このたび、9月13日（土）より、当画廊におきまして平川典俊、砂入博史、アート・リンゼイの３名による展覧会「Silence in the Light」展を開催いたします。今回は、平川の写真と砂入の彫刻に合わせ、平川のよびかけによって実現したアート・リンゼイからの詩の作品を展示致します。 平川はこれまで写真、インスタレーション、映像、演劇、パフォーマンスやサウンドなどさまざまなメディアを複合して社会のシステムや制度と個人との関係やその世て界観を維新してきました。今回平川は、2年間にわたり静岡県浜岡市（現御前崎市）を訪れ、遠州灘を撮影したシリーズ「In Reminiscence of the Sea（ありし日の遠州灘）」を制作しました。日本によくある風景（遠景が多い）を思わせるのどかな雰囲気が漂うイメージの背後に、その実体を知ることによって始めてその風景の意味や視点が反転するこのシリーズはその危機感のなさによって一層、その見えないリアリティの重さを感じることになります。 砂入は18歳で渡米し、ニューヨークを拠点に写真やパフォーマンスなど展開し、近年はインスタレーションや彫刻も制作しています。今回は、インドの説話「盲人と象」に基づいた作品 "Elephant Dinner(象の夕食)" というインスタレーションを発表します。 「盲人たちよ、象を見たことがあるか、象がどのような動物か言ってみよ？」　盲人たちが象に触れた時、王はそれぞれに質問をした。　頭を触った者はこう答えた、「象は鉢のようです。」　象の耳を観察した者は、「象は箕のようだ」と。　象の牙を触ったものは、「犂の歯」と言い、象の鼻を掴んだものは「犂」と言った。　そして象の体を感じた盲人は、「象は納屋」と、足を触ったものは、「柱石」といい、背中は「しっくい」、尻尾の毛は「筆」と。 -------ウダーナの感興詩より 食器、家具、日常品のように、陶器の象の身体の部分部分がテーブルにアレンジされたこのインスタレーションは、2007年に発表された砂入の作品「白い象」の後編です。「白い象」では、実物大の象の体の部分部分が散らばった情景を9.11同時多発テロの追憶として発表しました。「象の夕食」は「白い象」と同じく白い陶器で作られ、「盲人と象」で説かれている相対性を象の体の抽象的なフォルムで表現しています。 アート・リンゼイは、70年代後半からニューヨークの音楽シーンで幅広く活躍。ジャンルにとらわれることのない音楽性は、多くのアーティストに影響を与え、音楽の分野を超えたコラボレーションも展開しています。今回の展示では、平川のよびかけにより、手書きの詩を書き下ろします。 同時開催 ： 平川典俊 at NANZUKA UNDERGROUND (渋谷) 「正面玄関」 9月13日（土）〜　10月12日（日） レセプション　9月13日（土）19:00-21:00 カクテルパーティー　9月15日（月・祝）19:30-21:30

[画像：パラモデリック・グラフィティ (2008) kita!!Japanese Artist Meets Indonesia (Sponsoring of The Japan Foundation・Selasar Sunaryo Art Space / Bandung , Indonesia) (c):paramodel / photo:paramodel]

上村卓大は作品をつくることすら、まがいものっぽく思いつつも、自分にとっての作品の可能性を、まがいものっぽさの中で実験しています。早川祐太は身近なところにまがいものっぽさを感じ、身近な現象を素材に、直接的な方法で制作を展開し、見失っているかもしれないリアルの在処を探っています。本展では「自分の周りの世界をどのように感じ、どう付き合っていくのか」を考えてみます。

竹崎和征は1976年高知県生まれ。1999年高知大学教育学部を卒業後、東京に拠点を移し現在も制作活動を行っています。 竹崎和征の作品は、言葉では現せないような微妙なニュアンスを持った記憶の中の風景を抽象的な技法を用いて表現します。絵画であるはずの作品にも関わらず、ドローイング、ペインティング、彫刻といったジャンルの境がまったくない構造で出来ています。またドローイングがもつ儚くて普遍的な要素をペインティングに加えているのも特徴のひとつです。よく出てくる風景画は彼の生きて来た土地、もしくは生きている場所の息づかいや湿度を描いたようにも感じられます。 今回の展覧会で竹崎は、自分が生まれた場所を題材にします。しかしそれは決してふるさとを懐かしむという目的ではありません。この展覧会のコンセプトをたてるにあたり竹崎は「ビオトープ」という言葉を口にしています。生き物が棲む場所＝生息場所を意味するように、環境や場所のシステムに焦点をあてています。 また竹崎はどこかの庭にも言及しています。どこかの家の裏庭には土や植物または植木などが存在しています。このよく見る光景は、実のところ家庭で不必要なものや、保管に困っているものが同居しています。自然と野良猫が通りかかり、虫が訪れては去って行く。そのような人口的でもあり自然な風景を辿ります。 今回は新作ペインティングを含めたインスタレーションのような形で展覧会を展開して行きます。 [画像: 「新荘の森」 (2008) oil & watercolor on canvas, artificial feather, 81 x 99cm]

ビジュアール・アーティスト「ミック・イタヤ」による太陽の鏡の世界。ミック・イタヤ自身の絵の世界を、多面的な方向へプロダクト化していく作業の中から生まれた鏡の作品シリーズは、2000年にLAPNET SHIPで展覧会デビューして以来、流行に敏感な美しい物好きな人々の間で着実にファンを増やしてきました。 鏡の展覧会としては約５年ぶり、そして個展としても２年半ぶりとなる本展覧会は、ミック・イタヤの鏡作品のテーマである「鏡による自己の存在証明」を、鏡自分の姿を映すナルシスティックな太陽の行為を通して表現し、絶対的な存在である太陽のもたらす「太陽の反射」によって、我々は光と影と色彩や、それら表面的な事象ばかりではなく、あらゆる意味で太陽のかけらであり、熱の光を宿した小さな太陽であるとメッセージしています。 関連イベントも開催します。詳しくはHPご覧下さい。

Rob Bellmanは、"The Die Kill Shoe COMPANY"という架空の会社名義で活動を続けるロンドン在住の英国人アーティストです。自作の空想上の物語をもとにした変幻自在のインスタレーション作品を多数展開しています。一方の和田昌宏は、大規模なインスタレーション作品で知られ、今年は中国の広州ビエンナーレに招待されるなど、その活動の幅を広げる若手注目作家です。今回、想定外の表現を見せるこの二人の美術界の異端児が国際タッグを組み、Art Center Ongoingにて来場者を迎え入れます。果たしてどんなインスタレーションが待ち構えているのか。Rob Bellmanと和田昌宏による「WE PACKED YOUR PARACHUTE」　Have a nice day! xxxを、ぜひご覧下さい。 10月12日（日） 19:00～ クロージングパフォーマンス

