東大寺大仏殿では昭和55年に昭和大修理と銘打たれたプロジェクトが完成し、その落慶法要の納経のために当世きっての書家・画家・工芸家が競演して「大広方仏華厳経」60巻を写経した巻物が作りあげられた。華厳経という経典の宗教的な意味合いに理解が及ばなくても、昭和を代表する芸術家達の才気を結集させた芸術作品として十二分に楽しんで鑑賞することが出来るであろう。

出展品の中心をなすのが華厳経を写経した巻物であるが、1つ1つの巻を多くの書家が分担して写経している。書はよくわからない、と、食わず嫌いで敬遠している人もいるのではないだろうか。だが、書とは筆の動きという非常にシンプルな要素だけで勝負している表現であり、その研ぎ澄まされた単純さは清々しいほどの骨太な力強さを書という芸術に与えているのである。

「経を写す」という表現行為はおそらく様々な制約の中で行われるものなのだろう。しかし、1つの巻の中でもある部分では福々しい丸みを感じさせる字体で、またある部分では小川が流れるような典雅な字体で、と、紙と墨のみが使われているのにもかかわらず非常にバリエーションに富んだ書家の個性のコラボレーションが展開されているのを見ることが出来る。

また見逃せないのが、巻頭・巻末などにつけられている「見返し絵」と呼ばれる日本画の数々である。少し挙げるだけでも、東山魁夷・堅山南風・加山又造・上村松篁・奥村土牛・秋野不矩などの昭和を代表する日本画家の名前が並ぶ。経典の内容に即した絵が描かれているとのことであるが、画家各々の画風が一望できて、昭和という時代を映した絵巻物と呼べるのかもしれない。

展示を見渡して感じることは、それぞれの芸術家個人の自我を越えた一体感とも言うべき絆の存在であろう。もちろん、筆を持って書をしたため、絵を描く、という表現行為は芸術家の自我の発露そのものである。それに加えてこの東大寺の納経というプロジェクトに呼ばれたということは芸術家としてのステータスの確立に一役買うものであったであろうし、そこにその芸術家自身の「周りに認められたい」という自我が皆無であるなどということはおそらくないであろう。しかし、それでもなおこの展示室を満たす空気の中には、自分と自分の大切な人の安寧を願って東大寺を大切にしてきた名もなき数多くの人々の、連綿と続いた祈りの心を荘厳したいという芸術家達の想いが呼び覚まされているのが感じられる。経篋を手がけた漆芸家の松田権六が、多くの参詣者の足音を聞いてきたであろう大鐘の鐘楼の敷居に使われていた古材が、経篋として新たな役目を担うということに感動を覚えていた、という逸話も紹介されている。幸福でありたいと願う素朴な心、古の奈良の時代より時を超えて人々の間で共有されてきた想いに自分も連なりたいという芸術家自身の願いを感じることが出来る。

今回は、松原慈と有山宙の assistant、PMKFA によるデザインブランド It’s Our Thing の2組が、スカーフやネクタイといった小物から、Tシャツ、映画、ポスター、音楽CDアイテムを並べました。
スウェーデンの海賊をイメージしたというディスプレイはまさに海賊船の宝物箱のようににぎやかで、そしてかわいらしいのです。
今回で２回目の期間限定ショップ。今後も継続して開催する予定ということで、独自の視点で活きのいいポップカルチャーを紹介する OK FRED が次回はどのようなチョイスをしてくるのかとても楽しみです。

世界中のデザイナーを魅了し続ける「和の美」は一体何なのでしょうか。海外では茶道の哲学はどう説明されるのでしょうか。はたまた郡司教授が考えるいまのデザインに足りない「ココロ」とは。

ディスカッションしてみてほしい事、聞いてみたい質問などを募集します。
当日、選ばれた質問やテーマがトークで話し合われます。
talks[at]tokyoartbeat.comへメールまたは下のコメントフォームから記入し、送信してください。

ご協力よろしくお願いします！
それでは7月1日にお会い出来るのを楽しみにしています。

カミジマユウスケ はライブミュージシャンや作曲家（ 坂本龍一のラジオ番組で曲がオンエアー ）として定評があるアーティスト。彼のライブの模様はこちらから。

VJは シャンテル・マーティン 。
シャンテルは、わたしたちTOKYO ART BEATの2007年の T-Shirt Collection にデザインを提供してくれたアーティストの一人です。

