線が露わにするものとは？ 「ルース・アサワ：回顧展」（ビルバオ・グッゲンハイム美術館）を読み解く（評：島田浩太朗）

美術の制度を問い直す回顧展

スペインのビルバオ・グッゲンハイム美術館で開催中の「ルース・アサワ：回顧展（Ruth Asawa: Retrospective）」は、ルース・アサワ（1926〜2013）をワイヤー彫刻の作家にとどまる存在としてではなく、家庭、教育、公共空間を横断する実践者としてとらえ直す回顧展である。会期は3月19日から9月13日まで。

ここで組み替えられているのは、ひとりの作家についての見方だけではない。作品制作と生活、抽象と工芸、個人の表現と社会的関与といった、戦後美術がしばしば分離し序列化してきた領域の関係そのものが、アサワの仕事を通して再考されている。本展の意義は「忘れられていた作家の再評価」ではとらえきれない。問われているのは、何を美術の中心に置き、何を周辺へ押しやってきたのかという、制度そのものである。

サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）とニューヨーク近代美術館（MoMA）の協働で実現した本展は、10のセクションで構成され、ブラック・マウンテン・カレッジ時代の初期実験から、ループ状ワイヤー彫刻、自然着想の作品、版画、公共彫刻の習作、教育活動や自宅にまつわる資料までを含む。重要なのは、それらがたんに年代順に並ぶのではなく、アサワの実践を成り立たせていた条件──知覚訓練、金属線による立体の発見、家庭空間、地域との関わり──が主題的に可視化されている点だ。展示は代表作を列挙するのではなく、制作を支えた環境や思考の持続を浮かび上がらせる。ここで示されるのは作風の変遷というより、制作と思考が織りなす全体像である。

さて、今回の会場となるビルバオは、アメリカ人建築家フランク・ゲーリー設計による、もっとも有名な美術館建築のひとつとして知られる。銀色に輝く印象的な外観、そのダイナミックで有機的なフォルムに対し、本展の会場は1階のホワイトキューブの展示室群であり、壁や天井が湾曲しているわけではなく、自然光が直接差し込むこともない。しかしながら、内部と外部が流動的につながる森のような同館の空間と、繊細な線で構成されるアサワ作品は、 お互いに「共鳴」し合っているように感じられた。MoMA展のレビューで強調されたのは、アサワの実践がワイヤー彫刻に還元できないほど「広く多様な」ものであるという点だった（＊1）。ビルバオではその多面性が、自然光に満ちたアトリウムから光を制御した展示室へと移るシークエンスのなかで、空間的にもよりいっそう鮮明になることで、吊られたワイヤー彫刻の透過性や繊細な輪郭を、観者はこの体験的な転調を通じていっそう強く意識する。