ドローイング特有の脆弱さに寄り添うことで、制作者の情動が引き出されているかのような作品を紹介します。ナリニ･マラニ、レイコイケムラ、奈良美智、マニュエル･オカンポ、アヴィシュ･ケブレザデ、ウゴ・ウントロ、ミトゥ・セン、辻直之、アマル･ケナウィ、坂上チユキなど、アジア・中東出身の16組を紹介。インスタレーションやアニメーションも展示。 アーティスト・トーク -マニュエル・オカンポ＋ピナリー・サンピタック＋ミトゥ・セン ギャラリー・トーク 日程： 8月26日(火) 時間： 14:00-16:00 場所： 企画展ギャラリー *参加無料（要観覧券）、申込不要 -辻直之 スクリーニング＆トーク 日程： 9月13日(土) 時間： 14:00-16:00 場所： 講堂（地下1階）*聴講無料、申込不要（先着150名） シンポジウム 「ドローイング再考　　テクネーとアートのはざまで」（仮題） 日程： 9月27日(土) 時間： 13:00-16:00 場所： 講堂（地下1階）*聴講無料、申込不要（先着150名） [画像：奈良美智 「untitled」(2008) photo: Kei Okano　© the artist]

「赤坂」と共に歩み、「赤坂」の変遷を見つめてきたTBSが、今年3月にオープンさせた複合エンターテインメント空間「赤坂サカス」。その新しいエリアを最大限に活かしながら、TBSは、この「赤坂」で何ができ、何をすべきかを考え続けています。そして、そのひとつの答えが、今回開催する『Akasaka Art Flower 08』です。放送局と現代アートが手を取り合って、この「赤坂」からアートの魅力を発信したい。そして、現代アートを通して「赤坂」の街の素晴らしさと奥深さをより多くの方々に再認識して欲しい。この『Akasaka Art Flower 08』の大きなテーマを実現させることが、「赤坂」という街と共に生きるわたしたちTBSの役割のひとつだと考えたのです。『Akasaka Art Flower 08』が、「赤坂」が東京の新たな文化発信基地としての地位を確立するための大きな一歩となると同時に、放送局と街とアートの在り方を世に問うひとつのきっかけとなることを願っています。 TBS

TWSは2001年よりメイキング・サイトをキーワードとして、若手作家に実験の場を提供してきました。2006年11月にはTWS青山：クリエーター・イン・レジデンスを開始し、展覧会のみならず滞在制作をサポートしています。 今回、新たに展覧会の交換だけでなく、滞在制作というプロセスの交換も試みるという目的で、インスタレーション作品紹介を得意とするシドニーのARTSPACE Visual Arts Centreとの連携を始めます。オーストラリア人作家3名と日本人作家3組からなる半年にわたる長期の滞在制作・展覧会の交換プログラムとなる第一弾として本展を開催します。 都市を構成するのは私たちひとりひとりです。そして、個々の思考や行動などはそれぞれに影響を与え合い、交差あるいは連鎖しながら都市をつくりあげていると言えるでしょう。それぞれから出てくる一本の線をたどっていくと、位相を超えて、ノンリニアに増殖しながら個の領域を拡張したり、狭めたりしながら都市の一部となり複雑な構造をつくりだしています。都市のノイズも、歪んだ構造さえも都市の風景そのものです。ときにはランドスケープそのものを再現し、現在私たちが日常的にインターネット等を使用するのと同じく、ときにはヴァーチャルサイトでの展開も進行します。東京とシドニーという都市と人との間を往き来しながら、各会場に複数のレイヤーが入り組んだ都市のディオラマを出現させることになります。 -ギャラリートーク ARTSPACEとトーキョーワンダーサイトの事例を通して、現在のアートシーンを支える活動とその今後についてに触れながら、本展覧会出品アーティストによる作品解説を行います。 日時：　9月14日（日）16:00～18:00　（予約不要） [画像: ゲイル・プリースト「photo series for the CD/ Imaginary Conversations in　Reverberant Rooms」 (2006) Photograph by Heidrun Lohr]

姉川たくは、「糸」をテーマに表現活動を展開しているアーティストである。キャンバスにドローイングやシルクスクリーンでグラフィックを描き、糸を縫い付けていく。その縫い方は、糸によって丁寧に彩色をしていく一般的な刺繍とは違い、あくまで直感的である。絡まり合う糸たち。キャンバスの外へ広がる糸たち。心の奥底に湧き上がる衝動を、糸を縫い付けることで表現しながらも、姉川が自身の作品づくりで目指しているのは、糸そのものの存在を問いかけていくことだという。 　 糸は私たちにとって極めて身近な素材であるとともに、つねに明確な目的のために用いられる。布を縫い合わせ、刺繍をし、何かを結ぶ。だが、糸そのものの魅力が充分に引き出されているかは疑問であると、姉川は指摘する。彼は糸という存在に惹かれ、その固有の意味を明らかにする表現方法があるはずだと考えてきた。 　 2004年に糸を用いた創作活動を本格的に始めてから、姉川たくは何かに取り憑かれたように発表行為を続けてきた。国内外での個展の開催やグループ展への参加。ファッションブランドとのコラボレートによるライブ制作やショップでの展示。そして、雑誌メディアでの作品発表。彼は、デザイン会社の代表として、アートディレクションやプランニング、そしてイラストレーションを手がけている。デジタルコンテンツを得意とするクリエイターとしての評価も充分に高い。それなのに、彼はなぜアートとデザインの両輪で走り続けるのだろうか？ 「根本的にモノづくりが大好きです。デザインはチームで作る。ディスカッションして、コミュニケーションしていくなかから生まれる。アートはもっと個人的で、自分勝手な考えを表現するモノづくり。僕は欲張りだからその両方がないとつらく感じるのです」 　 表現行為こそが自らの糧と自負する姉川たくの新たなる挑み、それは「闇」と対峙することである。これまでホワイトキューブのギャラリーで展示を構成してきた彼が、9月26日から始まる展覧会で会場として選んだのは、江戸時代末に建立された土蔵を再生したアートスペース、ギャラリー・エフである。姉川は、140年の歳月を経て存在し続ける蔵という空間に何を感じているのだろうか？ 「蔵には特有の重力がある。漆黒の闇はブラックホールのように色々なものを吸い込んでいく。恐怖感を覚えながらも、強く魅かれる自分がいる。暗い異空間に糸を放ってみたい。宇宙に糸を投げるような感覚で」 　 さらに今回の展覧会は、9月26日から10月13日と10月31日から11月30日の2部構成である。前半は糸によるインスタレーションを行い、後半ではキャンバスをベースにした作品群が登場する。 　 2008年秋、漆黒の闇とスタイルの違う二つの展示によって、糸の意味を探り続けてきたアーティスト・姉川たくの「今」が明らかになる。

