンセプト、ていねいな手仕事とイマジネーションが生み出す豊かな世界をお楽しみください。 アーティストトーク　＊日英同時通訳付 作家が自作について語ります。 日時： 2008年8月22日（金）19:00-20:00 会場： 森美術館展示室内 定員： 100名（当日先着順、予約不要） 料金： 無料（要展覧会チケット） おやこワークショップ「メキシコのひょうたんに絵を描こう」　＊日本語のみ メキシコの民芸品や楽器、飾りとして使われるひょうたん「ヒカラ」（写真右）を使ったワークショップです。「ヒカラ」の内側を天空に見立てて絵を描きます。 日時： 2008年8月24日（日）13:00-16:00 会場： 森美術館展示室内 対象： 小学生とその保護者 定員： 親子15組30名（要予約） 料金： 材料費一人500円（※要展覧会チケット） お申し込みは美術館のHPまでお訪ねください。 [画像： 「詩的な混沌」 2005年、紙、セロファン、電球、電線 Photo: Alfredo Rosado]

「アネット・メサジェ：聖と俗の使者たち」展は、フランスを代表する女性アーティスト、アネット・メサジェを紹介する日本初の大規模な個展です。 1970年代から絵、写真、記事、拾い集めたオブジェ、言葉、剥製、ぬいぐるみ、布、刺繍、糸、編み物など、日常のさまざまな素材用いて、創作活動を行ってきたメサジェ。　彼女は聖と俗、ユーモアと恐怖、愛と悲しみ、女性と男性、動物と人間、子供と大人、生と死、表と裏など、人間の相反する複雑さを日常の視点から浮き彫りにします。　収集癖や身体への関心、ぬいぐるみや玩具との戯れ、言葉遊びなどから生まれる作品には、子供のような無邪気さと残酷さが共存し、私たちは、メサジェの紡ぎだす物語の世界からさまざまなメッセージを読み取ることができます。　人間の負の感覚にも正面から向き合いつつ、そこに小さなユーモアを潜ませる独特のエスプリは、世代を超えて多くの人びとの心を捉え、魅了します。 チャーミングで幻想的、そして時に奇妙で不可思議なかたちで私たちの前へ現れる作品群。それらは人の心の奥深い部分へ何かを投げかけてくる「使者」といえます。 本展はパリ（ポンピドゥーセンター）をはじめ、フィンランド、韓国を巡回した国際展です。日本では森美術館のギャラリー空間を生かしたスケールの大きな展示をお楽しみいただけます。展示は2005年の第51回ヴェネチア・ビエンナーレで金の獅子賞を受賞した《カジノ》をはじめ、代表作《つながったり分かれたり》などを含む約30数点の作品によって構成されます。

3000点を超える今年の応募デザインから、どんな未来の生活が見えたのか?グッドデザイン賞審査委員による、審査講評会を開催します。 応募者の方はもちろん、学生・デザイン関係者の方など、どなたでも自由にご参加頂けます。 -プログラム 第1回 「生活領域」 日時: 10月10日（金）15:00-17:00 第2回 「身体領域」 日時： 10月20日（月）14:00-16:00 第3回 「身体の移動 領域」 日時： 10月20日（月）17:00-19:00 第4回 「コミュニケーション領域」 日時： 10月21日（火）15:00-17:00 第5回 「情報の移動領域」 日時： 10月31日（金）17:00-19:00 第6回 「産業・社会領域」 日時： 11月4日（火）13:00-16:00 第7回 「新領域」／「2008年度グッドデザイン賞 総評」 日時： 11月4日（火）17:00-19:00 会場： 東京ミッドタウン・デザインハブ インターナショナル・デザイン・リエゾンセンター　　 定員： 各回定員80名 申込方法： ご参加希望の方は、参加希望回／会社名または学校名／部署名／役職／お名前／連絡先をご記入のうえ、info@g-mark.orgまでお申し込みください。 問合せ： （財）日本産業デザイン振興会 TEL 03-6743-3777