シャンテルは、ステージを見ながらドローイングをその場でまっさらの紙に描き進める手法をとっており、紙に描き上がったドローイングにはデジタルエフェクトだけではなく、手で紙に影を作ったり、折り曲げたりなどアナログな効果を加えていきます。音楽に合わせてその場でパズルのピースように組み合わさり、広がっていくイラストレーションが特徴。こちら のサイトではシャンテルのこれまでの活動がビデオで見られます。

つづいて Nacci はささやくような歌声が特徴の女性ボーカリスト。
今回はコラボレーションしているミュージシャンとVJに Ben List を迎えて出演。

ネットレーベルMizukage Recordsを主宰している 青木晋太郎 が今回のおおとり。
ライブの模様はこちらからみれます！彼のMySpaceは こちら。

次のTest Tone#35は来月7月8日。
次回出演アーティストのラインナップは以下の通りです！

多くのアーティストが MySpace.com などのオンラインサービスを利用して自分たちの音楽を配信しています。
気になるアーティストを見つけたら、是非来月のTest Toneに足を運ばれてみてはいかがでしょうか。

Katchmare aka Nick Hoffman (USA)
Miclodiet

L?K?O(turntables) x 大谷能生 (sax) x Cal Lyall (guitar) x 山本達久 (drums)
L?K?O
大谷能生
Cal Lyall
山本達久

visuals :
Onnacodomo

詳細は Test Tone ホームページ に随時掲載されるのでそちらをご確認ください！

コンテンポラリー・アートという枠で考えるならばこうした光景はあまり目にせず、大きな展覧会ないしは有名ギャラリーでの展示が当たり前となっている。そのため、いわゆる「民衆」にとって敷居がやや高い。その高さがやや低まるのが「国際」という名の付いたアート関連のイベントである。

国際という名の付くコンテンポラリー・アートフェアもしくはビエンナーレが、昨今世界各地で行われている。ここモスクワもその例に漏れず、5月と6月に〈 モスクワ・アートフェア 〉と〈 第一回モスクワ国際建築ビエンナーレ 〉が開催された。
前者と後者ともに、モスクワ河沿いに位置するアーティストセンター( Tsentr Dom Chudojyunik )で開催された。この展示会場はアート関連だけでなく、産業博覧会・見本市、国際会議等にも利用され、強いて言えば大型文化ホールのようなものである（この建造物別会場には、新トレチャコフ美術館が併設されている）。


よって、見本市ベースの展示空間のため、残念ながらどの「催し物」も似通ってしまう。しかしながら、内容によってはかつての万博のような誰もが楽しめる場、何かを提供してくれそうな空間に映る。アートの文脈で眺めた場合、上記二点がそれに該当したのではないかと思う。


さて、5月に開催された〈 アート・モスクワ 〉だが、〈 Art Basel 〉 や 〈 アートフェア東京 〉 とまではいかないが、有名ギャラリーが集い、作品売買が行われるイベントである。違いを言えば、コンテンポラリー・アートに特化したギャラリーのみが〈 アート・モスクワ 〉で出展しているということだ。基本はモスクワとサンクト・ペテルブルグの有力ギャラリーが出展し、チェコ、フィンランド、ドイツ、イタリア、フランス、バルト三国他外国ギャラリーが招待されていた。

〈 アート・モスクワ 〉の長所は、各ギャラリーがプッシュするアーティストの作品が一つの場所で鑑賞できるということであろう。特にモスクワのコンテンポラリー・アートギャラリーはVinzabod（アートコンプレックス）を除いて散在しているため、コンテンポラリー・アートファンには何とも有難い。加えて、初日にはアーティストが駐在するギャラリーも見受けられた。記者が見た限り、数多くのギャラリーの中でも最も人だかりが多かったのは XL gallery 、triumph gallery 、 Aidan gallery 、Regina Gallery 、M&J Guelman Gallery など。その理由は、人気作家を抱えること、ギャラリストの腕が知れ渡っていることである。そのため、独自の企画を打ち出すギャラリーよりも人気作家の新作を定期的に提示するギャラリーに人が集中していた。この点を考慮すると、展覧会の企画自体よりも作家の新作を求める傾向がモスクワのアートシーンは強いと言えそうだ。