キムスージャは1957年韓国、テグ（大邸）生まれ。ソウルで絵画を学んだ後、フランス政府の給費留学生としてパリの国立高等美術学校のリトグラフィー・スタジオで学びました。1992年から、ニューヨークのPS1にアーティスト・イン・レジデンスとして滞在し、その後1997年のイスタンブール・ビエンナーレ、1997～2000年のシティーズ・オン・ザ・ムーヴ展、1999、2001、2005、2007年ヴェニス・ビエンナーレに参加。2003年～2004年にはリヨン現代美術館などに個展が巡回、2006年にはマドリッド、レイナ・ソフィア美術館で個展を開催するなど、国際的に活躍しているアーティストです。 写真、インスタレーション、パフォーマンス、ビデオなど、彼女の表現方法は多岐に渡りますが、作品のなかでよく使われるのが、色彩豊かな韓国伝統の布です。それは、韓国では新婚夫婦のベッドカバーとして使われるのだそうです。そして、彼女にとって重要な意味を持つのは「縫う」行為。特に韓国では「縫う」作業は女性の仕事であり、女性を象徴するものだとされています。子供の頃に祖母と一緒にベッドカバーを縫っているときに「縫う」行為のパワーを感じた、と彼女は語っています。* アーティストとして様々な国を行き来している彼女は、自分自身を「針」とし、人々や国、風景のあいだを縫いあわせているのだといいます。 彼女の代表作のひとつに、「ボタリ（包み）」という、ベッドカバーで古着を包んだ作品があります。韓国では、荷物を整理するとき、移動するときにベッドカバーにさまざまなものを包んで使うという習慣があるそうです。「ボタリ」は、使っていた人のにおい、記憶、思い、精神、人生を運ぶものと彼女は考えています。 もうひとつ、制作の根本にあるのは陰陽思想における二元論。陰と陽の二つの要素は必ずしも対立するわけではなく、むしろ調和するものと捉えています。韓国のベッドカバーを使った作品は、男と女、生と死、喜びと悲しみ、繁栄と衰退など、さまざまな陰と陽を表現しています。 今回発表する新作「A Mirror Woman : The Sun & The Moon」は、インドのゴアで太陽と月と海を撮影した映像作品です。太陽と月、潮の干満といった陰と陽。また全ての生命をつかさどる太陽と月と海。これまでの彼女の作品とくらべても、自然を扱ったスケールの大きな作品といえるでしょう。同じテーマで制作された写真作品と、「ボタリ」のインスタレーションもあわせて展示します。

港町往来ワンダララ計画09は、横浜が開港150周年を迎える2009年秋に、世界の港出身のアーティストを招待し、国内のアーティストとともに、横浜港湾地区の生活空間のいくつかの場所に作品を展示／イベントを開催します。2008年10月、以下のようなプレイベントを開催します。「アーティストの国際ネットワーク」「移民と文化混合（ハイブリッド）」「パフォーマティブ」などがテーマです。横浜市の山の手に新しくできた隠れ家的ギャラリーにて行われます。 会場: 横浜 ザイムカフェアネックス 展示 以下の３つのテーマでの展示になります。 1. アーティストの国際ネットワーク ビジュアルポエトリーのネットワークから国内外の作品 ジュリアン・ブレーヌ、足立智美、松井茂、田名部信、シア・リンネ、ヘレン・ホワイト 2. パフォーマティブ パブリック性や空間をコンセプトとしたアーティストの写真やビデオ、インスタレーション マリリン・アーセム、ジェイソン・リム、のぎすみこ、山岡佐紀子、丹羽良徳 3. 移民と文化混合（ハイッブリッド） 日系３世である在日韓国・朝鮮人のアーティストのデュオインスタレーション 裵淳玉（Bae Sunok）+嚴珠壽（Om Joosoo） イベント パフォーマンス　のぎすみこ「ひつじの散歩」+　DVDによる海外アーティスト紹介 10月12日（日）14:00-16:00 レセプションパーティ 18:00- トーク+ディスカッション「ハイブリッド（交配）日本文化論」 10月13日（月/祝）15:00-18:00　参加費1500円 在日コリアンの詩について佐川亜紀氏が、モダニズム絵画としての日本画について野口玲一氏が、その研究語ってくださいます。その後で、参加者とともに、ディスカッションがあります。 司会、進行：アライ＝ヒロユキ パネラー　佐川亜紀 (詩人、韓国／朝鮮詩研究、横浜詩人会) 野口玲一（文化庁芸術文化調査官、近現代美術史） 詳細：http://port-exchange-project.com/wordpress/?p=322 ワークショップ+パフォーマンス「やってみるポエトリーアクション～ジュリアン・ブレーヌを待ちながら～」 10月18日（土）- 19日（日）15:00-18:00　参加費：１日1500円、両日2500円 詩を、造型や音、パフォーマンスやアクションとして表現する、その超ジャンルな表現の魅力をご紹介します。生きることの姿勢との、そのパラレルな可能性を、国際詩のネットワーカー、ジュリアン・ブレーヌから学びながら、発見いたしましょう！作曲家でパフォーマーの足立智美氏にレクチャーしていただきます。 レクチャー：足立智美 パフォーマンス：足立智美、富士栄秀也、小野のんこ、谷川まり、山岡佐紀子 詳細：http://port-exchange-project.com/wordpress/?p=311 ＊ワークショップ参加者募集（初心者歓迎）1日目はレクチャーを行い、2日目には実践的なワークショップを行います。ワークショップ希望、お問合せは[info@port-exchange-project.com] まで「お名前」「連絡先」「参加希望日」を添えてご連絡ください。

古着やハギレからぬいぐるみを作っていく大分在住の作家です。 今回はインスタレーションの中で、訪れた人たちにドローイングを描いてもらい、それをぬいぐるみにしていきます。 そのぬいぐるみは1000円で持ち帰ることもできます。国際展などでも活躍する作家の東京での初個展です。

21世紀の入り口で世界が急速にグローバル化に向かいグローバルスタンダードが求められるとき、我々は自身のアイデンテティーそのものの立つ、根底の地点が問題となる。深いアジア的な表現が次を担う若き世代から現れてきていることに注目すべきだ。2000年から始まり毎年10月に開催してきたシリーズ9回目となるプログラム。 このASIAN STYLE展はエクステンションプログラムとして2009年3月、アートフェアーシーズンのニューヨークでのプレゼンテーションを計画します。開催会場は、いまNYのアートシーンでもっともホットなエリアとなりつつある、ブルックリンのウィリアムスバーグの予定です。 9/29 (月)-10/4 (土) PART I GROUP EXHIBITION 関根冬敏、宮本麗奈、大島真由美、木村奈央、柳沢新、山谷智子 10/6 (月)-10/11 (土) PART II TWO PERSONS EXHIBITION 尾園淳 「幻野祭」 松下和歌子 「LOTOPHAGI」 10/13 (月)-10/18 (土) PART III SOLO EXHIBITION 井上洋介 「そして、奴等はやって来た」 10/20 (月)-10/25 (土) PART IV SOLO EXHIBITION 大谷遥子 「おほやしまぐに」 [画像: 大島真由美]

