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第40回ぴあフィルムフェスティバル: 総合ディレクター荒木啓子インタビュー

<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto000.jpg" alt="snipe1 《aZONING》 インスタレーションビュー" title="エントランスを彩る、snipe1のグラフィティ。手前の常設彫刻KOSUGE1-16による《Heigh-Ho》を取り囲み、世界中のグラフィティの画法を組み合わせ、禅画へのオマージュもしつつ描かれている" width="518" height="345" class="size-full wp-image-41496" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto000.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto000-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
『そとのあそび展 ～ピクニックからスケートボードまで～』が千葉県の市原湖畔美術館にて7月14日から開催されている。今回の展覧会は、美術館とアーティストコレクティブのSIDE COREとの共同企画となっている。オープニングレセプションは三連休の初日ということもあり、都心からのアクアラインの渋滞でアーティストが到着しないというアクシデントもあったが、夏真っ盛りの日差しの下、参加作家の高橋臨太郎が小舟の上から行うライブパフォーマンスを楽しみつつ始まった。
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto003.jpg" alt="オープニングの挨拶をする参加作家たち" title="参加作家は、EVERYDAY HOLIDAY SQUAD、小畑多丘、菊地良太、木村崇人、snipe1、切腹ピストルズ、高田光、高橋臨太郎、Chim↑Pom、東京ピクニッククラブ、宮原嵩広、森田貴宏、森山泰地、路上観察学会（50音順）" width="670" height="447" class="aligncenter size-full wp-image-41491" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto003.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto003-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto001.jpg" alt="オープニングアクトとして、ギター演奏をする高橋臨太郎" width="670" height="447" class="size-full wp-image-41510" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto001.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto001-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124954.jpg" alt="高橋臨太郎 《誰もいない土地》" title="展示期間中のみ現れた流木を集めて作られた小島。小島が現れることで起こる自然の変化が人間の行動にも影響してゆく作品。" width="670" height="502" class="size-full wp-image-41516" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124954.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124954-300x225.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124633.jpg" alt="森山泰地 《water》" title="写真右手に冷たい水の入ったペットボトルがあり、観客は自由に飲める。飲み終わったボトルは鉄カゴに貯めていく。また鉄カゴから拾った石は、写真左手の水の中へも移動可能。観客が作品を変えていく" width="670" height="447" class="aligncenter size-full wp-image-41524" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124633.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/IMG_20180714_124633-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto004.jpg" alt="森田貴宏 《フリーハンド（freehand）》" title="プロのスケートボーダーとしても活躍する森田（写真右）がスケートボードで作り上げたモノクロームな空間では、参加者は自由に遊べる。オープニングでは、子どもたちが大はしゃぎしながらスケートボードやバランスボールと戯れていた。ちなみに森田の父は書家。今回は初めて制作した「書」の作品を父がどのように見るのかも楽しみだという" width="670" height="447" class="aligncenter size-full wp-image-41494" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto004.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto004-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto006.jpg" alt="小畑多丘 《浮く野菜outside》" title="B-BOY彫刻家としても知られる小畑多丘の映像作品。ありとあらゆる野菜を浮かせてゆく。アーティスト自身がブレイクダンサーでもあり、自身の身体における重力と、彫刻家としての重力との関係から生まれた、重力を超越していく野菜たち" width="670" height="447" class="aligncenter size-full wp-image-41548" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto006.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto006-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto002.jpg" alt="EVERYDAY HOLIDAY SQUAD" title="外来種のオオクチバス（通称ブラックバス）を美術館の向かいの湖から釣り上げるのにも、行政とのやりとりが必要。そのやりとり自体やブラックバスを日本に輸入した人物の背景などを壁画にしている" width="670" height="447" class="size-full wp-image-41483" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto002.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto002-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
<img class="imgcaption" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto005.jpg" alt="北川フラム（アートディレクター）による挨拶" title="「何もかも排除をしていくのではなく、公共施設の周りに集まるスケートボーダーのような若者たちの存在は必要。彼らの存在があってこそ治安バランスも取れ、彼らを通じて街とコミュニケーションが作られ、風景は作られていく。」といった内容のスピーチ。「そとのあそび」を通じて、公共とは何かを考えさせられる展覧会となっている" width="670" height="447" class="aligncenter size-full wp-image-41543" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto005.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2018/07/soto005-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
他にも多種多様な作品群が市原湖畔美術館のあちこちに溢れかえる、見応えのある展覧会となっている。また展示期間中は各種イベントも開催している。

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そとのあそび展 ～ピクニックからスケートボードまで～ フォトレポート