エンペルは、まるで童話の世界に迷い込んだかのような錯覚を起こす、美しくシュールな世界を写真で創りだしている。作品に写っている少年少女は実在する人物ではなく、すべてエンペルの創造した存在である。何百という写真を撮影し、そのパーツをPC上で組み合わせていくことで、エンペルは彼自身が表現したい世界をまるで絵を描くかのように創りあげる。リアルなようで、よく見ると決して現実にはありえない世界。瑞々しく開放的で森の匂いまでが伝わってきそうな作品である。 アジアではまだ紹介されたことのないエンペル。本展覧会では、近年のWorldシリーズを中心にStudy in Greenシリーズ、Venusシリーズを含む全17点を展示。

米田知子は現在ロンドンを拠点に国際的な活躍をしている気鋭の写真家です。昨2007年には「第52回ヴェネチア ビエンナーレ」展に招待出品するなど、近年の活躍には目覚ましいものが有ります。本展は、初公開となる新作シリーズに「Scene」「Between Visible and Invisible」等の代表作に加え、制作活動の全体像を見渡す事が出来る個展と成ります。写真家としての米田知子の姿勢は、被写体の観察とその記録という写真メディアの特徴に忠実で、「Scene」(1998)は、一見何気ない山野・海浜・市街地などの情景(＝scene)を写したシリーズです。しかし、それらは歴史の舞台と成った場所・国家・民族・社会の集団的な記憶と結びつく地点（例えば戦場）です。ただ、その意味が分かるのは個々のタイトルを読んだときであって、写真の中の風景自体は「何気ない」ものでしか有りません。それでもなお、そこは歴史的な時間や記憶が確実に刻まれた場所なのです。このような「見えないものを見る」視線と言えるものこそ、米田知子の写真の特徴です。その視線に気づいた時、鑑賞者は米田知子が提示する静寂な風景が奇妙にざわめき始める事を感じ、その作品の世界に引き込まれる事でしょう。 [画像：「Freud's Glasses - Viewing a text by Jung II」 (1998), gelatin silver print (「Between Visible and Invisible」から）©Tomoko Yoneda Courtesy of Shugo Arts]

2008年度グッドデザイン賞は「近未来の生活者の視点」を掲げ、製品やサービスの受け手であるとともに、それらの価値をさらに高める“主役”でもあるユーザーの立場を重視した審査を行ってきました。今回の「GOOD DESIGN EXHIBITION 2008」では、そうした方針のもとで選ばれた最新のグッドデザイン賞受賞対象から、グッドデザイン金賞などの特別賞受賞対象を中心に約70点を出展します。幅広いジャンルに及ぶ受賞デザインを、それぞれのデザインの特徴や、社会に訴求しうるデザインポイント、デザイナーのメッセージなどとともに紹介することで、次代の生活シーンを創造するデザインとして、その魅力と可能性をプレゼンテーションします。 なお、本展会期中に2008年度グッドデザイン賞受賞者によるトークや、受賞対象をテーマにしたセミナーなどの関連企画を予定しています。詳しくは展覧会ウェブサイトをご覧下さい。

生涯を通じて変貌を重ね続けたピカソの全体像に迫ります。初期の青の時代からバラ色の時代、そしてキュビスムを経て、新古典主義、さらにはシュルレアリスムと変化していく作風。パピエ・コレ、レリーフ絵画、構成的な彫刻やアサンブラージュなど、さまざまな素材と表現の可能性の追求。激動の時代であった20世紀を生きた芸術家らしく、戦争や平和をめぐって、人間性や芸術の意味を求めて、ピカソの芸術は多様な展開を見せます。それとともに忘れることができないのは、画家の生涯を彩り、その芸術に霊感を与えた、愛する女性たちの存在でした。生きること、愛することと芸術の創造とが分かちがたく結びついた、巨匠ピカソの91年の生涯を、約170点の作品によってたどる大回顧展です。 本展は、パリ・ピカソ美術館の大改修に伴って可能になった世界巡回展の一環として、国立新美術館とサントリー美術館で同時開催します。 関連イベント等については、展覧会ウェブサイトをご覧下さい。 [画像: 「ドラ・マールの肖像」 (1937) 油彩、カンヴァス]