このアートシーンに多少なりとも重ねる形で自らを位置つけようとするのが、6月に開催された〈 第一回モスクワ国際建築ビエンナーレ 〉である。大まかな方向性は、ヴェニス、ロッテルダム、サンパウロ 等で開催されているアートビエンナーレのように、建築ビエンナーレをその前段階として持ってこようとするものだ。そのため、単にマケット（ 建築物のモデル ）や都市ないし地区プランだけでなく、アート作品展示もなされている。

メイン会場となっているアーティストセンターでは、ビエンナーレの第1週目に建築・インテリア関係の会社がブースを設け商品や企画のプレゼンが行われ、文字通り見本市の活況を呈していた。ただ、アートの文脈に乗るような展示はアーティストセンター外回廊の 〈 国際パヴィリオン 〉 と別会場となっている建築美術館での〈 ロシア・パヴィリオン 〉、同時開催のプログラム 〈 自立都市 〉、〈 衰退都市 〉、〈 騒音都市 〉、〈 CIS諸国建築家による展示 〉、〈 建築状況-ノエフ・コフチェク展 〉である。ただ、「 国際ビエンナーレ 」での目玉であるはずの〈 国際パヴィリオン 〉の割合がモスクワに関する展示に比べ、圧倒的に少ない。この点は第一回であるが故、致し方のないことではあるが、今後改善されるべき点であろう。

建築関係の展示において焦点があてられがちなのが、建造物のマケットとそれに付随する建築家ないしキュレーターの構想（ キャプション ）だが、上記の展示においてマケット展示はそれほど多くなく、ビデオによるインスタレーションや写真展示の割合が多い。例えば、建築ビエンナーレの枠内プログラムである〈 モスクワ市全体計画 〉では各地区の説明とマケットによる展示がほとんどなのに対し、特別プログラムではアート作品として建築を巡る物象（都市の騒音、歴史、建築物を模したオブジェ、都市における様々な統計情報等）がインスタレーション（ 光、映像、音 ）で提示されているのは対照的である。このことは、建築ビエンナーレが掲げる「 いかに住むか 」というマニフェストを視覚上で理解させるとともに、「 いかに生きるか 」（ ロシア語では住む・生きるという単語が同じ ）という観点、つまり体験によって建築・都市空間を認識させようとする観点を盛り込んでいるようだ。

アートの文脈に乗せることを狙いとした〈 建築ビエンナーレ 〉が、人気作家によって活況を呈するモスクワ・アートシーンよりも全体企画の点で優っているのは面白い。裏を返せば、コンテンポラリー・アートという枠で活動する作家の地位が確立されつつあり、作家側もその地位から外れるような作品をあまり出さないという側面が垣間見える。もちろん、そうでない作家もいるのだが、今回の〈 アート・モスクワ 〉で出展されたアーティストの中には皆無に等しい。こうした空気に風穴をあけるのが、いわゆる厳密な「 アート 」外の分野にある建築という関係がこの二つの展示から看取できる。


アート・マーケットだけからではコンテンポラリー・アート全体における企画の面白さを推し量ることは難しい。
しかしながら、こうしたマーケットに人気が集まるのはキュレーターという企画者の力量よりも、作家の人気がモスクワのコンテンポラリー・アートを支えているということを突きつけていると言えるかもしれない。それは最初に述べた「 民衆 」へのフックであって、そこから質の真価へと至る時期がまだ来ていない。かといって、キュレーターが企画する展示が退屈なわけでもない。
次回は有名キュレーターを紹介しつつ、そこから見えるモスクワアートシーンの「 流行 」を報告する。

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それでは6月24日にお会い出来るのを楽しみにしています。

しかしまだまだ街のいたるところに、私たちが訪れていない未開の地があります。
あと20,000部はまだ私たちの手元にあります。
そこでみなさんの力を貸して下さい！

東京で起きている面白いイベントを広めるのに一役買ってくれる方を大募集。
新しく移転したばかりのオフィスでTABチームがお待ちしています。

なぜアナタにお願いしたいか
・もしTABユーザーでマップを手にした方なら、他の人々にも教えたいと思ってくれているのではないでしょうか。
・東京は大きな都市なので、すべてのエリアをTABの小さなチームではカバーできませんが、あなたの協力によって限りなく広がります。