築90年の家は、何世代の生活を見続けるのだろう。現実の時間はリニアにモノラルで流れ、一つの家は一つの物語を順に紡いでゆく。しかし清原惟（ゆい）監督『わたしたちの家』では一つの家の中に、二つの時間二組の生活が、お互いを知らずに営まれる。それは別々のメロディが一つの音楽を奏でるように。
映画『わたしたちの家』を監督した清原惟は、1992年に東京で生まれ、武蔵野美術大学映像学科卒後、東京藝術大学大学院映像研究科に進み、黒沢清、諏訪敦彦両監督に師事する。本作は、藝大の修了作品として制作され、第39回ぴあフィルムフェスティバル（PFF）に出品、みごと「PFFアワード2017」のグランプリを受賞した。また2018年2月に開催される第68回ベルリン国際映画祭にも正式出品される。今回、清原惟監督にインタビューを試みた。 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_kiyo.jpg" alt="清原惟監督インタビュー風景" width="670" height="502" class="imgcaption size-full wp-image-38973" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_kiyo.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_kiyo-300x225.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" /> 
―こんにちは。映画を観させていただいてありがとうございます。インタビューは初めてと聞きました。よろしくお願いします。
インタビューを受けるのは今日が初めてです。直接（観客からの）フィードバックをいただくのも楽しみですし、自分がもう感知できないような、知らないような。知らない人がどこかで観て、何か思ったということを想像するのもすごく楽しみだなって。どういう風に受け入れられていくのか、不安もありますけれどもね。
―映画『わたしたちの家』では、二つの物語が一つの家の中で交わることなく、重層的に展開されます。一つ目の物語は、14歳のセリと、母親の桐子との二人暮らしを続けている。新しい恋人ができた母親に、セリは反抗した気持ちを持てあます。そして二つ目の物語は、記憶喪失のサナは、船の中で出会った透子を頼り、二人で暮らしを始める。謎の男夏樹がサナに近づき、透子との生活に介入しようと試みる。
さまざまな憶測がつまった物語ですが、特にセンセーショナルな事件が起こることはない。途切れ途切れのエピソードが、全体を表すことなく、映画の背景として垣間みれる。まるで物語が始まる前の、「物語前夜」といった興味深い印象です。この映画の着想はどこから来ているのですか？
構造的なテーマが出発点になっています。バッハのフーガが好きで。フーガみたいな構造の映画にできないかな、というのがありました。フーガというのは複数の声部にメロディーラインがあるポリフォニー音楽です。そのどれもが独立し、かつ全部が主旋律というか、主役でありながらも、それらが重なった時に一つの音楽になる。すごく興味深い構成の音楽です。
映画もそれと同じように複数の声部というか物語がありつつも、それらが直接的に物語として繋がらずとも、お互いに影響し合って、何かひとつの形を作れるのではないかっていうのが着想点でした。
ひとつの塊として映画にするのに、オムニバスだと弱さがある、群像劇だとそれぞれの話の接点がありすぎるなって。もうちょっと違った形で映画を構想したいというのがあって。『わたしたちの家』は、オムニバスのようにテーマでくくられているものではなく、構造的なテーマというか。内容的なテーマ、というよりはどちらかというとコンセプトで、ポリフォニック的な映画を作りたかった。それぞれの話が自立して、連絡しあっているような感じを目指しました。
―バッハのフーガは、映画の中でも流れていましたね。今までの映画制作も構造的なテーマを持っていたのですか。
そうですね、（映画の中で曲を）直接伝えるのはちょっとあれかなと思ったのですが、どうしてもどこかに使いたくて。今までは、必ずしもそう（構造的なテーマ）ではないです。ただ構造的なことは興味があって、過去の作品にも今回みたいに明確な形ではないのですけれども入っていると思います。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still2.jpg" alt="©東京藝術大学大学院映像研究科" width="670" height="362" class="imgcaption size-full wp-image-38976" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still2.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still2-300x162.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" /> 
―サナの服のタグに「A.P.C.」のロゴがみえたので、現代の映画かなと思ったのですが、オープニングや映画の全体は80年代的です。セリのナイトウェアや音楽、ダンスの動きまで。
時代設定は一応現在なのです。でも美術とか、かなり時代が分からない感じですよね（笑）。感覚が少しずれているのかな。確かに最初の曲は完璧にシンディ・ローパーを意識しています。シンディ・ローパーの曲を渡して「これみたいなの、お願いします」って作ってもらったので、もう完全にそうなのですけど。それは確かに完璧に親世代のものなのですけれども、親の影響受けて聞いているみたいな設定にしたくて。でも音楽でも今ちょっと80年代ポップスみたいなのが流行ってるっていうのもありますけれどもね。現代っぽい感じの流行りっぽくない感じにはしたくなかったというか。
―撮影はどのように進めていたのですか？
（撮影の方法としては）話を前後半で二つに分けて撮影しました。ひとつの物語をほぼ撮り終わって、次の物語に行くという。だから演じている役者さんたちは、他の話の役者さんたちと会ったことがない状態、映画の中と同じ状態です。もちろん脚本ではどのようになるかというのは読めるのですけど、実際にどういう風になっているのかというのは、想像するだけというか。
―花瓶を投げるシーンがありますが、受け取る方はどんな花瓶を投げられているのか全く知らないまま投げられているわけですね。
でもあれは実は花瓶は（別の世界に）すり抜けてなくて、花瓶は跳ね返されているのです。実は花瓶のほうだけ、その世界がすり抜けられなくて壁にあたってしまった。花だけが通り抜けられた。花瓶があたるって言うのは、攻撃みたいに観えると思うんですよね。花瓶が当たったって事になると何か、そういう風にみえてしまう。で、花だったら投げているけれど、でも一種の贈り物みたいな。そういう風にみえるといいなと思って。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still5.jpg" alt="©東京藝術大学大学院映像研究科" width="670" height="362" class="imgcaption size-full wp-image-38964" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still5.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still5-300x162.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" /> 
―男性性の不在性についてもこの映画は描いていますが、その「彼」に贈り物を届けるという回答は意外です。
そうですね。異質や排除しているようにもみえますが、どちらかというと女性だけでも成立する世界、そういうのを描きたいというのがあって。男性をどうこうしたいというよりも、女性だけで成り立つ世界というような家の中を想像していて。そういうものをやりたいとなった時に自然と、というのも変なのですけれども、男性が家の中に住んでいないという状況、外に外にと、男性がある意味排除されているようにみえる状況になっている。
でも男性というのはすごく重要な存在で、排除されているようにみえるけれどもすごく求められてもいる存在でもあって。お父さんもセリちゃんにとっては求めている存在でありつつも、求めているけれどももうここにはいられないような存在。お父さんも、例えばあの状態でお父さんが戻ってきていたとして、そこにはもう居場所がないような感じが、私はするのですけれども。
父親がいなくなった理由は、はっきりとは描いていないのです。けれども彼は戻ってこられない存在です。ただそれを希求している人もいる。そしてサナは（男性の）なつきを家の中に入れようとする、入れたいという気持ちがある。
―なぜサナを記憶喪失として描いたのですか？
サナが年上で、透子が年下という設定なのですけど。あの家に二人で新しい生活を始める時に、透子のほうが親というわけでは無いけれど、サナにとって何か絶対的なものになる。それによって二人だけの世界が成立すると言う風にしたくて。それでサナという人物は記憶を失って、自分自身を失っている人物として描くことによって、どこか幼い子どものような存在として描きたかったというか。記憶がないというのは、自分が自分であることの確信を得ていない、自分への不安みたいなものがすごくある。後は誰かなしには生きていけないという存在になってしまうということなのですかね。
―そこは未成年のセリと共通しているところですね。
セリも一人ではあの家の中では生きていけない、そこに母親がいないと。自立して生きていきたいという思いはあるのですけれども。でもそれは今のところできないという共通した部分がありますね。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still8.jpg" alt="©東京藝術大学大学院映像研究科" width="670" height="362" class="imgcaption size-full wp-image-38965" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still8.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still8-300x162.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" /> 
―この映画は、家が軋む音や、「気のせい」など、気配などが効果的に使われています。清原監督は家の声をどのように考えているのでしょうか。
木が軋む音など、わりと細かく音作りをしているので、劇場じゃないと聞こえない音はありますね。家に記憶が宿る。宿ると言うより家自身が持っている、もちろん脳みそはないですけれども、記憶を持っているという感覚があって。撮影現場としての「もともとの家」も記憶を持っているし、「映画の中の家」もいろいろな記憶があると思うのですけれども、それをどのように映画で表現しているのかって言った時に、音を一番に表現して使ったのです。
徐々にどこからか分からない音みたいなのが聞こえてきて、基本的には向こう側の世界の音が聞こえているって言うことでもあるのですけれども。それが通り抜けて聞こえてくることもあるし。家に吸収された音が、出てくるというような。単に中で起きていることだけではなくて、家というのはスピーカーみたいな感じで、振動を伝えるようなもの、みたいなイメージですね。
―ありがとうございます。次に清原監督ご自身のことについてお聞きしてもよいですか？キャリアはいつから始まりましたか。
最初の映画製作は高校二年生の時に友達と、遊びのような感じで自主映画を撮りました。普通のハンディカムのカメラで、DVでもなくメモリーカードで撮ってパソコンで編集していました。完全にデジタルでスタートしたっていう感じです。自分で脚本も書きまして、そして友達に出てもらって。学校の文化祭で上映したというぐらいです。私が監督という立場で、もう一人が出演して一緒に考えてくれたっていう。
30分から40分位の映画で、それも女の子が主人公の映画で、一人の女の子がちょっとした旅に出るというロードムービーなのですけれども。途中で幽霊なのか生きているのかよくわからない自分の分身のような女の子に出会って、その女の子と一緒に時を過ごすという様な話です。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still10.jpg" alt="©東京藝術大学大学院映像研究科" width="670" height="362" class="imgcaption size-full wp-image-38983" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still10.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/12/tab-OurHouse_still10-300x162.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
―監督として、各セクションにどれくらい指示や干渉をしますか。
今回、『わたしたちの家』に関しては最初のコンセプトみたいなところは、がっちり共有したのですけれど、その後はそれぞれに任せているという部分が大きくて。二つの話の書き分けじゃないのですけれども、美術においても照明撮影においても、差をつけている部分があったりして。そういうところは根本的なアイディアをまずまとめて、一緒に話して決めて。その先はそれぞれのスタッフに任せている。そういう部分が大きいですね。
そして、出てきたものに対していろいろ言ったりしますね。美術に関しては細かく作っていったかなっていうのはあって。美術のメインスタッフの子は、すごく優秀と言うか、すごくいろんなアイディアを持っている子だったので、おおまかなアイディアは任せて、細かい修正をやりましたね。例えば花瓶の種類とか。
いくつかの花瓶の候補がありますけれどもどれにしますかって言われたときにそのどれも全部違うから、「もうちょっとサイズが小さくて、口がもっとすぼまっているほうがいい」と言うような細かいレベルですけれども、印象的な小物の選び方を。花も自分で選んだ部分があって。花束の種類、花の種類。最初そこは任せようかなと思ったのですけれど、印象的な小物に関しては気を使いたいなと思って、自分で選んだり細かく指定したり。
―俳優たちにはどんな演出をされているのですか。
そうですね。演出的なことで言うと、細かい感情の演出などはしていなくて。言い方自体とかよりは、細かい動きだったり、セリフとか間みたいな。そういうところは細かく演出するという方法でしたね。細かく登場人物のバックグラウンドまで話すことはしていなくて。脚本を読んでもらって、役者さんが受けた印象を元にやってもらうということが多いですね。
―映画『わたしたちの家』は、大学の修了作品ですが、学内の発表と違い、多くの人たちの目に触れていくことになります。
多くの人に観てもらえれば、観てもらうだけ、映画そのものが変化していくような、広がっていくっていうのですかね、もちろん一個の映画なのですけど、たくさんの映画が生まれていくともいえますし。観られないと映画にならないというような気持ちがあって。観てくれる人がいて、それが映画という存在として確立されていくのだと。作っているうちにだんだんでてきた実感なのですけれども。
―次回の展望について何かありますか。
次もポリフォニックな世界観と言うか、自分たちの世界っていうのと、他にもまだ世界があるという感覚というか。一つじゃないっていうか、自分の世界も不確実と言うか、というのがあるので。そういう複数の世界みたいなものを、さらに違う映画でも発展させていけたらいいですね。
―ありがとうございました。  
清原惟が監督した『わたしたちの家』は、2018年1月13日（土）より渋谷ユーロスペースにてレイトショーされる。
また、清原惟がDJとして参加する『わたしたちの家』前夜祭イベント「『わたしたちの家』はわたしたちの映画である！」は、2018年1月12日（金）渋谷 7th FLOORにて開催。詳しくは公式ウェブサイトをチェック。<a href="http://www.faderbyheadz.com/ourhouse.html">http://www.faderbyheadz.com/ourhouse.html</a>