パリ、マレ地区に位置し、生前のピカソが最後まで手元に残した作品を主なコレクションとするフランス国立ピカソ美術館。この美術館の改装によって空前の規模の世界巡回展が実現しました。日本では、国立新美術館、サントリー美術館の2会場を舞台に、数々の名作が展示されます。 巨匠パブロ・ピカソ（1881～1973）は、生涯を通じて内なる心に向き合い、常に自らの人生を作品創造に反映させた画家でした。彼が残した数多くの自画像、あるいは間接的に自己を投影した作品の数々は、ピカソ芸術の本質を表していると言えます。サントリー美術館では、ピカソの魂の叫びとも言うべき自画像とその周辺の作品を、油彩画を中心とした約60点によりご紹介していきます。 会期中は一方の館の「巨匠ピカソ」展の観覧券（半券可）をもう一方の館の券売所で提示すると、割引価格(200円引き)が適用されます。 [画像：「自画像」1901年　油彩／カンヴァス ©2008 - Succession Pablo Picasso - SPDA (JAPAN) ©Photo RMN - ©Béatrice Hatala/distributed by DNPAC]

建築家・安藤忠雄氏は1970年代、建築雑誌『都市住宅』に執筆した初めての論文「都市ゲリラ住居」というマニフェストと、それを体現した独立住居「住吉の長屋」によって広く社会にその名を知られる存在となり、以降、現代社会の批判とも言うべき斬新な建築作品をつくり続けてきました。1990年代後半からはその活動の舞台を徐々に世界に広げてゆき、今日ではヨーロッパからアメリカ、アジア、中近東にいたる世界各地でグローバルな活動を展開しています。 本展は、そうした安藤忠雄氏の30数年に及ぶ建築活動を、それぞれがつくられた”場”に注目して振り返り総括しようとするものです。大阪、神戸、東京、ベニス、アブダビ、メキシコ、バーレーン―ここで採り上げられる10件余りのプロジェクトは、つくられた”場所”のみならず計画時期、スケール、プログラム共に全く異なる状況下の建築ですが、その多様な表現の背後には、ある一貫した建築家の思想が見受けられます。建築を単体で考えるのではなく環境形成の手段として捉えるという、より総合的な建築の考え方、そしてそれを自然と建築との”共生”によって実現しようという自然に拠る建築の方法です。この点において、30年前に大阪都心部の密集住宅地につくられた極小住宅「住吉の長屋」と中東のアブダビで計画中のモニュメンタルな文化施設「アブダビ海洋博物館」は一本の線で結ばれるのです。 会場には、安藤建築の”原点”に当る「住吉の長屋」を原寸大模型で再現するとともに、それぞれの”場所”に息づく安藤建築をスケッチ、模型、ドローイング、映像などでさまざまな角度から紹介して本質に迫ります。”環境”が主題とされる現代にあって、”場所”と”自然”との関わりを一貫して追い続ける安藤忠雄氏の建築活動の軌跡を辿ることは、未来へつながる重要な視座を与える機会となるでしょう。

アメリカのペリー艦隊が浦賀に来航した以後、徳川幕府の鎖国政策が解かれ、多くの外国人が日本に来訪しました。幕末から明治時代の初期にかけて、外国の写真家により日本各地の風景や風俗が多数撮影され、日本での見聞を収めた写真を「横浜写真」と呼び、帰国時の土産用として販売されていました。アルバムは蒔絵を表紙にした豪華な装丁の写真帖で、四つ切判の写真が台紙張りされています。写真の多くは鶏卵紙写真プリントで、絵師による彩色が薄く加えられています。今回、この「横浜写真」アルバムの中から、約40点を展示いたします。なお、日本に写真術が導入された歴史と、当時の古写真も同時に紹介いたします。

今後は常設展覧会「ノン　シュル・レアリズム」として、毎月1・2・3週にアーティスト、ウラジミール・クッシュ、安齋洋の作品をご紹介していきます。また、毎月末の1週間に新進気鋭画家の企画展を開催していきます。