エルヴィン・ヴルムは、我々が抱く「彫刻」という概念をすっかり変えてしまう作家です。90年代から始められた代表的なシリーズ［One Minute Sculpture］（1分彫刻）は、様々な被写体の人々、時には展覧会に足を運んだ鑑賞者自身さえもが、作家の指示に従って不自然なポーズをとり、文字通り一瞬だけの彫刻作品と化す作品です。 「基本的なステップは、まず永続的である、永遠であるという概念を捨ててしまうこと。彫刻は、ほんの数分、あるいは数秒の間でも続くことができるのだから。その時作品は、現在という段階へと迅速に運ばれていくんだ。」（Erwin Wurm “The artist who swallowed the world” Hatje Cantz刊より引用） 風船のように膨らんだ胴体の人間、四角い固まりと化した胴体にぴったりと衣服をまとった人間、あるいは人間の手足を持つ野菜。また、車や建築物が人間のように表情を持ち、むくむく膨らんだり溶け出したり、不思議なテクスチュアを帯びた作品もあります。一見奇矯にすら見える造型の数々は、もちろん誰にでもわかるようなあたたかなユーモアに満ちていますが、何もかもを彫刻として見立てることのできる作家の視線によって、解体され、再構築される、知的かつ冷静な作業の結果生まれたオブジェだとも言えます。 「36パーツあるこれらの彫刻は、全て僕自身だよ。このインスタレーションは全て僕の自画像だ」とエルヴィンが語るのは、なんと大小様々なキュウリです。また本展では、代表的な彫刻作品の数々－じゃがいもがニットを着ていたり、はたまた女性の下着を身に着けていたり、人間の2本の足を生やしていたり－の他、エルヴィンが2週間日本に滞在して撮りおろした写真作品も展示致します。日本では初の個展となる本展を、是非この機会にご高覧ください。

矢津吉隆は1980年まれ、大阪出身。現在京都を中心に活動する若手アーティストです。京都市立芸術大学で彫刻を専攻し、卒業後、若手アーティストユニットAntennaのメンバーとして活動。その後2007年から個人で制作を始めています。 『 宇宙（自己を含む世界全体）をどう解釈し物語るかをテーマに、最初期の信仰の形態とそこから生まれる装置をモチーフに制作。現代における新たな神のイメージの獲得を試みる 』 矢津は、人間の持つ“神を感じる感覚”への興味を以上のように表明し、極めてニュートラルな作品をもって、儀式的とも感じられる空間を現します。無数にモノや情報が混沌とする現代において、彼は余計なものを全て捨て去り、剥き出しにされた、シンプルな作品を用いて私たちに“神聖不可侵な場”を与えてくれます。 本展覧会のタイトル「Holy and Common」は、“神聖なもの”と“ありふれたもの”という一見すると相反するものを題しています。特に“日食”をモチーフに作られたLED装置を使った大型インスタレーション「the corona」（＊）が、その二面性の象徴的な作品となっており、日常当たり前に目にする太陽と月が、日食という限られた時間の中で姿を変える時、“ありふれたもの”を超えて、瞬く間に神秘的なものになることをモチーフとしています。（＊H250cm×W180cm×D80cm） 矢津は、人間は共通して“神聖であるという感覚”（＝“神を感じる感覚”）を持っているといいます。そして、今回の展示が、そのような退蔵されつつあるコモンセンス（共通感覚）を最適化し、私たちの意識へ浮かびあがらせる“域”とも呼べるものになるでしょう。

1995年より共同での制作活動を始める。彼らの作品は、社会と蜜に関連し合う「プラダ・アルファ」（2007）や「ショートカット」（2003）などの作品と、私的な要素が色濃く反映される「The Incidental Self」などの作品とに大別される。今回のプロジェクトは前者に属し、多くのひとが行き来するランドマークプラザの巨大な吹き抜け空間にプールと飛び込み台が出現する。作品は既存の建築空間と自然に溶け合うよう調整されたデザインを保ちつつ、物が本来あるはずのないところにあることから生じる違和感が物語を生み出す。身近なショッピングモールに持ち込まれたこの詩的なドラマは、観る者に細やかで鋭い感性の震えをもたらすだろう。 横浜トリエンナーレ2008では、8月1日よりランドマークプラザにて先行発表の予定。

この度magical, ARTROOMでは、9月23日(火)より10月26日(日)まで、栗原森元 個展｢ラッキーハムレット｣を開催する運びとなりました。 栗原森元は、栗原良彰と森元嶺によるユニットです。栗原のディレクション力と森元の献身的な働きにより生み出される人知を超えた作品の数々をぜひお楽しみ下さい。 また同時にDICE PROJECT002として天野亨彦による展示「understanding」を開催します。天野は『THE ECHO』展（9/13〜10/6, ZAIM横浜）に出品中です。

立体から平面、写真と、表現の境界を自由に飛び越え、国内外で精力的に作品を発表する植松琢麿の新作展をご案内申し上げます。 動物の剥製や天然石、植物のイメージ等を用いる植松の作品は、異質な組み合わせから生じる抵抗感が、無限に広がる時空へと我々の想像力を掻立てます。イノシシと白鳥、鹿と珊瑚など、自在に他の個体と結合させることで異形の存在感を得た剥製や樹脂製の動物達は、地球上に存在する全生命の象徴として提示され、生に対する憧れ、畏敬の念を表すと同時に、身体の物質的存在の不安定感を可視化することに成功しています。 本展では、そうした植松作品に登場する動物や植物達がジオラマのような、卓上の白い世界で展開されます。自身の作品を「結晶」や「連鎖」という言葉で語る植松は、本展を「群生を織り成す白いサンゴ礁」のような世界と捉えています。個の形や存在はそれぞれの異質性を忘れ、凝縮された世界の中でその境界線を曖昧にしていきます。「珊瑚の森」の中ではもはや人間も観察者には留まれず、連鎖の一部として白の世界の無限の広がりに溶け込んでいくことでしょう。 光輝く結晶のように、世界の連鎖や広がりをイメージする植松にとっては「白」も重要な要素の一つです。世界が多くの光で満たされていても、最終的には白になる、無に帰するという、植松の時間的、物質的観念の表れかもしれません。 hpgrp GALLERY 東京では初めてとなる植松琢麿の新作展、この機会に是非ご高覧ください。