ベルリン映画祭正式出品、映画『わたしたちの家』 監督清原惟インタビュー

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/homeless.jpg" alt="シェアハウスにてインタビューを受けるマーク・レイ" width="670" height="447" class="imgcaption size-full wp-image-36676" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/homeless.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/homeless-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
50代のホームレスと聞くとどんな人を想像するだろうか？ このドキュメンタリー映画の主人公マーク・レイはNYを拠点に活動するファッションフォトグラファーであり、モデルや俳優業もこなす見た目も立ち振る舞いもスマートな人間。そんな一見華やかな生活をしている彼が眠りにつくのは、小さなアパートの屋上。そう彼はホームレス。ファッション業界との関係を終わらせないように、高すぎるNYの家賃（この記事を書いている現在、平均25万円ほど）を切り捨て、家を持たない生活を6年も続けていた。そんな中、かつてモデル仲間だったトーマス・ヴィルテンゾーン監督と出会う。トーマスはマークの家を持たない生活に衝撃をうけ、3年の歳月をかけて映像化する。
いわゆる”ホームレス”という通念で本作品を観ると、理解できないことだらけだ。彼は働き、税金を納め、友人に優しい。ジムで体を磨き、身だしなみには気を使う。ギャンブルに溺れていたり、アルコール依存症やお金にルーズなわけではない。どこにでもいる”普通の市民”だ。他と違うことと言えば、競争の激しいNYのファッション業界で働き続けるために選択した、ホームレスという変わった生活形態。この映画は彼とあなたがそう遠くない場所にいることを知らせてくれる。今回、マーク・レイの来日にあわせインタビューを試みた。
ーーご自身の人生を映画で振り返るのはどんな気分ですか？
初めて観た時はすごく嬉しかった。一回目はね。細かいことは気になったよ。あの時もっといい服を着ていればよかったとか色々ね（笑）。そんな些細なことも考えたけど、映画ができてとにかく嬉しいと感じた。
もちろん大きなスクリーンで自分を見るのは初めてのことじゃない。俳優としていくつかの映画にも出演しているし。でもこんな形で自分を見返すことなんてなかったから、なんて表現したらいいのかわからないけど、愛おしいというのかな、僕はなんて頑張っているんだ！ と思ったよ。
そしてこの映画は、観客が僕の生活にすごく近づいたように観れる作品に仕上がってるよね。僕はみんなを知らないのに、みんなは僕をよく知っている。なんていうのかな、距離感の違いというか、そのことが僕の中の深い想いというか、深い気持ちをざわめかせているんだ。
ーーホームレスとしてのあなたの人生をまるごと映し出している映画ですが、「写っていない自分」もありますか？
人は「自分が一番自分のことをよく知っている」って感覚があるかもしれないけれど、本当は自分のことは自分でもよくわからないものだと思うんだ。だからある意味では、自分が否定したい部分、忘れたい部分、そういう部分に関しては他人の方がよく見ているし、知っている。往々にして人は見せたい仮面を被って、それ以外の自分を隠して日々生活をしている。とはいえ、僕は僕という人間の専門家でもあるわけだから、そういう意味で現在の僕から映画の中の過去の僕を観た時、ほぼ全てが正確に映し出されていたよ。
ーー撮影中は上映後の今を、どんな風に予見していましたか？
もちろん経済的な面を含め、映画が大成功したらいいなという夢は想い描いたよ。そういった類の空想はしたよ。でもそれ以上に僕を喜ばせたのは「この映画をみて心が動かされた」とか「たくさんのインスピレーションをもらえた」といった、僕の想像していなかった反響。その反響に驚いた。しょせんお金なんて、出たり入ったりで最後には無くなってしまうけど、観客からの言葉は心の中に永遠に残る。とても嬉しいよ。
ーー自分の全てをさらけ出せたのは友人でもあるトーマス・ヴィルテンゾーン監督との信頼関係からでしょうか？
もちろん彼は友人だし、監督として僕のことを裁いたりしないから、心を開けた。そう、彼は僕の心を開くのにものすごく役立った。でもそれ以上に一番のポイントは、僕自身がさらけ出すと決めたこと。これに尽きると思う。正直であろうと決めたこと。
ーー実際に上映されて、生活は変わりましたか？
ほとんど変わらないよ。お金のことは（笑）。だけど達成感の度合いはすごく変わったね。心の中が満たされたというか。それこそ世界中の人たちがこの映画を見て「感動した」、「心が揺り動かされた」とか「インスピレーションを受けた」とかそういうことを言ってくれたおかげで、そういった反響を受けて僕の心の中は変わったよ。それにヨーロッパを始め、色々な国の映画祭に参加することもできた。今は東京にいるからね僕は。だんだんと俳優のキャリアに対する自信も出てきた。深い達成感が得られたよ。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/2サブ.jpg" alt="© 2014 Schatzi Productions/Filmhaus Films. All rights reserved" width="670" height="377" class="imgcaption alignleft size-full wp-image-36716" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/2サブ.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2017/02/2サブ-300x169.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
ーー素晴らしい経験をしましたね。その達成感は今も継続していますか？
決して忘れ無いよ！ そりゃあ闇に覆われて陽があたらない日でも常に太陽が照らしてくれているっていう状態では無いけど。でも僕の中で辛いという気持ちになった時、にこっと微笑みをもたらしてくれるだけの力はあると思う。
ーーそれは、今までのフォトグラファーで得た達成感とは違うものですか？
レベルが違う。フォトグラファーとしての達成感というのはこれぐらいで（両手を小さく広げて）、映画から得られた達成感は、みんなに勇気付けられたみたいで（両手を大きく広げる）。自分で写真を撮ってる時も刺激を受けたり面白いと感じてはいるけれど、それは瞬間的なもの。映画は幅広い時間の中で根源的な人間の感情を揺さぶるものだから、比べる術もないくらいすごいって言える。その達成感はレベルが違う。
ーーあなたの人生を決めることになったファッション業界との関係を教えてください。
好きだけど憎いってやつだね。言ってみれば愛憎の問題。成功すればあれほど魅力的で居心地のよい世界はないからね。僕のキャリアの初めの頃はモデルとして頑張っていた。成功してヨーロッパに住むというのが僕の夢で、9年間はうまくいった。だけど結局うまく行かずにアメリカに帰ってきた。もっと言えばその9年間の中で、たくさんの有名人たちと出会った。いろんなクリエイティブを観たりアートにも出会った。いろんな経験をしたけれど、僕の今の経済状況はよくない。モデルの頃の経済状況を超えることができない。そういう自分がファッション業界に今、いるんだ。
一方で、ファッション業界に疲れてる。正直言って無駄が多くて虚しい産業でもあるからね。フォトグラファーとして残念な気持ちもある。努力したけど報われなかった。僕はモデルの彼女たちの写真を撮っていて、あの子たちもNYで頑張っているけれど、外国から来てあまりお金をもらえなくて、生活が苦しい。それにファッション業界は僕を屋上暮らしから救い出してくれることもない。
だから僕の心はファッション業界から離れていってしまった。僕が思い描いていた生活を得ることはなかったんだ。だけど僕はNYを愛してる。まるで愛しの女性だ。彼女と僕の夢のような恋愛。僕が僕であるために必死になっている生きる努力は、NYを愛しているということと同義語かもしれない。
ーーこれからの活動の展望を教えてもらえますか？
この映画をたくさんの人に観て欲しい、例えるなら東京だけじゃなくて日本中に広がって欲しいというのが今の僕の希望。そしてこれをきっかけに僕は俳優として生計が立てられるかもしれないという希望も持ってるよ。それはドキュメンタリーじゃなくて僕を主人公にした劇場用映画かもしれないし。
ーー最後にこのウェブ媒体、東京アートビートの読者にメッセージをお願いできますか？
アートの情報誌？ 日本のアートやファッションを愛する読者に、現実をつきつけるネガティブなことを言ってしまったかな（笑）。そう、僕は家を失って最悪なシチュエーションの中にいた。でも人生は最悪だと思ってる時にだって、どんな事が起こるかわからない。だって僕は今こうやって前へ進んでる。だからこうやってまだ頑張っている男の映像をみて、他の必死になっているクリエイターやアーティストたちの希望になればよいと思う。
モデルの女の子たちも辞めたり故郷へ帰ったりしているけど、その時期を見極めるのは本当に難しい。僕は、いつが辞めどきとか、いつが方向転換すべき時期だとか、そういうアドバイスは何もできない。でも、そうやって悩んでいる人たちの所に喜んで飛んで行ってハグするよ！
ーーインタビュー、ありがとうございました！
NYのファッション業界で生き続けるために家を捨てたマーク・レイの3年間にわたるドキュメンタリー映画。監督は、オーストリア出身の元モデル仲間、ピエール・カルダン、ニューヨーク・シティ・バレエ、Facebook等の企業PVを手がけるトーマス・ヴィルテンゾーン。音楽は、クリント・イーストウッドの息子でジャズベーシストのカイル・イーストウッドが担当。本作はニューヨーク・ドキュメンタリー映画祭2014にてメトロポリス・コンペティション審査員賞を受賞。
今回の来日では無償の住居の提供を求め、シェアハウスに滞在。また今後日本での芸能活動を求め、クラウドファウンディングによる呼びかけも行ったマーク・レイ。王道の成功ではなく、彼自身で作り上げたユーモアあふれる活動はこれからも続く。さらに詳しい情報を知りたい方は、公式ホームページへ。<a href="http://homme-less.jp/" target="_blank">http://homme-less.jp/</a>

映画『ホームレス ニューヨークと寝た男』マーク・レイへのインタビュー

2016年5月15日（日）、「MOTアニュアル2016：キセイノセイキ」展や「六本木クロッシング2016展：僕の身体（からだ）、あなたの声」に出展しているアーティストが集い、江東区木場にあるEARTH+ gallery（1階）/ gallery COEXIST-TOKYO （2階）にて東京アートウィーク2016のクロージングパーティーが開催されました。
まずは、「六本木クロッシング2016展」に出品している片山真理さんが壇上からシャンソンを3曲披露。パーティーは夕方の5時開始でしたが、いきなり深夜の渋い雰囲気を醸し出してくれました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight000s.jpg" alt="壇上で歌う片山真理" width="518" height="346" class="imgcaption size-full wp-image-33801" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight000s.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight000s-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight001.jpg" alt="「ア・タ・ゴール」のフレンチを堪能する人々" width="670" height="447" class="imgcaption size-full wp-image-33728" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight001.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight001-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" /> 
料理は、江東区木場のフレンチ「ア・タ・ゴール」が担当。アーティストや企画者も参加し、美味しい料理とお酒を片手に、アートについて語れるパーティーです。料理の写真も撮影しようと試みましたが、あっというまにみんなのお腹の中に収められ、私のカメラには収まりませんでした。バゲットやキッシュなどおいしそうな料理が提供されていました。パーティー会場は東京都現代美術館から近いこともあり、「MOTアニュアル2016 キセイノセイキ」展や、その参加作家の小泉明郎さんによる無人島プロダクションでの個展を見た後にやってきた人々も多くいました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/opening_araki.jpg" alt="企画者による挨拶" width="670" height="472" class="imgcaption alignleft size-full wp-image-33850" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/opening_araki.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/opening_araki-300x211.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
そして場が馴染んできた頃、このパーティーの企画者でもあるキュレーター・小澤慶介さん（写真中央）が進行役を務め、森美術館キュレーター・荒木夏実さん（写真右）と、アートフェア東京2016エグゼクティブプロデューサー・來住尚彦さん（写真左）が挨拶。荒木さんは、担当している展覧会「六本木クロッシング2016」展が、現在の世界や日本の中でどのように位置付けられるのか、どのようなことをもたらすのか、何をみようとしているのかをお話しされていました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight003.jpg" alt="齋藤はぢめ企画のパフォーマンス" width="670" height="472" class="imgcaption size-full wp-image-33742" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight003.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight003-300x211.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
続いてのパフォーマンスは、「MOTアニュアル2016」展に出品している齋藤はぢめさんたちの企画。明らかに成人しているであろう、薄化粧をした女性たちが、女子高校生に扮し、ビールを飲み始めます。そして、シナリオがあるのかないのかわからないような、「想像上の女子高生の放課後」をそれぞれ演じ始めます。
ビールをプシュッと開けると観客が「未成年者は飲んじゃダメだよー」と声をかけ、携帯や一眼レフカメラで彼女たちを囲んで多くの人々（主に男性）が撮影をします。予定調和的でも、演じているとわかっていても、記号としての女子高生はやはり消費をしたくなるのでしょうか。しかし、パフォーマンスのおしゃべりは40分くらい続くので、その間観客は料理にもお酒にもありつけず、静かに見続けるしかないので、その拘束を本当は狙っているのではないかと疑い始めました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight004.jpg" alt="遠藤麻衣のパフォーマンス" width="670" height="447" class="imgcaption size-full wp-image-33754" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight004.jpg 670w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/tokyounight004-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 670px) 100vw, 670px" />
次は「MOTアニュアル2016展」に出品している遠藤麻衣さんのパフォーマンス《にんげんになったマリーちゃん》です。人間になろうとするイヌのマリーちゃんの話を、遠藤さんが絵本を観客に読み聞かせます。絵本の内容はプロジェクターで大きく壁面に映し出されます。マリーちゃんには、著作権や法律や倫理が付きまといます。でも、それがあってこその人間。私がんばるわ。というところで、絵本は終わります。
観客は、絵本の話としては終了しても、人間は規制に縛られているだけではないよという希望や、違う世界を垣間見せる何かのパフォーマンスが引き続き始まるのではないかとの期待をもって、ナレーションをする遠藤麻衣さんを見続けます。絵本を読み終わり、バックヤードに帰ってしまうパフォーマーを見て、バラバラに拍手が起きます。
規制だらけだけど、私がんばる！で終わらせる、モヤっとした居心地の悪い感じ。絵本を読み終わった時、私は「きっとこのパフォーマンスはこれで終了だな。そして観客はもっと踏み込んだ作家としてのスタンスを要求するな」と感じながら、パフォーマンスの終わりを体験しました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2016/06/performance_katayama-e1465802632294.jpg" alt="" width="670" height="446" class="imgcaption alignleft size-full wp-image-33851" />
そして最後に再度歌う片山真理さん。彼女の両足は義足、左手は指が二本の身体を持っています。舞台用のドレスや装飾品、そして厚めの化粧。私たちは壇上にあがる彼女の外見をみながら歌声を聞いています。彼女もそれを知っているからこそ、アーティストになり、モデルになり、歌手になったと思います。しかしパフォーマンスでは、ただ歌手としての外見を見せる片山真理さん。そこに身体の特殊性は必要ありません。
そうして、クロージングパーティーは和やかな中、幕を閉じました。美術機関が連携して、東京のアートシーンを彩る東京アートウィーク、来年はどんなテーマで開催されるのでしょう。シンポジウムやトークなど様々な催しも企画されます。展覧会を見たあとで、または展覧会を見る準備として、参加してはいかがでしょう。
<a href="http://tokyoartweek.net/">東京アートウィーク2016</a>