手順
・お名前とオフィスにお越しいただける日時をEメールでご連絡ください。
contact[at]tokyoartbeat.com
・今週のお好きな時間に、マップをピックアップにオフィスまでお越し下さい。オフィスは飯田橋付近です。
・お礼には、TAB talksへの入場無料か何かを考えています！
・近所へ行って、ショップやカフェのオーナーさん達と直接話し、マップを設置させてもらって下さい。
マップがなくなるまでいくつかスペースをまわってください。
まわってくれたスペースに今後も継続的にマップを送付できるように、スペースの連絡先（住所、担当者など）を知らせてもらえたらありがたいです。

例として2パターンあります。
・マップ400部　23cm x 40cm x 10cm (約3 Kg) およそ40部ずつ10カ所
・マップ200部　23cm x 20cm x 10cm (約1.5 Kg) およそ40部ずつ5カ所

あなたの参加でこのマップを広め、そして東京の独創的な独創性をお届けするのにご協力下さい！
ご連絡お待ちしています。

年間４回の企画展が行われており4月17日～6月14日まではフランス服飾史の250年を紹介する「フランス・モード」展が開催。マリー・アントワネットが生きた18世紀のロココ・スタイルから、現代のパリ・コレクションまでの変遷が見られる。
展示室には時代ごとの衣装を着たトルソーがずらりと並ぶ。絢爛豪華なロココ・スタイル、ナポレオン帝政時代に流行したエンパイア・スタイル、王政復古とともに華やかなドレスが復活したロマンティック・スタイル、19世紀半ばのボリューミーなスカートが特徴的なクリノリン・スタイル…と続き、端から眺めていくだけで目に楽しい。

ドレスが貴族階級に限らず市民層にまで広まりはじめるのは19世紀中ごろのこと。ミシンの普及で大量生産が可能になったことや、それまでになかったデパートが誕生したことによって商品の概念ががらりと変わる。19世紀末から20世紀初頭にかけては今のパリ・コレクションの基礎となるオート・クチュールが登場。社会の近代化や、スポーツの流行に伴ってドレスには機能性が求められるようになり、動きやすいデザインへと変わっていく。

余談になるが、フランスにはお風呂に入る習慣も19世紀中ごろまでなかったというのはご存じだろうか。それは上下水道が完備されていなかったからであるが、国王のルイ16世でさえ年に1度濡れタオルで体をふく程度だったそう。大抵の人が一度も体を洗わぬまま一生を終えたのだという。豪華で可憐な見た目のドレスも、においのほうは果たして…。

服飾デザインは時代や社会を表象する記号といえるもの。特にスカートのフォルムは時代ごとの変化が顕著で、膨らんだりしぼんだり、丈が短くなったりしていく。その変化ひとつひとつに、時代背景との関係を見つけてみるのは面白い。みなさんも館内プラカードの時代説明をじっくり読みながら順路を進んでみてください。

有川滋男 は、《NEW WORLD WATER》と《ONE GRAM MEMORY》を上映。
《NEW WORLD WATER》はある若い男の日常を描いた作品だ。男の家族、友人を介した生活空間で撮影されたものでドキュメンタリーの印象を与えるシーンもあるのだが、男が冒頭で口ずさむポエティックな歌から彼独自の世界の存在を感じる。それでもそちら側にすっと入り込んでしまうのは、ごく普通の家庭の食卓シーンや登場する父親、母親の自然体の姿や表情は、ふいに自分自身の両親と重なり、思い出させるからだ。有川の独特な空気感で描きながらも、我々の中に潜在的にある日常に気がつかせてくれる。

“このはじめての光景をわたしはどこかでみたことがある。”

《ONE GRAM MEMORY》は彼がアーティストインレジデンスで滞在したプーケット（タイ）と東京で撮影された作品だ。遠く離れる現地の景色と日本の日常が重なりあう瞬間があらわれる。
この作品もまた見慣れた日常の風景に新たな視点を与えてくれる作品である。

塚田朋来の《レンズに瞳を》は、若い男女の初々しいデートの一日を描いた作品だ。こそばゆいデートの様子を、夏のある日を舞台に描く。
うつむいたまま彼に話しかける彼女、何故かカメラ目線でデートをリードする挙動不審な彼氏。なるほど、タイトルの理由がわかったというところだ。映像の中に、彼氏と彼女、そして “カメラ” の第三者の存在。目の前の彼女の目によりも、第三者の目にどのように映る自分の姿ばかり気にする男の心情が見えてくる。本来ならば演技をする俳優の前にある “カメラ” の存在は消すところを、塚田は男が始終カメラ目線でレンズを追いかけまわすというシンプルな関係性を用いて、他者の意識の中での、自己の存在の見え方に執着する姿をコミカルに描いた。
この塚田の作品は2007年の 東京ネットムービーフェスティバルにおいて細田守賞、唯野未歩子賞を受賞。