辻けいさんは、1970年代より自ら染織した糸や布を用いてオーストラリアの砂漠やカナダの森、スコットランド島の水辺にてフィールドワーク・インスタレーションを行なってきました。 赤、黄、青、白のカラフルな糸や布が、辺境の壮大な自然をロケーションに流れるように、染み透るようにインスタレーションされる様は圧巻で、欧米のアースワークや自然派と呼ばれる作家たちとは一線を画したその繊細な雰囲気が、日本人の自然に畏怖の念を持つ独特の感性を反映するものとして、国内外から高い評価を受けて来ました。 辻　けいさんは、染織をアーティストの自己として捕らえ、大自然に添わせ、風や水によってねじれ、脱色、変容させながら、そこに存在するものとして確認することで、自己もまた自然界に存在するものであると考え、こうした制作を行なっています。 近年では染や織の色は「あか」になり、2001年岩手県立美術館では、内側をベンガラの「あか」一面に塗った迫力のある装置を展示し、2006年国際芸術センター青森での滞在制作は、市内を流れる荒川に赤い糸を流した幻想的なインスタレーションを行なっています。 辻　けいが「あか」への探求を行なうようになったのは、カイガラムシのつくる赤色にインスパイアされたことに始まります。「赤」とは自然の中では異色、異形を感じさせる色でありながら、アイヌ語の「あか」は「神仏に供える新しい水」の意で、人体を流れる血管をも赤い水の流れとしてなぞらえ、「あか」とは自然と人為をつなぐ地下水脈のようなものであるとイメージしてきました。 辻　けいさんが、導かれるようにかけがえのない自然の地を訪れ、交感したい場所に「あか」を置く時、辺りは急にいきいきと清らかに変貌し、圧倒されます。まるで精霊と交信しているようだと形容される由縁です。 今展では、2008年8月23日と24日、青森・八甲田山の融雪で湧く沼で行なわれた「あか」のインスタレーションから、会場の壁面32ｍにぐるりと写真を、会場の真ん中に、沼を模した大きな水盤2面を設置し映像作品を投影します。ひそやかに、地球のどこかの自然と交感して生まれた辻　けいのつくる「あか」の相貌は、未知の光景として鮮烈です。 アーティスト・トーク　2008年10月4日（土） 18:00～19:00

10月18日（土）19:00〜ギャラリートーク

MAMプロジェクト008では荒木珠奈（1970年生まれ）を紹介します。荒木は版画、立体、インスタレーション、アニメーションなど多様な技法を使い分け、シンプルでありながら斬新さを感じさせる独自の表現を展開してきました。確かな技術によって絶妙に組み合わされる色彩や形からは、居住、移動、つながり、成長など、人間の日々の営みにかかわるテーマが浮かび上がり、これらの要素が作品と見る人を結びつけて、さまざまな読み取りを促します。インスタレーションはしばしば複数のパーツの集合で構成され、それらは集団を形成するというよりは、多数の中の“個”を強調しているように見えます。一見すると似通った現象の中に、それぞれの個性と人生の炎が灯されているかのようです。ときに孤立し、ときに寄り添いながら異なる道を進む生命の姿から「生きる」という根源的な意味が想い起こされます。これまで繰り返しメキシコに滞在した荒木は、色彩感覚や様式にその文化的影響を受けており、ときに毒々しささえ感じさせる色や形は原初的なエネルギーとして表現され、荒木の作品に「きれい」だけでない強靭さを加味しています。今回の展示では、ギャラリー空間を生かした新作インスタレーションを発表。ユニークな素材使いと独創性あふれるコンセプト、ていねいな手仕事とイマジネーションが生み出す豊かな世界をお楽しみください。 アーティストトーク　＊日英同時通訳付 作家が自作について語ります。 日時： 2008年8月22日（金）19:00-20:00 会場： 森美術館展示室内 定員： 100名（当日先着順、予約不要） 料金： 無料（要展覧会チケット） おやこワークショップ「メキシコのひょうたんに絵を描こう」　＊日本語のみ メキシコの民芸品や楽器、飾りとして使われるひょうたん「ヒカラ」（写真右）を使ったワークショップです。「ヒカラ」の内側を天空に見立てて絵を描きます。 日時： 2008年8月24日（日）13:00-16:00 会場： 森美術館展示室内 対象： 小学生とその保護者 定員： 親子15組30名（要予約） 料金： 材料費一人500円（※要展覧会チケット） お申し込みは美術館のHPまでお訪ねください。 [画像： 「詩的な混沌」 2005年、紙、セロファン、電球、電線 Photo: Alfredo Rosado]

「アネット・メサジェ：聖と俗の使者たち」展は、フランスを代表する女性アーティスト、アネット・メサジェを紹介する日本初の大規模な個展です。 1970年代から絵、写真、記事、拾い集めたオブジェ、言葉、剥製、ぬいぐるみ、布、刺繍、糸、編み物など、日常のさまざまな素材用いて、創作活動を行ってきたメサジェ。　彼女は聖と俗、ユーモアと恐怖、愛と悲しみ、女性と男性、動物と人間、子供と大人、生と死、表と裏など、人間の相反する複雑さを日常の視点から浮き彫りにします。　収集癖や身体への関心、ぬいぐるみや玩具との戯れ、言葉遊びなどから生まれる作品には、子供のような無邪気さと残酷さが共存し、私たちは、メサジェの紡ぎだす物語の世界からさまざまなメッセージを読み取ることができます。　人間の負の感覚にも正面から向き合いつつ、そこに小さなユーモアを潜ませる独特のエスプリは、世代を超えて多くの人びとの心を捉え、魅了します。 チャーミングで幻想的、そして時に奇妙で不可思議なかたちで私たちの前へ現れる作品群。それらは人の心の奥深い部分へ何かを投げかけてくる「使者」といえます。 本展はパリ（ポンピドゥーセンター）をはじめ、フィンランド、韓国を巡回した国際展です。日本では森美術館のギャラリー空間を生かしたスケールの大きな展示をお楽しみいただけます。展示は2005年の第51回ヴェネチア・ビエンナーレで金の獅子賞を受賞した《カジノ》をはじめ、代表作《つながったり分かれたり》などを含む約30数点の作品によって構成されます。