東京アートウィーク2016 クロージングパーティー フォトレポート

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セドリック・デルソー「DARK LENS」インタビュー

SIDE CORE 「TOKYO WALKMAN」インタビュー

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USUGROWインタビュー DIESEL ART GALLERY「オーガニック・コントラスト – 薄黒の仕事展」

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl001.jpg" alt="" width="518" height="345" class="imgcaption aligncenter size-full wp-image-31286" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl001.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl001-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
『No Museum, No Life?―これからの美術館事典』展は、独立行政法人国立美術館（東京国立近代美術館、京都国立近代美術館、国立西洋美術館、国立国際美術館、国立新美術館）が所蔵する、時代・地域・ジャンルを横断した多彩な作品で構成した展覧会。
展覧会タイトルを見れば誰でもタワーレコードのコーポレート・ボイスを思い出す。彼らは1996年から20年近くも『NO MUSIC, NO LIFE?』と問いかけ続けている。この記事を読んでいる人の多くは、人生の多くを彼らのポスターが作った時代の感覚で生活しているのではないのだろうか。
日常の前に後ろに流れ続ける音楽。音楽なしの日常はありえないという答えを前提とした問いかけ。その問いかけ期間の長さからして、確認といった方が適切だろう。一方、美術館はどうだろう。美術館なしの日常？そういえば最後に美術館に行ったのはいつだっけ？疑問符が文字通り、キャッチコピーや確認ではなく、疑問として機能し始める。その問いの先には何があるのか。国立美術館が言うLIFEとは何か？
美術館に足を踏み入れると、展示はメインタイトルよりもサブタイトルにある『これからの美術館事典』を主題とした構成だということがすぐさま理解できる。美術館特有の広い空間ではなく、まるで事典の中に迷い込んでしまったよう。仕切られて入り組んだ動線にインデクッスが並ぶ。そこには時代区分やジャンルの区分は無い。辞典の項目AからZにちなんだ作品や物質や概念が並ぶ。文字の配列は決まっているので、自動的に作品の配列は決まりそうだが、展示を追っていくとそうではない意図が見える。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl004.jpg" alt="絵画の中の絵画や、展示空間の向こう側が見えるイリュージョンなども。" width="518" height="345" class="aligncenter size-full wp-image-31303 imgcaption" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl004.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl004-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl002.jpg" alt="左側にみえる「F」や「G」がインデックス。細い道のような動線。" width="518" height="308" class="aligncenter size-full wp-image-31306 imgcaption" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl002.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl002-300x178.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
どんな作品が展示されているのかはぜひ自身で鑑賞して欲しいが、美術館を含む「Architecture」や主体を問う「Artist」から始まり、あなたを指す「You」から無の「Zero」で終わるこの展覧会が見せるものは、芸術作品に留まらない。図版や工具や手順までも展示作品となっている。芸術作品を見せるというよりも、インデックスをいかに読み解かせるのかに力点がある。
テーマ性が強い展覧会は数多くあるが、ここまでタイトルの『これからの美術館事典』の思想を展示構成に強く打ち出した展覧会も珍しい。工具や図版を芸術作品と同列に並べ、また入れ子状の展示方式にすることで美術館は美術館の役割を更新しようと試みる。もしあなたがインデックスのタイトルこそ読むが、そこに書いてある文章を読み切る忍耐力を持たずに作品体験へと足を進めてしまわないなら、展示されているものが、なぜここに分類されたのかを考えることができる。作品には、取り出せる要素はいくらでもあるのだ。ここに分類されたモノたちは、偶然ではなく美術館側の必然だ。
作者の制作意図や歴史に紐付けられた作品の意味よりも、インデックスは読み解きやすい。なぜなら私たちは美術史の知識より、インデックスに書いてある一般名詞の知識の方を多く持ち合わせているからだ。そういう意味では、この展覧会は広く開かれている。美術史に造詣が深くなくても、インデクッスに書かれた言葉の意味を探れば展覧会が楽しめる仕掛けだ。一人で沈思黙考するのも良いが、友だちや恋人と訪れて、あれこれ読み解きながら見ていくと、より多くの発見や楽しみがあるかも知れない。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl003.jpg" alt="インターネット、資料、図版、絵画が同列に展示されている。向かいには「光」が展示されているので、色味が周りに反射している。一人で見るのもいいが、友人や恋人と「インターネットってブラウザのことか！」等々気軽につっこみを入れて見ると、何を見せようとしているのかふとした気付きにもなる。" width="518" height="345" class="aligncenter size-full wp-image-31291 imgcaption" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl003.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/06/nmnl003-300x200.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
そしてこの企画展の鑑賞後、余力があればぜひコレクション展も合わせて見て欲しい。それは美術館事典のインデックスとは違った時代やテーマごとに展示がなされているが、インデックスの余韻で作品を見ると、今までとは違った見え方となる。より多くの要素、他の視点を持つ自分に気がつく。私たちはどのように見ようとしているのか。見てしまうのか。
『No Museum, No Life?―これからの美術館事典』展は、意味を探ることを鑑賞の行為として体験させる展覧会といえるだろう。本文の最初の方に呈した疑問、美術館が言うLIFEとは何か？とは、行為としての鑑賞のことかもしれない。もちろん展示されているものが示すように、鑑賞は芸術作品だけに留まらない。見ることを知識だけではなく体験として捉えることで、生の豊かさを作っていく。

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東京国立近代美術館「No Museum, No Life?―これからの美術館事典」展 レビュー