「“Batik”（バティック）」は、蝋による防染を繰り返して複雑な文様を染め上げていく臈纈(ろうけつ)染めのことで、日本では「インドネシア」と呼ばれて親しまれてきました。インドネシア共和国は、古くから、言語や社会、生活様式が異なる300以上の民族集団の独特な文化に外来文化が融合し、多様で豊かな文化が形成されてきました。そして、このような諸地域の文化的特色、生活とが密接に結びついて地域ごとに個性的なバティックを生み出してきました。 　本展は、バティックの歴史とその魅力を広く紹介するもので、研究者・教育者としてインドネシアに関わってこられた戸津正勝氏の、30年に及ぶ膨大なコレクションから約400点を展示します。国交50周年に向けて、王宮及び現代作家、研究者をはじめとするインドネシア共和国諸機関の協力を得つつ、国内全域を網羅し、古い伝世品から現代の新進作家の作品まで、空前の規模でバティックを語る、まさにバティック展の決定版といえるでしょう。 講演会 10月26日（日）14:00-15:00 講師： 国士舘大学政経学部教授　戸津正勝氏 場所： ホテルオークラ東京　別館12F　メイフェア（定員50名）「インドネシア更紗のすべて」展の入場券が必要です

21回を迎える東京国際映画祭は、日本唯一の国際映画製作者連盟公認の国際映画祭として、1985年より開催され、日本の映画産業、文化振興に大きな足跡を残してきました。世界の2,600有余の国際映画祭の頂点に立つカンヌ、ヴェネチア、 ベルリンに比肩し、世界四大映画祭と評価される国際映画祭を目指します。 “エコロジー”というテーマに沿って、今年はレッドカーペットがグリーンに変わります。また、環境についてのシンポジウムを開催したり、エコロジー大賞（仮称）を新たに設けるなどして、地球環境がいかに大切かを映画祭の場を通して発信していきます。

フランスを代表する現代美術家、クリスチャン・ボルタンスキーは、“生と死”や“記憶”をテーマに写真や映像、オブジェなどを使ったインスタレーションで国際的に活躍するアーティストです。ヴェネツィア・ビエンナーレをはじめ数々の国際展に参加し、世界的に高い評価を得ています。日本では、2003年と2006年に越後妻有アートトリエンナーレに参加し、ジャン・カルマンとともに廃校を利用して制作したインスタレーションで話題を集めたほか、2006年には高松宮殿下記念世界文化賞を受賞しています。昨年は、若いアーティストを紹介するグループ展「La Chaine」の企画で新たな活動の一端をのぞかせ、来年は、パリのグランパレで大規模な個展が開かれる予定です。 今回の講演では、ボルタンスキー氏が自らの半生を振り返りつつ、作品や芸術、人生観について語ります。 国立新美術館3階講堂 参加費: 無料 定員: 250名　要事前申込み ＊逐次通訳付 申込み方法については、イベントウェブサイトをご覧下さい。

イタリアのキッチン器具の総合メーカーである"Guzzini(グッチーニ)"が2004年より企画しているプロジェクト"100 Foodesign Guzzini projects"は、食に関するものの｢形｣と｢機能｣との新たな関係を追求することを目的として始まりました。2008年には､日本に注目。日本を代表するデザイナーと新進のデザイナー総勢36組が、現代日本における食のあり方、そして世界で広く認められるようになった日本食のあり方という2つのテーマを、食器や調理器具の新しいデザインを通じ表現します。フランクフルト、ミラノ、東京ビッグサイトと巡回してきたその展示会を、ギャラリー ル・ベインにて再現。より多くのお客さまにご覧いただきたいと考えております。

21日(火)、22日(水)、23日(木)

私たちの日常生活の中で、気構えなくても、毎日使えて一番使いやすい器のサイズこそ「お茶碗以上どんぶり未満」なのでは? というテーマのもと、器の企画展を開催。さまざまなテイストを持つ6人のアーティストが手がけた器の作品を展示するとともに、雑誌「Grazia」との連動企画で、料理は、東京・下北沢で野菜料理店「七草」を営む料理家前沢リカ、そしてスタイリングは、数々の雑誌で活躍するインテリアスタイリスト 作原文子がそれぞれに器に合わせ、共演し創られたシーンを写真（カメラマン 米谷享）のパネルにて展示します。