サイモン・パタソンは、祖父母の4人がそれぞれ、イングランド、スコットランド、ウェールズ、アイルランドという完璧な大英帝国人として1969年、サリー州に生まれた。 90年代の英国の現代美術を支えたヤング・ブリティッシュ・アーティスト(YBA)の中では、ハーストやゴードンに比べて地味な活動ではあるが、言わばいぶし銀としてその存在は重要視されている。その作品は些か難解ながら、読み解いたとき の快感はゴールドスミス卒業生ならではのもの。船、地図、星図、計算尺そして最も著名な地下鉄路線図、それら彼得意の モチーフは絶妙のノスタルジーと高度なウィットにちりばめられてスマートな作品と化し、観客を幻惑する。 1994年、コオジオグラギャラリーとレントゲン藝術研究所の巡回展「ハイ・フィディリティ」以来、パタソンは日本に 於ける幾度もの展覧会を開催、成功させている。今回の展覧会は彼の新作展としては2004年3月以来実に4年半ぶりの開催。 現在グリニッジ・マリタイムミュージアムでの展覧会も好調なパタソンが、いかなる作品をひっさげ、いかなる展覧会を開くか？ いつも最後の最後まで、それは画廊にさえ明かされない。 乞う、御期待。 展覧会初日10/3(金)18:00〜、出品作家を囲んでのオープニングパーティーを開催いたします。 また、本展会期中の10/4(土)に「オクトーバーフェスト」というイベントが開催されます。このイベントは、弊社が所在しております中央区に点在している、 周辺ギャラリーを巡るイベントです。のサイトをご覧下さい。

9月5日(金)より丸ビル１FのH.P.FRANCE WINDOW GALLERYでは、インスタレーション形式で作品を発表し続けている、さとうかよの新作展「Twin Peaks」を開催致します。解体したぬいぐるみと他の素材を巧みに縫い合わせて作り出される、新たな合成動物のようなさとうの作品は、玩具としての可愛さを未だ持ち合わせつつも、どこか挑発的です。 今回さとうは、表の顔と裏の顔が同時に表出したかのような、２つで１つになった動物たちのいる森をギャラリースペースに作り出します。彼らは２つで１つであることへの不安や動揺を抱えつつも、どう折り合いをつけるのでしょうか。脳裏にこびりついて離れないような不可思議な光景が広がります。

三嶋章義は、アートワークグループENLIGHTENMENTの一員として、これまでそのコマーシャルワーク、ファインアート作品、VJなどの多様な創作活動に携わる傍ら、自身のソロプロジェクトも積極的に展開している気鋭の若手作家です。あらゆる色彩と形象を自由に操り、ボーダーレスなイメージを志向するそのクリエイティブは、アート関係者のみならず、アートの新時代を期待する若者たちの高い注目を集めています。 三嶋は、戦後第三世代を生きる自身の創作コンセプトとして、異文化との積極的な融合を掲げています。そのクリエイティブは、あらゆる文化圏の異なる言語、歴史、そしてイメージを積極的に吸収し、それを再構築して、融和の可能性を捕らえようと向かいます。その姿勢は、グローバリズムの謳われる世界の未来像の一端を牽引する日本の特異な存在に起因しているのかもしれません。 今回の「Elements」において、三嶋は、古代中国から伝わる五行思想をヒントに、世界の調和の可能性についての考察を試みます。「水は火に勝ち、火は金に勝ち、金は木に勝ち、木は土に勝ち、土は水に勝つ」という五行相剋に象徴される五行思想は、世界の成り立ちを「木・火・土・金・水」という五つの元素にて解釈します。三嶋は、すべての要素が互いの欠点を補完し合い、また抑制し合うというその関係に注目し、五つの象徴的なイメージと、その思想を具体化する実験的なインスタレーションによって、世界の未来像に対するイメージを創作します。

かつて違法な特殊飲食店が軒を連ねていた横浜市黄金町に2つのアートスタジオが新しく誕生します。これらのスタジオをメイン会場とし、「黄金町バザール」が開催されます。 黄金町バザールは、地域とアートの共存を通して街並が新しく生まれ変わることをめざす事業であり、その最初の一歩として位置づけられます。今回はアートという枠にあえてこだわらず、衣食住にわたる新しい経済活動を導入しながら、街の在り方を見直すアイデア、イベントなど多彩な分野を取り入れて全体を構成しています。それらすべてが一体となって、豊かな経験が生まれる場所を作り出すこと、多くの来訪者を心から歓迎できるまちづくりと会期終了後も持続可能な事業展開を目指します。 新設高架下のスタジオをはじめ、周辺の空き店舗、また大岡川等、街全体が展示会場となります。

三田村光土里は、写真や映像を主な素材に、記憶やコミュニケーションをテーマに作品を発表している作家です。 近年では、国内のみならず、ヨーロッパ各地でも個展やグループ展で積極的に作品を発表し、高い評価を得ています。 今回、三田村は、創造空間9001において、近年積極的に取り組んでいる公開制作型プロジェクト「Art&Breakfast」を発展させた新たなプロジェクトと、新作を組み合わせた展示を行う予定です。会期中は、三田村も実際に創造空間9001のスペースを訪れ、自身の作品制作を行いながらのワークショップやイベントなども開催する予定です。 ＊イベントやワークショップの情報はホームページにて更新していきます。

日本最大級の現代アートの国際展「横浜トリエンナーレ」がいよいよ開幕！展示会のテーマは「TIME CREVASSE　タイムクレヴァス」。 2001年に始まった現代美術の国際展「横浜トリエンナーレ」の第3回展。総合ディレクターの掲げるテーマに基づき、世界各地より60〜70名程度の作家を選定し、多様な作品 (映像、インスタレーション、写真、絵画、彫刻等) を展示します。世界最先端の現代美術の紹介に努め、新作を中心に展観する一方、開催地・開催場所の魅力や個性を生かした作品 (サイトスペシフィック・ワーク) も数多く含めることによって、街を取り込んだ大規模な「現代アートの祭典」といたします。 会期中は、トリエンナーレのコンセプトや理念を補完するシンポジウムをはじめ、作家と参加者との対話が広がるようなワークショップやギャラリー・トークなどの交流イベントも積極的に展開。また、国内外の美術機関や他の国際展との連携も模索していきます。 馬車道駅から徒歩3分の日本郵船海岸通倉庫は、1952年に物流倉庫としてスタートし、日本郵船歴史資料館を経て、現在はBank ART Studio NYKとして多目的に活用されています。横浜トリエンナーレ2008では、この鉄筋コンクリート3階建倉庫の1階の一部と2・3階を全てを利用して、約20作家の作品を展示します。 この他のメイン会場としてを含みます。 主催：お問い合わせ： [ハローダイヤル] 03-5777-8600／050-5541-8600(日本語 8:00～22:00) 03-5405-8686(English 9:00～18:00)