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle000.jpg" alt="wild style" width="518" height="352" class="aligncenter size-full wp-image-30064" />
1982年に制作された映画『ワイルド・スタイル』が3月21日から日本で劇場公開される。舞台はアメリカのニューヨーク州サウス・ブロンクス。ヒップホップ・グラフィティ・ブレイクダンスという黒人文化が生活に根付いている様が描かれている。脚本のある、いわゆる虚構の世界を描いている映画だ。けれどキャストの属性がそのまま役になっている所は、ドキュメンタリーより踏み込んだ現実を描く効果にもなっている。
パブリック・エネミーはやっぱり良いし、日本のさんぴんCAMPとかLBNationにまでヒップホップ文化は受け継がれてるなと再確認しましたが、どんなにイケてるライムとグラフィティとダンスが相互作用で映画を彩ってるかとか、アンダーグラウンドカルチャーの源流がぎゅっと詰まってるの！！！等の説明は、他の記事でされると思うので、今回は違った視点を書く。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle001.jpg" alt="wild style" width="518" height="352" class="aligncenter size-full wp-image-30064" />
ヒップホップを扱うクラブのマネージャ、フェイドに「ヒップホップや（グラフィティ）ライターはもうそろそろ宣伝されてもいい時期だ」と言わせているように1980年代はグラフィティやヒップホップがメインストリームへと吸収（搾取？）される過渡期。
アメリカ映画ではあるが、白人は金と社会的地位を運ぶ、俺たちとは違う“別のモノ”として効果的に出てくるのみで、スパニッシュやアフリカンなどの黒人世界が中心。東洋人は出てこない。白人は彼らをアートシーンに紹介する役割りで、アートシーンは「カネになる」し「社会的地位が得られる」場。そこは別の世界として描かれているので敵対する場として描かれていない（人種の対立が無いという意味ではない）。2002年に制作されたエミネム主演の映画『エイト・マイル』で描かれる世界が、差別ではなく、地続きの果ての“別のもの”を消そうとし、歪みながら平坦になっていくさまと比べると、1982年の状況は興味深い。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle002.jpg" alt="wild style" width="518" height="352" class="aligncenter size-full wp-image-30064" />
白人の編集者バージニアは、“新しい文化”をアートシーンに紹介するために、黒人が住むブロンクスへ乗り込む。白人の珍しいダウンタウンで殺されそうになった事を「気に入った」り、“新しい文化”を白人社会へ持ち込む方法は、文字通りスペクタクルを楽しんでいる。バージニアは、主人公で伝説のグラフィックライターのゾロたちを美術関係者のパーティーに誘う。会場は富裕層が住む摩天楼を見渡す高層アパート。部屋は壁が見えないほどの抽象表現主義の巨大な絵画が埋め尽くされている。その壁が、グラフィティに変わることを予期させているかのように。
映画ではゾロに対立する“ユニオン（組合）”と名乗るグラフィティ・グループが存在する。彼らは下絵を持って、チームで作業する。「地域のためになる」し「それで自分たちが生活できたら嬉しい」から、有償で町や商店の壁画を請け負ったりしている。その発言だけを取り出せば、現在の若手芸術家のよう。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle003.jpg" alt="wild style" width="518" height="352" class="aligncenter size-full wp-image-30064" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle003.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2015/02/wstyle003-300x204.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
何が言いたいかと言うと、彼らは階級とは別な、何かが存在していることを知っている。差別は今よりあからさまな時代。しかしこの映画の中では、“別のモノ”が存在している、つまり区別することができている。別のモノが存在しているから、“新しい文化”（既にあるのに未開のものを自分たちが発見した開拓時代のような差別的な感覚だとしても）を紹介できる。世界の人たちはみんな同じように理解し合え、価値観も共有できると（そしてその価値観もできれば自分の方に歩み寄って欲しいと）信じて、信じていることすら気が付かずに、それが世界だと認識しつつあるのが現在だとすると、別なものは理解の名のもとに存在が許されず、その消失点にあるものは、正してあげるべき対象、つまり文化ではなく悪と名付けられてしまう。
そうなると、同じ世界に理解の向こう側も、“新しい文化”も無くなり、すべてが知っていること、つまり時間の中に取り込まれ、私たちは老いの中に存在しているように感じてしまう。もう今は新しい文化は生まれづらく、全ては何かの焼き増しばかり。アメリカもヒップホップも、日本も世界も、何もかも逆らえない時間の中での再生産ばかり。地面や海の向こう側には知らないものはなく、超えられないという意味で、時間の向こうの“あの頃”に知らなかった事（つまり源流）があって、今は何かの源流を展開してばかり。その感覚が錯覚だったとしても、あの頃は若かった。今は老いつつある。そんな感覚を再認識してしまう映画。
まだ若い“あの頃”がぎゅっと詰まった1983年公開の『ワイルド・スタイル』がやってくる。私たちは、どんな風に文化を作ったのかを俯瞰的に見ることで、“新しい文化”をつくる準備をしたい。
■映画「ワイルド・スタイル」公式ウェブサイト 
<a href="http://www.uplink.co.jp/wildstyle/">http://www.uplink.co.jp/wildstyle/</a>

映画『ワイルド・スタイル』レビュー

<img class="aligncenter size-full wp-image-27170" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky.jpg" alt="Jodorowsky" width="518" height="352" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
アンダーグラウンドシネマの巨匠と言われるアレハンドロ・ホドロフスキー監督の23年ぶりの新作と聞けば、当時の血みどろで不条理でフリークスが総出演する場面を思い出す人もいるかも知れない。しかし『リアリティのダンス』の映像はそれらとは様相を異にしている。監督の幼少期を綴った自伝的映画。ロシア系ユダヤ人としてチリに移住した彼を待ち受けていたのは、イジメと虐待。そして夢想と思索の日々……。
ホドロフスキーに限らず、幼少期の世界を形作るのは家族や友人との生活。家族、つまり自分を支配する絶対的な大人からいかに愛を得ようとしたか…と書き進めると、幼少期のロマンチックな回想映画になってしまう。しかし『ホーリー・マウンテン』を制作したホドロフスキー監督は、この映画を映画の構造の中に閉じ込めることも家族の枠組みの中に閉じ込めることもしなかった。
この映画にはホドロフスキー監督の息子たちや妻がキャストや音楽、衣装として起用されており、ホドロフスキー一家は総出で制作にあたっている。アレハンドロの息子が父を演じ、子を殴る。そこでは映画というトリックを使うことで、ありえない反転現象がおこる。象徴としての父の皮をかぶった息子が、子どもの皮をかぶった父を殴る。父として子を殴りながら、子として父を殴ることが同時に起こるのだ。
その象徴を交換した二重性は、見ている者に新たな疑問を抱かせる。映画の中にしろ現実にしろ、どの時間軸を生きても、父であろうと子であろうと、役割としての性に縛られていることにこの映画は気づかせてくれるからだ。その炙りだされた役割の奥には何が残されているのか。
私たちは時間という鎖に自分を縛っても、役割としての性から開放されることは不可能なのか。それは父や子という単位だけではなく、国民という単位でも問題は変わらない。共産主義者の父は、国家を愛する国民としての大義を果たすために妻と子を残して家をでる。それは図らずも魂の旅となり、彼は父や国民という単位の奥の何かに苦しめられ、助けられ生きていく。
父の魂の旅は、彼の代表作『エル・トポ』の哲学を彷彿とさせる。映画監督としてのアレハンドロは、象徴としての父に魂の旅をさせる。父を演じる息子に魂の旅をさせる。その旅はアレハンドロの魂が投影されている。ホドロフスキー家の三世代に渡る人々が同時に旅をする。アレハンドロは映画を撮影することで父を知り、彼自身も旅ができる。私たちはそれを鑑賞する。
アレハンドロ・ホドロフスキーは2014年4月22日に行われたプレミアム上映の後の挨拶で、映画のことについては多くは話したくない、見ている人たちがそれぞれ感じてほしいからだと述べた。その一方で、個人と全体の役割りについてどのように考えるに至ったかを自身の回想から述べていた。彼は人生の目的と人類の目的が同じになれば、人生が変わると述べている。
<img class="aligncenter size-full wp-image-27172" src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky002.jpg" alt="Jodorowsky002" width="518" height="352" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky002.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2014/05/Jodorowsky002-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
映画上映後に観客に語るホドロフスキー
<blockquote>“私は、ホーリー・マウンテン撮影後に暮らしていたメキシコを追われ、ニューヨークに移住しました。死の恐怖を味わい、移住しても寝付けず、中国の賢者を尋ねました。賢者は美しい老人で、武術や詩などいろいろなことを知っていました。その人は私の脈をとり、私を見て言いました。
「あなたの人生の目的はなんなのか。」 
「私は哲学を教えて欲しいのではなくて、この恐ろしい状態を治してほしいのです。」 
「人生の目的がなければあなたを癒やすことはできない。」
私は初めて考え始めました。人生の目的とはなにか。ホーリー・マウンテンが成功することなのか。金持ちになることなのか。理想の愛をみつけることなのか。何が目的なのかが私にはわかりませんでしたが、その答えが見つかった時に私の人生が変わったのです。答えを見つけたことは、全て私の思考の産物です。
私は個人で人生は私のものですが、人生が何かということはわからない。人生そのものの目的が何なのかという問いと、私の人生の目的が何なのかという問いは、同じ問いではありません。自分の人生の目的は何なのか問う時、良くも悪くも人はエゴイストになります。だったら、私ではなく私たちの人生の目的は何かを問う方がいいのではないか。なぜかといえば、私は集団でもあるからです。私は文化であり歴史であり、家族であるからです。
人類の目的は何なのか。それは私の人生の目的と同じなのか。私自身の人生の目的と、人類の目的を同じようにとらえた時、幸福とは何かを考えるられるようになりました。私とあなた、集団的というものを考えている間はまだ、その間に差があるわけです。
私は大きな好奇心がありますが、全てを知ることはできません。全てを認知することもできません。でも人類がいつか私の知りたかったことを知るし、それをみんなが知ることになるでしょう。私は死にますが、人類は不死です。
私の目的は何なのか。私の考えは正しいのか。全てが変わっている時に、変化している時にどうして私の思考が正しいと言えるのか。私の目的はなんなのか。それは私の意識を広げることです。”</blockquote>
今日の映画のあり方に多大な影響を与えたと言われるアレハンドロ・ホドロフスキー。詩的で残酷な映像と、意識の拡張を試みた『リアリティのダンス』は私たちに様々な問いを投げかける。
映画『リアリティのダンス』の上映情報などは公式サイトをチェック。 
<a href="http://www.uplink.co.jp/dance/" target="_blank">http://www.uplink.co.jp/dance/</a>