上映後の塚田のアーティストトークでは、有川から映像をウェブで公開することとスクリーンで見せることの違いについてどのように考えているかという質問が出た。事前に塚田の作品をウェブで見てきた有川は、当日スクリーンで見てそれとは違う印象を受けたということだった。塚田はどちらが彼の意図するイメージであるか明言しなかったが、ウェブで見る、大画面のスクリーンで見る、またDVDなどにパッケージ化されたものを自宅のテレビやパソコンで見るなど、映像作品の視聴にはさまざまな形態があり、作品と見る人の間の関係性や体験の質もそれぞれにおいて大きく異なっている。
ウェブ上で映像を配信する場としては、YouTube や、Vimeo、ClipLife また、ライブカメラによるテレビ放送局のような Ustream.tv を始めとした無料で動画を共有するサービスが挙げられる。それぞれのサービスには様々なユーザーコミュニティが存在している。多様なユーザーが集うところで、どのような反応を彼らはユーザーから得て、どう彼らがそれに応えるか、このような双方向のアクションが可能である点、また動画や映像の引用に優れたインターフェイスを備えた Tumblr などのミニブログで紹介、引用することでより早いスピードで共有の場が広げられる点が特徴だろう。また、自ら撮影したビデオを編集し、ブログに掲載するビデオブロガーらは自らの視点で切り取った話題を速報で提供し、ビデオを用いることによってよりリアルに読者にメッセージを投げかける。そのフットワークの軽さと、それを目当てとする読者のアクセス数や影響力はすごい。[ 参考イベント 動画人JAPAN2008 ]
このようなメディアの動向に対して、映像作家の彼らがこれからどのような展開を見せるかというのは私としては気になるところだ。

いつでもどこからでもアクセスすることができるウェブは場として大変利便性は高い。しかし、それを有効に作品発表の場として活用している作家は少ない。そして高精細、高解像度の映像制作が可能になり新たな表現の追求が可能になり、ウェブで公開することは制約を与え、しばしば画質の劣化を伴うこともある。
それでも許す限りは、同時代に生きる彼らの存在を私は感じたいし、より多く出会いたいのだ。

有川滋男と塚田朋来の作品上映があるBプロプラム ドラマ２の最終回は、2008年6月1日16時スタート。
その他のプログラムも6月22日まで毎週土日に開催されるので是非足を運んでみてはいかがだろうか。
お問い合わせ先はイメージフォーラムホームページ、詳細はヤング・パースペクティヴ2008をご確認下さい。

このモスクワ国際写真ビエンナーレは今年で7回目を迎え、2年に一度3月から5月にかけて開催されている。「国際」と銘打つものの、フランス、アメリカ、イタリア、トルコの作家が参加するのみで、他はロシアの作家が占めている。
近年モスクワの展覧会状況を鑑みると、写真とインスタレーション、ビデオアートという媒体が多く、隔年開催されるこのビエンナーレがその一端を形成しているようだ。


大まかな出展傾向を整理しておくと、海外の「有名写真家」とロシアの「写真家」、そしてこの展覧会を主催する一団体「モスクワ・フォトグラフィーセンター」が有する「アーカイヴ写真」の三枠からなる。
そしてテーマも「光と影」、「驚愕ないしは驚くということ」、「〈マグナム〉―60年の歩み」と三つによって構成されている。
三つのテーマは「マグナム」を除けば、非常に大雑把な概念であるから、どの展示作品にも当てはめることができる。
この二つのテーマを最も感じる作品の選定は鑑賞者に委ねられていると言えよう。実際にこのビエンナーレでは各展示作品に番号が振られており、携帯電話のSMS機能を使って投票できるため、会期終了後主催者が票を集計し人気作品を知ることができる。

展示会場は主催側が正規に押さえている展示ホールとギャラリー23、提携先の展示会場（ギャラリー、大使館、カフェ等）22とかなり多い。加えて展示会期がまばらなため、善く言えば会期中毎週どこかで新しい展示が観賞でき、悪く言えば、暇がなければ観賞したい展示を観賞することができない。目まぐるしく移り変わると言っていいかもしれない。