独学で切り絵を始め、ハサミ1本で見事な作品を制作し続けている蒼山が、いよいよ、数々の賞を引っさげこのたび日本にやって来ます。世界の現代切り絵事情などヨーロッパを中心に活躍するアーティストの現場の声が聞けます。 場所: 東京ミッドタウン　タワー4F 参加無料 インターネット申し込み予約制 参加ご希望の方は下記サイトよりお申し込みをお願いします。 東京ミッドタウン　デザインタッチ　カンファレンス http://www.go-event.info/dt2008-c/detail.php?id=50 お問い合わせ先: デザインタッチ　カンファレンス事務局 03-3222-8943 会場には数点作品も展示します。是非この機会に、今まで見たことの無いようなa lace KIRIE (レースのような切り絵)をご覧ください。

このプロジェクトのコンセプトは皆様の創造性に富んだ感性を分かち合いさらに発展させていくことにあります。色彩感覚と色彩環（カラーウィール）を学びながら、お互いに良い刺激を受けつつ、自分だけの「夢の色見本帳」を製作していきます。今回のno needのプロジェクトは、全ページに統一の色彩を出すため、RBRと世界堂で共同で組み合わせたオリジナルキットをご用意しました。 プロジェクトの参加はとても簡単です。 ステップ1: オンライン上に会員登録、予約を入れてください。 ステップ2: ご入金確認後、当日までに準備と持ち物リストをご連絡致します。 ステップ3: 10月30日 ワークショップ当日に、オリジナルキットをお渡しし、その際に、ご担当頂く「色」の役割分担をさせていただきます。 ステップ4: 10月30日（木）初回ワークショップ開催／説明会 ステップ5: 11月20日（木）まで、各自で30ページ作品期日 他の参加者の方のページと交換します。30ページの色辞典を製本してきます。完成した「夢の色見本帳」には、ご自身の1ページと、他29名のページで構成されることになります。　皆様のご参加をお待ちしています! 参加費: 5500円 （2回分のワークショップ参加費とオリジナルキット代を含む） 募集人数: 30人 募集開始: 9月22日（月）、先着順。 オンライン予約: www.rbrart.com/vj-s-j.html お問い合わせ: メール info@rbrart.com/ Tel 03-6234-4771

生命あふれるバイオム(生物群型)が窓の外を飛んで行きます。その形を見て、我々人間は簡単に「鳥だ」と考えますが、そこには見えないミクロの世界が存在しているのです。 自然とテクノロジー、そして科学と精神性の区分を探求し続けるコンティは、東京で見られるありふれた動物達(つまり鳥)の形体を絵の中に使います。古代より伝わる鳥の象徴性を踏まえ、コンティは鳥の形を組み換えて、新たな景色を映し出しています。人間の知覚にとって、生物はどこで始まり、どこで終わるのか、議論の種が込められているのです。それにより、この絵画では、絵の根幹となる「ものの見方」が示されるとともに、現代生物学との間に感情的な相互作用を引き起こす革新的な提示がなされています。 アンドリューコンティは、2002年にニューヨークのパーソンス・スクール・オブ・デザインを卒業後、2003年より東京に移り住み、画家として創作活動をおこなう傍ら、デザイナーやアートライターとしても活動。その作品は、アメリカや日本の様々な所で展示されるほか、2007年には、アメリカのThe National Center for Science Education(国立科学教育施設)の組織化のデザインに選ばれました。 お問い合わせ アンドリュー・コンティ andostream@gmail.com www.andrewcontipaint.blogspot.com

グローバル化の進んだ21世紀では、私たちを取り囲む政治、経済、文化なども常に国際的な緊張関係の上に成立しています。その社会的な文脈は現代アートの表現にも多様なレベルで反映され、作品を読み解く鍵とも成ります。本講演では、世界あるいはアジアにおける日本の立ち位置について、政治学者の姜尚中氏の視点を通して考えます。 日英手話同時通訳付 定員：300名（要予約）

"Fragment"とは、その活動を通してクリエイターや来場者の方達に、もっとアートやデザインを身近なものとして感じてもらいたい、というコンセプトからスタートし たTOKYO MADEが主催するアートイベントです。イラストレーション・写真・ファッショ ン・アクセサリーなど様々なクリエイターが集い、それぞれの作品の発表の場として、 またアートを中心としたコミュニケーションが様々な交流を生み、アートシーンの更なる活性化につながっています。ライブペインターやDJも参加することで、『展示』 という『静的』な側面だけでなく、『動的』な刺激にも満ちあふれ、あなたの休日をクリエイティブな刺激に満ちあふれた一日にするでしょう！！