『リアリティのダンス』プレミアム上映会

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_entrance.jpg" title="DIESEL ART GALLERYのフロント。Photo: Wataru Kitao" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25742" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_entrance.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_entrance-300x204.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
毒舌な文章と鮮やかな紙面で、タブーも恐れずカウンターカルチャーに切り込むフリーマガジン『VICE』は、世界25カ国で配布され、ピックアップ率100％という圧倒的な人気を誇っている。残念ながら日本版の紙媒体は休刊となりオンラインメディアのみとなっているが、11月19日に限定でフォトイシュー（写真特集号）が発刊された。テーマは「コラボレーションズ」。各国から3名のアーティストが参加し、紙面全てがコラボレーションを実現するという珍しい構成だ。『VICE』が年に一度発刊しているフォトイシューは、毎号数日で無くなる程の人気。今回のフォトイシュー発刊に伴い、時に過激な反骨精神も見せてくれるファッションブランドDIESELが提供する渋谷のDIESEL ART GALLERYにて、雑誌展示と記録映像と写真展示を連動させた展覧会『GLOBAL PHOTO COLLABORATIONS by VICE JAPAN』 が、11月22日より開催。
参加アーティストは以下の通り、豪華なメンツだ。 
Arvida Byström / Roger Ballen / Asger Carlsen / Petra Collins / Kim Gordon / Richard Kern / Sandy Kim / Maggie Lee / Ben Pier / Peter Sutherland / Synchrodogs / Fumiko Imano / 大橋 仁 / 小田島 等 / 加賀美 健 / 駕籠 真太郎 / KYOTARO / 小池 昌代 / 曽根 賢 / 題府 基之 / 田附 勝 / 中島 大輔 / 名越 啓介 / 新田 桂一 / 松藤 美里 / ルー ヤン / レン ハン
来日中のアスガー・カールセンとベン・ピアーに話を伺った。日本で彼らの作品を紙面以外で見れるのは今回が初めてなので、ぜひ会場に足を運んで実物を体験して欲しい。
アスガー・カールセンは1973年デンマーク生まれのNY在住のフォトグラファー。彼が写すのは、人間の形跡を残した肉の塊、それは何かの実験の結果生まれてしまったような想像上の塊…まるで都市伝説で語り継がれそうな、私たちの内面に住んでいるモノや人を、静かなモノクロームな雰囲気で描き出す。今回は、50年以上モノクロフィルムで、世界を詩を紡ぐように捉えることで現実を描き出すロジャー・バレンとコラボレーションを果たした。 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_asger.jpg" title="コラボレーション作品の前のアスガー・カールセン。Photo: Wataru Kitao" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25734" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_asger.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_asger-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
ベン・ピアーは、1980年ミズリー州生まれのNY在住のフォトグラファー。スケートボードやバスケットボールなどストリートを軸にしたファッションセンスの高いユースカルチャーを扱い、企業の仕事も数多く手がけている。今回は、スケートボーダーやメッセンジャーを追ったドキュメンタリーで有名な、ベンと同じくNY在住でフォトグラファーでフィルムメーカーのピーター・サザーランドとのコラボレーション。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_ben.jpg" title="コラボレーション作品の前のベン・ピアー。Photo: Wataru Kitao" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25732" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_ben.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_ben-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
紙面全体がコラボレーションということだけど、どうやって実現したのですか？
アスガー：今回のVICEの企画に関係なく、ロジャー・バレンとは何年も前からコラボレーションしたいなと考えていたんだ。面識はなかったけど、彼のファンだったからね。彼も僕のことは知っていた。それである時、VICEの担当者にロジャーヴァレンと一緒にコラボしたいと考えているんだと話したんだ。VICEの担当者が、じゃあそれを実現しようと言ってくれて。僕たちだけじゃなく、フォトイシューの特集全体のテーマを「コラボレーションズ」にしようということになったんだ。ロジャーがコラボレーションを承諾してくれたことは、とても嬉しかったよ。
ベン：（遅れてやってきて）遅れてごめん、間違えて違うディーゼルに行っちゃって。道で出会った人たちにも、展覧会あるから見に来てねって誘ったのに！これじゃあ何も展示してないディーゼルに行っちゃうね（笑）。ここに居るアスガーと僕は友だちなんだけど、ピーター・サザーランドも友だちで。VICEから誰とコラボしたいかって聞かれた時に、まず、まっさきに出た名前なんだ。
アスガー：制作方法は、まず僕が写真をとってからロジャーに送ったんだ。ロジャーはその写真に、好きなように絵を書いたりとかコラージュしたりの加工をしてくれた。コラボレーションをどう実現するか、どんな方法で行うかという話し合いは特にしてなくて。それはとても自由度の高いコラボレーションだった。
ベン：僕はピーターと一緒に1、2週間話してみて、どういう風にコラボレーションしようか話し合った。その時にピーターは、木とか色々な素材にステッカーを貼るという作品を作っていたんだ。僕はそのアイディアがとても気に入った。だから色んな作品をステッカーみたいに、シートか何かで貼っていく方法を選んだ。しかもそれは僕やピートの昔の作品を使っていて、2人がステッカーを重ねて貼ることで1つの作品になって、別の見え方になる。まるで別の作品になるような。素材は、ちょっと馴染みのあるような、僕たちのファンが知ってる写真にして、それらを別の作品に仕上げていくっていうのがテーマになった。
今までの作品の制作方法では得られなかった、違う感覚を身につけましたか？
ベン：アメリカには穴が沢山あいた、メッシュ状のステッカーがあるんだ。それをバス全体に貼っていて、バスに載っている人からはメッシュの穴から外の景色が見えるし、バスの外からはバス全体がステッカーに包まれているような感じに見える。日本のバスもそうなのかはわからないけど、そのメッシュ加工してあるステッカーを今回は使ったんだ。写真の上から、ステッカーを貼ることで、写真の上から違う写真が見え、次の元性が生まれる。そうやって立体的なオブジェのような制作を、意図的にやって、それが面白い効果を生んだかなと。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/Pier-Sutherland-1-e1386899871439.jpg" alt="" title="ベン・ピアーとピーター・サザーランドのコラボレーション作品の拡大部分。2人の写真をメッシュ状に重ねあわせているのがわかる。離れてみると立体的で不思議な視覚効果を生む。" width="518" height="767" class="imgcaption alignleft size-full wp-image-25782" />
アスガー：僕は自分の作品を作る時にすごく、コントロールしたがる傾向が強い。
ベン：そう。アスガーは一度作業に入ると7時間くらいパソコンから離れないんだ。
アスガー：例えば1作品に対して2年間くらいかけて作業をしたりする。長い時間をかけて、もっと良く出来ないかと追求して没頭して作業をしていく。それは、厳しく完璧主義という感じ。だけど今回はその方法を手放して、それにいろいろ相手にやってもらった。そういう風にあんまり時間的に執着しないことを今回は学べた。最終的にできた作品は、僕のテイストよりロジャーの作品のテイストの方が強いのかな。今回の作品はいつもより軽いテイストになっている。いかに短い時間の中で制作できるか、ロジャーの視点を考えて、顔や頭を残して作れば作業しやすいかなと思って残した。ロジャーが手を加えられるように作った。いつもみたいに彫刻的に、徐々に積み上げていくっていう手法じゃない。そういった過程を経ていないからこそできた作品で、だからこそ今までの僕の作品より見やすくなったのかなと思う。
今回の展示を、日本のみんなにはどんな風に見たり感じたりして欲しいですか？
アスガー：僕がVICEでコラボレーションの特集を組むきっかけになったから言っているんじゃないんだけど、一つの号全体がコラボだけっていうのは前代未聞だし、どこの媒体もやってないと思う。それは見どころの一つだと思う。こんなに沢山のアーティストが参加して紙面を彩ったのは、すごくエキサイティングだし、参加したアーティストにとっても、いつもの自分の作品とは違って、どんな作品になるのかわからないってところも見どころだと思う。いつもとは違ったテイストで、見たことない作品ばかりになったと思う。僕とロジャーの作品はこうやって展示されることになったり、フォトイシューも発刊されて、すばらしいことだよ。そしてそれだけで終わらずに、今度一緒に本を出すことになってるんだ。そして展示も一緒にする。つまり、コラボレーションはまだまだ続いていくんだ。例えば僕が彼にポストカードを送って、彼がそれを加工するとか、今度は彼も何か作品を送って、僕がそれに加工するとか。それって、すごくお互いにとっていい関係になってると思う。
ベン：そうだね。すごい楽しかったし、みんなもコラボレーションをどんどんやって欲しい。今回はピーターとやってわかったけど、今までは自分の作品に没頭して見えなくなってしまっていた所が見えたよ。そういった気付かされる行程がすごく多くて。誰かと一緒にコラボレーションすることって、面白かったし、インスピレーションも受けた。一人でやっていた対話みたいなものが、オープンになっていって、視野の狭さが広がっていった。それがすごく楽しかったし良い経験になったから、僕もこれからもコラボレーションを積極的にやっていこうと思う。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_odajima.jpg" title="日本版のフォトイシューには日本のアーティストたちも多数参加している。写真は小田島等と中島大輔のコラボレーション。Photo: Wataru Kitao" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25746" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_odajima.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/12/vice_odajima-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" />
インタビューありがとうございました。
ミュージシャンのキム・ゴードンやイラストレーターの小田島等、アーティストのルー・ヤンなど、フォトグラファーの領域にとどまらないアーティストが参加している『VICE』フォトイシュー。 
会場となる渋谷DIESEL ART GALLERYでは、アーティストのコラボレーション作品はもちろんのこと、アメリカで発刊された今までのVICE誌や制作に至った記録映像が、溢れんばかりに展示されている。またキャプションには、全てではないが作品の販売価格も印刷されており、作品や写真集を手に入れることも可能だ。もちろん「VICE」フォトイシューと展覧会の入場は無料。モニターでみるのも楽しいが、作品や紙面もこのチャンスに是非チェックしにきて欲しい。

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GLOBAL PHOTO COLLABORATIONS by VICE JAPAN