また展示作品はギャラリー選定によるものとキュレーター選定という形で、それぞれ分かれているのだが、この点はあまり着目されていない。近年イオシフ・バクシテイン、ヴィクトル・ミジアノ、エカテリーナ・デョーガチ、タチヤーナ・ダニエリヤンツといったロシア人キュレーターが西欧で知られ始めつつある中で、このビエンナーレでキュレーターの手腕が問われない方向に傾いてしまったのは残念である。



「ロシア写真家」には、日本ではあまり知られていない、ゲオルギイ・ペルヴォフ、ナターリヤ・ノーソヴァ、アレクセイ・コストロマ、「有名写真家」の枠には国際的に活動する写真家グループ「マグナム」、先月東京都美術館でも展示されたマリオ・ジャッコメリ、60－70年代のアメリカ・コンテンポラリーアートシーンで活躍したジム・ダイン、前世紀の初めにカラー写真を発明したリュミエール兄弟などが選出されている。このリストだけから判断すると、こう言ってよければ、世界的に有名な写真家との比較でのみ評価が可能であることを認めているという印象をまず受ける。

しかしこの点を上手く撹乱するのが、もう一つの出展枠「アーカイヴ写真」である。
この点に関して、もう少し話を進めてみよう。


この枠組みはソ連時代の写真家（アレクサンドル・ロトチェンコ、イヴァン・シャーギン、ドミートリイ・バリテルマンツ、アレクサンドル・スミルノフ、現役のボリス・ミハイロフ等）、グラフ誌（掲載先の雑誌『アガニョーク』やスポーツクラブ『ディナモ』、《第五次五カ年計画の英雄たち》というタイトルがクレジットされている）の写真から成り、当時の時代状況からしてプロパガンダ用としてその多くは撮影されている。

アーカイヴというと、当時を知るための歴史資料として保存収集されるものだが、こと写真になると別の意味合いを帯びてくる。それは、対象写真が情報機能を失い作品としての価値が生まれるということである。

テーマの一つ「驚愕ないしは驚くということ」が撮影者と被写体の緊張を生み出すことから引き合いに出されたとカタログでは説明されているが、この観点からアーカイヴ写真を観賞するとその緊張感が一層増す。
というのも、歴史事実というフィルターによって被写体と当時の時代背景を探ることが鑑賞者の頭をまずよぎるからである。それは審美的というより、哲学的な思惟によって写真を作品たらしめているといえるかもしれない。


この一連のプロセスをナターリヤ・ノーソヴァのシリーズ作品《 痕跡-otpechatok 》では垣間見ることができる。
老人の顔写真、その下には彼 / 彼女の掌の写真、それらのキャプションとして対象人物の簡単なバイオグラフィーがあり、それらで一つの作品として構成されている。
※キャプションに次のようなバイオグラフィーが載っている。以下は拙訳
” ブルセンツォヴァ・マリヤ・イオシフォヴナ、1921年生まれ、未亡人。病院で看護婦として60年間勤務。戦時中は女性看護兵として前線にて従軍。息子は潜水艦〈クルスク〉で将校として亡くなる。 ”

三幅対のようにそれぞれの部分が補完し合い、見るものの緊張感を高めている。顔や掌には皺が刻まれ単なる皮膚、顔貌しかそこには存在しないものの、バイオグラフィーに記された悲喜によって、鑑賞者は否が応にも皺を何かの痕跡として眺めてしまう。
とすれば写真という媒体によって収められた風景は原風景として鑑賞者の前には存在せず、鑑賞者の心象作用による投影対象となる可能性を秘めている。
この点を「アーカイヴ写真」という出展枠組みが補強し、「ロシア写真」の特質となる予感を感じさせた。


このことはそもそもロシアという国自体がソ連という重厚な歴史を引きずり評価されていることと似ている。つまり自立した評価がまだ確立されていない。コンテンポラリー・アートに関しても西欧やアジアの流れと比較して、初めて彼らの立ち位置を確認できる。この潮流は来年で3回目を迎えるモスクワ国際アート・ビエンナーレ、今年度初めて開催されるモスクワ国際建築ビエンナーレといった世界的な流れにやや追従する手法にも見られる。

飽くまで推測の域を出ないが、そうした中で写真という表現媒体のみがうつろうことなく、鑑賞者の時代状況に応じて新たな意味合いを獲得できる。このことを、今回のモスクワ国際フォトビエンナーレは証明したように思う。