日本最大級の現代アートの国際展「横浜トリエンナーレ」がいよいよ開幕！展示会のテーマは「TIME CREVASSE　タイムクレヴァス」。 2001年に始まった現代美術の国際展「横浜トリエンナーレ」の第3回展。総合ディレクターの掲げるテーマに基づき、世界各地より60〜70名程度の作家を選定し、多様な作品 (映像、インスタレーション、写真、絵画、彫刻等) を展示します。世界最先端の現代美術の紹介に努め、新作を中心に展観する一方、開催地・開催場所の魅力や個性を生かした作品 (サイトスペシフィック・ワーク) も数多く含めることによって、街を取り込んだ大規模な「現代アートの祭典」といたします。 会期中は、トリエンナーレのコンセプトや理念を補完するシンポジウムをはじめ、作家と参加者との対話が広がるようなワークショップやギャラリー・トークなどの交流イベントも積極的に展開。また、国内外の美術機関や他の国際展との連携も模索していきます。 明治の息吹を今に伝える赤レンガ倉庫は、2001年の第1回横浜トリエンナーレに続き、再び1号館が会場となります。3階のホールは、今回のトリエンナーレの特徴でもあるパフォーマンスの場として活用されるほか、会期中はコンサートやレクチャー・シリーズなど様々な関連プログラムも実施予定です。また1階には会期中限定のミュージアム・ショップもオープンします。 この他のメイン会場、でも開催されます。 主催：お問い合わせ： [ハローダイヤル] 03-5777-8600／050-5541-8600(日本語 8:00～22:00) 03-5405-8686(English 9:00～18:00)

日本最大級の現代アートの国際展「横浜トリエンナーレ」がいよいよ開幕！展示会のテーマは「TIME CREVASSE　タイムクレヴァス」。 2001 年に始まった現代美術の国際展「横浜トリエンナーレ」の第3回展。総合ディレクターの掲げるテーマに基づき、世界各地より60〜70名程度の作家を選定し、多様な作品 (映像、インスタレーション、写真、絵画、彫刻等) を展示します。世界最先端の現代美術の紹介に努め、新作を中心に展観する一方、開催地・開催場所の魅力や個性を生かした作品 (サイトスペシフィック・ワーク) も数多く含めることによって、街を取り込んだ大規模な「現代アートの祭典」といたします。 会期中は、トリエンナーレのコンセプトや理念を補完するシンポジウムをはじめ、作家と参加者との対話が広がるようなワークショップやギャラリー・トークなどの交流イベントも積極的に展開。また、国内外の美術機関や他の国際展との連携も模索していきます。 横浜港でもっとも長い歴史を刻む新港ふ頭に新たに建築された建物 (本年8月竣工、延床面積約4,300m²) が、今回のトリエンナーレのメイン会場です。間口33m、奥行き132m、最大天井高約12mの柱のない大空間は、トップライトやハイサイドライトによる上方採光を通し、明るく均質的な空間が志向されています。建物の杮落としともなる横浜トリエンナーレ2008では、約30人の作家による多様な形態の作品に対応できるよう会場を構成いたします。会場内にはカフェとミュージアム・ショップもオープンの予定です。 この他のメイン会場、でも開催されます。 主催：お問い合わせ： [ハローダイヤル] 03-5777-8600／050-5541-8600(日本語 8:00～22:00) 03-5405-8686(English 9:00～18:00)

今回は、ワタリウム美術館のコレクションより、未公開作品を中心に108点を展示します。近年、映画監督として注目を集めているジュリアン・シュナーベル（1951- アメリカ）の1988年の作品、現代音楽家ジョン・ケージ（1912-1992　アメリカ）のドローイング、日本の現代美術をリードした銅板画家、駒井哲郎（1920-1976 日本）の作品など。10年以上看板で覆われていたキース・ヘリングの壁画をこの展覧会のために公開します。 作品に加え、作家との出会い、その作品が生まれた経緯、知られることのなかったエピソードなど、それぞれの「コレクション物語」もお伝えしたいと思います。 関連やトークイベントも開催します。詳しくはHPお訪ねください。

2008年に当館のコレクションに加わった草間彌生の《水上の蛍》は、鏡で囲まれた3次元の中に入って、空間全体を鑑賞する作品です。 一見、倉庫のような無愛想な構造物の扉を開けると、暗闇の中でまばゆいばかりに輝く無数の電飾の光が、目に飛び込んできます。足元に伸びる通路をたどって部屋の中まで進むと、頭上に吊り下げられた150灯の電飾の光が、壁や天井の鏡面と、足元で揺れる水面に映りこんで、現実空間だけでなく、虚構空間の中で無限に増殖して行くようにも見えます。 《水上の蛍》は、全部で3バージョン作られており、日本では、静岡県立美術館でのみご覧いただけます。 [画像：「水上の蛍」、2000年、鏡、金属、電球、木、アクリル板、水]

"BOOJUM"は、無意味にバランスを与える装置である。 そのシステムは10台のマシンから成り、それぞれの機械の名前は、すべてアルファベットの文字「B」で始まる: Broke、Backwards、Bridge、Brooklyn、Blind、Blemish、Bounce、Biscuit、Beijing、Because。このうちBlemishだけは、どんな形としてもその存在を目にすることができない。 すべてのマシンの色は真っ黒であって、BlindがBrooklynとBridgeの間に現れる日の出に目を開くまで、完全に動かない。また、Biscuitが一杯の紅茶をBackwardsに注ぐと、Bounceは、テーブルに着くようにと、金切り声でBeijingを呼ぶ。その一方で、Becauseがスリットを捜し求めて通り過ぎるときは必ず、Brokeは沈黙のうちに座っている。

常設展示「情報科学技術と社会」は、体験型の展示装置を中心とした楽しみながら情報技術のしくみを学べるフロアです。今回、このフロアの約150㎡部分を改修し、多種多様な展示物に対応できるフレキシブルな空間「メディアラボ」を開設します。日々進歩の著しい情報技術分野では、常設展示の内容が技術開発の進展に合わなくなることや、来館者のニーズに応えられないことが問題でした。この課題について未来館では、その都度展示を作り変えるよりも、同じ展示空間の中で迅速に弾力的な対応ができるほうが効果的かつ効率的に表現できると考え、常設展示「情報科学技術と社会」の一部を、自由に構成できる展示空間としてリニューアルすることにしました。「メディアラボ」は、既存の常設展示の概念とは異なり、汎用性の高い可動型の展示壁（メディアウォール）により構成される空間で、展示用途を限定しません。「絶えず手を加え作り続けられる空間」となるように、シンプルな中にも機能性を満たした設計となっており、情報技術や来館者のニーズの変化に伴い展示物やレイアウトを変化させることはもちろん、展示の作り手が来館者の反応などを反映しながら、自在に新しい空間をつくることができます。更新性の高い常設展示「メディアラボ」は、現在進行形の情報技術やそれが私たちにもたらす変化を来館者に直接感じていただくことを目指します。 本展示場のオープニングに際しては、4月24日（木）より8月31日（日）まで、「表現する研究者たち」と題した特別展示を行ないます。アートとテクノロジーとサイエンスの融合から生まれ、従来のアートの枠組みに挑戦する取り組み”デバイスアート”の世界を紹介します。詳しくは、別紙のご案内をご覧くださいますようお願いします。未来館では本展示空間で年間2回から数回の新規展示を紹介していく予定です。