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_book.jpg" title="絵コンテや設定資料が掲載された本は、資金集めの為に各映画製作会社に配られた" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25397" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_book.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_book-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
不条理な世界が産んだカルト映画の開祖、ホドロフスキー監督 
1970年代のアメリカの若者たちに多大な影響を与えた”ミッドナイト・ムービー”の存在を知っているだろうか。深夜のミニシアターで流されるカルト映画は、不条理な時代を反映するだけにとどまらず、時代の先をも切り開いて行き、アメリカのミニシアターから世界のスクリーンへと広がっていった。深夜にしか流すことのできなかった、アンダーグラウンドでカウンターだった当時の表現は、知らないうちに太陽の下の日常にいきづき、21世紀を生きる私たちのメインストリームとなっている。そんな現在の私たちの文化を担っているミッドナイト・ムービーの黎明期を切り開いたのが、映画『エル・トポ』でも知られるチリ出身アレハンドロ・ホドロフスキー監督。彼は公開こそされなかったが、いや、公開されなかったからこそ世界に多大な影響を与えたSF映画『デューン』を、1974年から企画していた。カルト映画の開祖が描こうとしていた、SF映画とはどのようなものだったのか。
小説『デューン／砂の惑星』の映画化は、デヴィッド・リンチ監督によって10年後の1984年に公開されている。『イレイザーヘッド』や『エレファント・マン』等のカルト映画で有名なデヴィッド・リンチ監督も、もちろんミッドナイト・ムービー出身の監督だ。ホドロフスキー監督が手がけられなかった『デューン』をデヴィッド・リンチ監督がメガホンを握る形で映画は完成した。何故、ホドロフスキー監督はメガホンを握れなかったのか。彼の予算を含む壮大さと破天荒さにスタジオが、ゴーを出せなかったのだ。しかし、その壮大なプロジェクトは丁寧で膨大な絵コンテを含む設定資料の書籍として今も残っている。ドキュメンタリー映画『ホドロフスキーのDUNE』は、ホドロフスキー監督を始め、制作に携わった人々の証言を交えて、設定資料の本を紐解く形で描かれている。70年代のカルト映画の開祖が作った、頓挫したSF映画のドキュメンタリーは一部のマニア（70年代を懐かしむおじさん）向けと思われるかも知れない。確かに、その通り。『ホドロフスキーのDUNE』には、マニア向けのキーワードが散りばめられている。しかし、そのキーワードがマニア向けだけに留まってないのが、このドキュメンタリー映画の面白さ。私たちは既にデューン後の世界に住んでいることを体験する。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_frank.jpg" title="アップリンクにてインタビューを受ける、フランク・パヴィッチ監督" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25400" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_frank.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_frank-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
カルトの巨匠に挑む、ドキュメンタリーの若手監督 
1929年生まれのホドロフスキー監督のドキュメンタリーに挑んだフランク・パヴィッチ。彼はNY出身で現在はスイスに住んでいる1973年生まれのドキュメンタリー映画の監督。東京国際映画祭で来日中のフランク・パヴィッチに、ドキュメンタリー映画の制作方法やホドロフスキー監督にまつわる話を伺った。
フランク・パヴィッチはアメリカに住んでいた1990年代の20歳前半、絵がシミのようになるまでコピー、コピー、コピー……と何度もコピーを繰り返した、字幕さえわからないVHSフィルムの『エル・トポ』や『ホーリー・マウンテン』といったホドロフスキー監督の作品たちに出会った。「内容はわからないけどイメージは素晴らしいと思った。それから彼の作品が好きになって、彼から大きな影響を受けた。大きな影響を受けたからこそ、こんな何年もかかるようなプロジェクトのテーマに彼を選んだんだ。ドキュメンタリーというのは対象が小さければ小さいほど、問題を掘り下げられていいと思っている。だからホドロフスキー自身ではなく、ホドロフスキーが手がけたデューンと、対象を狭めて深く追求した。」
「世界を照らすものは己の身を焼かなければならない」 
ドキュメンタリー映画は、小説『夜と霧の』ヴィクトール・エミール・フランクルの言葉の引用で始まる。「それは、ホドロフスキーのデューンに起こったことだと思う。光を出すということは、相手に影響を与えることだ。例えばマッチは光を出すために、自身を燃やす。まわりに影響を与えるというのは 自分を壊さなければいけない。デューンでは、影響を与えるためには、結果的に映画という形をとらないことが必要だったのかも知れない。完成しないということによって、いろんな人がいろんなアイディアを参考にして本にしたり、他の映画にしたわけだよね。ホドロフスキーは映画の為に長い時間をかけて準備し、沢山の人にインスピレーション与えた。そして、世界を変えたと思う。」
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_conte.jpg" title=" H.R・ギーガーの描いたデザイン画" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25399" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_conte.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_conte-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
凄すぎる、「魂の戦士」たち 
ホドロフスキー監督は、映画の準備のために「魂の戦士」と呼ばれる制作スタッフたちを探す旅を始めた。そして最初に見つけた戦士の一人は、ジャン・ジロー。大友克洋や宮崎駿らに影響を与えた漫画家名メビウスとして知られる彼と共に、膨大な絵コンテを作り始める。音楽は、前衛的なロックで影響力を持ったピンクフロイド。脚本は後にトータル・リコールも手がけたダン・オバノン。キャストはローリング・ストーンズのミック・ジャガー、シュルレアリスムの画家として知られるサルバトール・ダリを始め、映画監督のオーソン・ウェルズ……等々、名前を羅列するだけでもスケールの大きさとそれまでの常識から外れた映画作りが伺える。制作はまだ映画界にキャリアの無いH.R・ギーガーとクリス・フォスを見出し、彼らは後に『エイリアン』を担当することになった。『デューン』の世界観がエイリアンに引き継がれた結果、その後のSF映画の制作手法や世界観へ大きな影響を与えている。それらのストーリーがこのドキュメンタリー映画では丁寧に描かれている。私たちが今見ているSF映画や普段接している文化の中に、デューンの片鱗を見出すことが容易であることを知らされる。しかし周知の通りホドロフスキーの『デューン』は制作されることなく、権利は売られる。
ホドロフスキーのバージョンの映画は制作できず、権利を買ったプロデューサーのディノ・デ・ラウレンティスがデビット・リンチと一緒に『デューン』を作った。「ホドロフスキーはキャストにミック・ジャガーを考えていたけど、デビット・リンチはロック歌手のスティングを使った。音楽がピンクフロイドだったのをTOTOにしたのは、面白いよね。それ以前にはロックバンドに映画のサントラを担当させるというアイディアは無くて。ホドロフスキーが最初だったと思う。そのアイディアをディノはキープしている。今、思いついたのだけど、ディノがアイディアを使ってくれたから、未だに色々な映画でホドロフスキーの影響が見ることができる。ディノに感謝しなければいけないのかも知れないね。」
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_cast.jpg" title="ミック・ジャガーが担当する予定だった、フェイド・ラウサ役の設定資料" width="518" height="352" class="imgcaption size-full wp-image-25398" srcset="https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_cast.jpg 518w, https://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/11/dune_cast-300x203.jpg 300w" sizes="(max-width: 518px) 100vw, 518px" /> 
パヴィッチ監督とホドロフスキー監督の関係 
「ホドロフスキーは、ドキュメンタリーの中でメビウスを探す時の話しているけど、その時と違って今はインターネットがある。僕は2010年の前半にホドロフスキーのエージェントにメールを書いた。数週間後、朝起きたらホドロフスキー自身からメールがきていた。ちょっと怖くなってすぐに開封しなかった。一週間ぐらいは未読のままにしていた。というのは、ノーと言われたら映画を作るという夢が打ち砕かれてしまうからね。だから未読の一週間はまだ映画を作るぞという気持ちで過ごしていた。そしてやっと勇気を出してメールを開いたら、パリの自宅に招待されていたんだ。最初のミーティングは10分程度の短いものだったけど、僕は情熱をもって話をしたんだ。彼はすぐに信用してくれてイエスと言ってくれた。たぶん彼は人を見る目があるので、僕が熱心であるとか、敬意をもって彼の人生の一部を描くであろうということが感じられたんだと思う。」
「ホドロフスキーは映画をつくる際に、他の人には何も言わせないし、人の意見は聞かない。だから、今回は僕の映画だけど、彼の人生を扱った映画なので、少し心配したんだ。彼の人生の大事な部分の話だから、彼がどこまで関わってくるのか、どこまでチェックしてくるのか。だけど彼は何も言わず、編集も見なかった。ドキュメンタリーの対象の人が完全に僕たちを信頼してくれたのは、とてもラッキーだった。彼はカンヌのプレミア上映まで全く映画を見ていないんだ。既に亡くなっているダン・オバノンの肉声のインタビューがあるのも、彼が言っている内容も知らなかったと思うから、ショックをうけたんじゃないかな。30年間、会ってなかった人たちと上映されたフィルムの中で再開する。若かくて髪も黒かった人たちが30年経って自分のように白髪になっていて、当時どう思っていたのかを映画を通して初めて知ることになった。非常に感情的に圧倒されたと思うんだ。それに、絵コンテが動き、自分の頭の中にしかなかったものが動きとして目の前に表れて、圧倒されたんじゃないかな。」
「僕とホドロフスキー監督が親しくなったのは最近。インタビューをしている間は距離があったんだ。僕は尊敬を持っていたし、畏れ多いと感じていたので、友だちとはいえなかった。でもカンヌとスペインの映画祭の後、彼は僕を違う目で見なおし、感心していた。僕の作った彼の映画をパーフェクトと言ってくれたんだ。彼自身の人生の大切な部分を扱った、僕の映画が良いと思って、一緒にランチをした。今は一緒にディナーを食べに行ったり、お互いの奥さんを交えて会ったりとか。そういった付き合いができるのが喜ばしいと思うし、まさかそんなことが出来るとは思ってなかった。僕としてはある種の達成感があるし、この映画を作った上でも予想外のボーナスをもらった感じがするよ。」
「デューンは誰が作ってもいい。僕が死んでも僕の映画が作られたらいいよね。」 
「ホドロフスキーが発言した「僕が死んでも、僕の映画が作られたらいいよね。アニメでもいいし」という場面をドキュメンタリーに入れるのは、ある種のチャレンジなんだ。餌付けした、ばら撒いたと言ってもいい。実際カンヌ上映後のミュンヘンのフェスティバルに行った時、フランスの監督がホドロフスキーに近づいて、アニメ版を作ってみたいとアプローチしていた。原作小説のフランク・ハーバートの承諾や法律的に著作権的に可能かどうか、その辺はわからないけど、そういった形で僕が作ったドキュメンタリーにインスパイアされて、誰かがデューンのアニメ版でも本を出版すること等があったら面白いなと思う。僕は当事者じゃないけど、一部関わった者として、何がこれから起こるのか楽しみにしてるよ。」
目を輝かせながら自身のドキュメンタリー映画について快活に話す、フランク・パヴィッチ監督。映画の中では、ホドロフスキー監督が月日を感じさせない情熱を持って、私たちをデューンに誘う。ベトナム戦争や各国の内乱の後、世界が希望的に変わらないどころか、目に見えづらくなった不条理な死や日常を生きるしかないと知った人たちが作りあげていった映画や芸術、音楽。それはゾンビやクリーチャーを生み出すと同時に、サイエンス・フィクションの中に希望を託していた。時代を描き切ることで、その先の世界へと影響を与えていく。ホドロフスキーが情熱を持って魂の戦士たちと描こうとしていた世界は、フランク・パヴィッチがSFの手法ではなくドキュメンタリーという領域で描くことで、私たちの今を照らしている。
『ホドロフスキーのDUNE』は2014年公開予定。詳しくは公式サイトをチェックして欲しい。 
<a href="http://www.uplink.co.jp/dune/" target="_blank">http://www.uplink.co.jp/dune/</a>