２０世紀を代表する世界的な巨匠、ロダン、マイヨール、ブールデル、ミロ、ヘンリー・ムーアや、国内の代表的な作家達の野外彫刻を中心に、ピカソ館を含めて約４００点余りを常設展示しています。 ピカソ館をはじめとして、本館ギャラリー、アートホール、絵画館など室内展示場も充実しており、近代、現代の彫刻をはじめ印象派から現代までの絵画など、幅広く所蔵しています。 箱根の四季の自然と彫刻のハーモニーが、身も心もリラックスさせてくれます。

千葉県の北総地方の出身であり生まれた年もほぼ一緒でありながら，伝統を重んじた『香取秀真（かとり ほつま）』と，革新を唱えた『津田信夫（つだ しのぶ）』の対照的な作家活動をした２人の鋳金作家の作品と，大正から昭和にかけての金属工芸作家の作品を，３か月ごとに替えながら１階の２つの展示室にて常設展示いたします。

彫刻家・冨井大裕が「もりや学びの里」B館の館内にて作品を発表します。彼の作品はどれも既製品を彫刻として捉え直すものです。私たちが普段見なれている物たちは、それがもつ使用価値を取り除かれ、あたらしい構成と外観が与えられます。彼の創作は、その展示価値の付与行為におけるささやかで、思いがけない手つきと仕草のなかにあるのです。アーカス・スタジオのある「もりや学びの里」は音楽室、調理室、創作工芸室などがあり、日常的に様々な目的で市民に利用されています。そこに設置された彼の「さりげない」作品たちは、鑑賞するという大げさな行為ではなく、ごく自然に人々の目に触れ、新鮮な驚きを喚起するものとなります。 これらの作品は全て新作でありながら、同時にパーマネント・コレクションとなり設置されたその場に置かれつづけます。この展覧会に会期はありません。その最初の日である2008年3月22日より、作品が朽ちるその日まで展覧会は公開されつづけます。 オープニングパーティー: 3月22日（土）18:30〜 at ARCUS Studio 要事前連絡（tel/fax: 0297-46-2600）

10/10(金)-10/16(木) [ Art Piece ] Japone Piece! 10/10(金)-10/16(木) [ W:1-A ] 奈那子 "完璧じゃない僕らには、世界はあまりにも生きづらかった。" 立体・イラストレーション 10/10(金)-10/16(木) [ W:1-G ] 平山 joshua 光義 "忘れました" 絵画・立体 10/10(金)-10/16(木) [ W:2-B ] -sen- 2人展: イラストレーション 10/10(金)-10/16(木) [ W:2-C ] 宮下大輔 "TOKYO GOOD WEATHER" 絵画・インスタレーション 10/10(金)-10/16(木) [ W:2-D ] 井之上豪 "DESIGN FESTA PLANET.06" イラストレーション 10/10(金)-10/16(木) [ E:101-5 ] MAMECO "RUNWAY" イラストレーション 10/10(金)-10/16(木)[ E:202 ] ジャポネパニックシアター！ 10/10(金)-10/16(木) [ E:203 ] HARIKEN 立体・イラストレーション・雑貨・ファッション 10/11(土) [ W:Garden ] YDC+α パフォーマンス 10/11(土)-10/12(日) [ E:102 ] FICEのアキバな部屋 パフォーマンス 10/11(土)-10/13(月) [ W:1-B ] merienda "ONE Cushion" 2人展: 立体・グラフィックデザイン・写真・雑貨・インスタレーション 10/11(土)-10/13(月) [ E:101-4 ] teketekebia イラストレーション・写真 10/11(土)-10/13(月) [ E:201,T-2 ] OBAKE Festa! "恐怖・・・" お化け屋敷 10/11(土)-10/13(月) [ E:304 ] 表現難民互助会 パフォーマンス [画像: MAMECO "RUNWAY"]

Hatch Art は、今回様々な要素を持つ魅力的なションボルである「RED」をテーマとし、６人のアーティストの作品を紹介します。これまでHatch Artが開催した「Happy Hours」展、「Yokohama Boogie」展同様に、本展覧会でもテーマの解釈は各作家に委ねられ表現されている。作家・企画者(Hatch Art)そして更に観客が加わる事で本展覧会「RED」に新たな解釈を加えて頂きたい。 10月12日（日）14:00-16:00　アーテイストトーク 展覧会について Hatch Art 〒231-0021　神奈川県横浜市中区日本大通34　ZAIM406 E-mail:hatchart@gmail.com

会場：ZAIM 別館 2, 3F

TARO賞（岡本太郎現代芸術賞）は、岡本太郎の精神を継承し、自由な視点と発想で、現代社会に鋭くメッセージを突きつける芸術家を世に輩出したいと願った故岡本敏子の熱い情熱によって、1997年に創設されました。その後、10余回にわたり開催されてきたTARO賞からは、世界的に活躍する現代芸術家が多く生まれ、岡本太郎のアヴァンギャルド精神は推し進められ、ますます膨張しています。そして、故岡本敏子の情熱は、ますます増殖しているかのようです。 　岡本太郎美術館では、かつて岡本太郎がそうであったように、新しい才能を支援し活動の機会を提供していきたいと考えています。その活動の一つとして、本展では、第4回から第9回までのTARO賞の各賞を受賞後、順調に活動を展開してきた作家から今井紀彰、えぐちりか、開発好明、風間サチコ、棚田康司、横井山泰（50音順）の6名を選抜し、新作を中心にご紹介します。 [画像: えぐちりか「バーンブルックの卵」第6回　優秀賞]

10/12(日) [ E:101-1 ] UhBee "Melty Love" 2人展: オブジェ・イラストレーション・グラフィックアート・写真 10/12(日)-10/13(月) [ E:101-2 ] 鎌田組 "ARC" 2人展: 絵画・イラストレーション・グラフィックデザイン 10/12(日)-10/13(月) [ E:101-6 ] TumoriDX "DXキャラ展?家畜から人工生命まで?" 立体・イラストレーション・雑貨 10/12(日)-10/14(火) [ E:101-3 ] Funky, cool character designers "cuty cool kiddys" グループ展: イラストレーション 10/12(日)-10/18(土) [ W:1-F ] yocosima "モノクローム" グループ展: グラフィックデザイン・写真・アート書道 10/15(水)-10/21(火) [ W:1-D ] 好きなものをお選びください グループ展: 絵画・写真・ファッション・映像・マルチメディア 10/16(木)-10/17(金) [ W:2-E ] 渡部一也 展 絵画 10/17(金)-10/19(日) [ W:1-C ] LULUCO "睫を読まれる" 絵画・イラストレーション・雑貨・絵本・その他 10/17(金)-10/20(月) [ W:1-A ] コヲジロック!! "rock, stock & red check revolutions" イラストレーション 10/17(金)-10/22(水) [ W:1-G ] 杉崎堯継 絵画 [画像: コヲジロック!! "rock, stock & red check revolutions"]