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『ホドロフスキーのDUNE』未完の超大作SF映画

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/05/bayrle_001.jpg" alt="" title="展覧会風景" width="518" height="352" class="imgcaption" />
エスパス ルイ・ヴィトン東京にてトーマス・バイルレの個展『Monuments of Traffic』が5月18日より9月1日まで開催されています。
1960年代に興ったポップカルチャー、そして資本主義と共産主義社会という、世界の象徴としての冷戦の中、トーマス・バイルレは反復を多様したグラフィックやデッサン等の作品群を発表し続けました。
ポップアートや連続性とメディア·アートの先駆者と言われるトーマス・バイルレは、1937年ベルリン生まれ。織物工としてキャリアをスタートし、2007年までの30年以上にわたりフランクフルトのシュテーデル美術大学で教鞭を執ることで多数のアーティストたちに影響を与えます。その後は写真によるコラージュや映画、サウンド・インスタレーションなど精力的に活動の場を広げています。今回出品している作品は昨年ドイツのカッセルで行われた世界的に重要な国際展『ドクメンタ(13)』で出品された作品を再構成したものや、新たに手を加えたものなど6点。
今回は来日中のトーマス・バイルレに作品やコンセプトなどについてお伺いしました。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/05/bayrle_002.jpg" alt="" title="来日中のトーマス・バイルレ。自身の作品の前に。" width="518" height="352" class="imgcaption" /> 
■メタファーとしての車を作品に多用していますが、なぜ車を選んだのですか？ 
バカらしいことに、経済的な活動は、すべて車が関わっているんだ。銀行に行くのも、セックスするのも移動が必要だ。なにもかも車がないと成り立たない。工業が車に依存しているんだ。車のあり方は、将来的に変わっていくかもしれないけど、車は渋滞を生み出すし、車から逃れることはできないんだ。
■車社会の終焉を予想させる作品『Carmageddon』について聞かせてください。 
ロサンゼルスの若者は世界の終わりのアルマゲドン（Armageddon）を車にもじってカルマゲドン（CAR-mageddon）と冗談交じりに言っているんだ。車が世界の終わりを招いているって。僕は必ずしも世界の終わりが近づいているとは思わないけど、この考えは大切だと思った。政治の側からすれば、見たくもない知りたくもないことかも知れないけど、僕たちアーティストはそういったことを見ていくべきだと思っている。 
カルマゲドンは、エンドレス。終わりのない繰り返しのエス（S）字の組み合わせ。向きが違うエスは続き・繰り返し・つながって大きな作品を作っているんだ。大きなエスの中に小さなエスが入っている。ドクメンタと違っている所は作品のサイズと、日本に来て思いついたミニカーをいくつか置いた所かな。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/05/bayrle_009.jpg" alt="" title="エスパス ルイ・ヴィトン東京の展示用に置かれたミニカー" width="518" height="352" class="imgcaption" />
■メタファーとしての車が意味するもの、表現しているものって何でしょう？ 
もちろん車っていうメタファーは、子どもじみているし、バカげているし、科学者たちは（何かの解決や予測に対して）一つの答えを出したがるかもしれないけど、僕たちアーティストはもっと自由なユートピア的な領域を追求してもよいのかもしれない。 
昔は、みんなが帝国主義的な発想で「あれも欲しいこれも欲しい、もっと！もっと…！」とやってきた。だけどこれ以上、他の国から獲得できない。自分の持っているものを掘り下げていくしかないんだ。将来については、絶望もしなければ、楽観もしない。半分の期待と、半分の悲観主義。（半分半分といっても、誤差がある）50.1と49.9の0.1の違いのなかに沢山の可能性があるんだ。 
人類は沢山のことを解決したいって考えてきた。だけどそれほど沢山のことはできないという現実もある。だからユーモアをもって立ち向かうしか無いんだ。嘆き悲しむんじゃなく、浮かれるんじゃなく、中ぐらいのムードでいたいんだ。
■誤差の中にある可能性という考え方や、反復した作品群はとても興味深いですね。 
人の体温は37~42度の小さな幅で生きている。僕たちは、小さな可能性の中で生きている。血圧、呼吸と同じように、一定のリズムの中の、中間地点で動くしか無い。そういった小さな可能性の中の差異を、大きく拡張していくことが重要なんだ。 
反復に同じものはないし、原子も一つ一つ見比べれば同じものはないのかもしれないと思うほど、ひとつひとつ違っていると考えているんだ。それが世の中の美しさを作ることだと思っている。 
（繰り返しの中で、自分は何かを）やらされていると思わず、自分で目標を明確すると、現実を理解することができる。自分は大きな場所を占めているわけじゃないけど、それが現実だということに向き合える。すべてのものは似ているだけで、同じじゃないって考えは、冷静さを取り戻せるんだ。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/05/bayrle_008.jpg" alt="" title="『Conducteur』" width="518" height="352" class="imgcaption" /> 
■ワイパーが動く作品『Conducteur』は、一定の時間がくると、ワイパーが左右に振れ、音楽家エリック・サティの『家具の音楽』が流れます。 
特定の意図を持たないで制作するということは、すごく大切。エリック・サティも人間が多くのことをできないという哲学を持っていて、家具のための音楽を作ったんだ。人間は、大して音楽を聞いてないことを理解して作っている。サティ自身も、空気か雲のような音楽と言っていた。 
そして僕も、アミューズメントのような知性を持つ作品をつくっている。この作品は呼吸をするようにワイパーが動く、馬鹿げた美しさがある。ワイパーは雨をよけるけど、この場所にあると、（雨を避けるという機能から外されて）左右に揺れる動きしかしていないことになる。
■車などのエンジニアリングに関する興味はいつからあるのですか？ 
子供時代の特別な思い出があって。ロザリオという祈りを女性たちがマシーンのように、ずっと繰り返している場面だ。ロザリオ自体は世界各地である祈りなんだけど、人々はそれでハッピーで満ち足りたようになれるし、ファンタスティックだ。心理カウンセリングの代わりにいいんじゃないかな。お金もかからないし（笑）。 
エンジニアリングは極めて小さな誤差も許さないところに魅力を感じていたし、祈りの繰り返しにも共通する。宗教の反復と工業の反復なんだ。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2013/05/bayrle_007.jpg" alt="" title="青山墓地を散歩中に描いたスケッチ。" width="518" height="352" class="imgcaption" /> 
■35年前にも来日していますが、その時と今の日本の違いについて教えてください。 
かつての日本は高度成長期の高揚感の中のまっただ中だった。「なんでもわかってるから、あとはやるだけだ」という感じで、戦争ですべてを失ったけど少し上向いてきたドイツと似た勢いを、多少感じた。今は何をすべきかという懐疑主義、しかしポジティブな懐疑主義を持っている状態。今の日本は、声高になにかを主張するとか、パワーを持ってなにかを発言するということは無いし、経済の状況もかつてのようには上手くはいかない。成長もエネルギー政策もかつてとは違う。これから何をするべきか決める必要がある。
（例えば東日本大震災で発生した原発問題は）すぐに答えはでない。担当者を責めるよりも、どうしていくべきかを話し合わなければいけない、現状を乗り越えてすべての人がよりよい形で生きて行かなければいけない。バラバラに存在している知識を組み合わせる必要があるし、すべての知性が必要になってくる。モラルも大切だけど、現実をどうしていくのかも同じく大切だ。日本はそれができると信じている。静けさや冷静さの中で見極める必要がある。いずれにしても福島の問題は、僕の中にいつもある。
それに今の日本に、僕はロマンチックな印象も持っている。例えば、青山墓地。小さなビルから大きなビルが見える。亡くなった人と生きている人とが、繋がっていて、途切れることがない。小さな墓と背景のビルとの建築も馴染んでいるし、何時間も青山墓地を散策したんだ。
インタビューありがとうございました。 
繰り返しの中に生まれる可能性を、どう広げていくかという重要なテーマについて語って頂きました。ポップアートの先駆者であり教育者でもあるトーマス・バイルレ。エスパス ルイ・ヴィトン東京のガラス張りの空間も堪能してみてください。

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トーマス・バイルレ展「Monuments of Traffic」

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2012/08/I-have-seen-the-light.jpg" alt="" title="《I have seen the light》, 2012, Pekka Jylhä ©Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat Courtesy of Espace Louis Vuitton Tokyo" width="518" height="352" class="imgcaption" />
私たちは既に気付いている 
フィンランドの3人の現代芸術家たちは、普段はガラス張りの四方から日差しが降り注ぎ、光があらわになっているギャラリーの空間を、ほの暗く光が漏れ出る空間へと変化させた。
〈私たちは既に気付いている〉という繊細な事象を丁寧に描き出す作品たち。 
この展覧会のタイトル『AWAKENING』は目覚めや覚醒という誰もが知覚する物事を指すだけでなく、単に「気付いている」状態をも意味すると展覧会のカタログに記載されている。
ペッカ・ユルハによるクリスタルを用いた3作品は、美しさの中の危うさがある。 
彼は言う。「クリスタルは現在を生きる私たちと似ている。ゴージャスな輝きを求める私たちを象徴しているようで、死も包括している」と。透明でいながらもさまざまな色の光を放つクリスタルが、光と双子のように生む影は、漆黒ではない。死そのものではなく、死の儚さを漂わせる黒い光。生の輝き中に死が包括されているならば、そして私たちは既にそれに気付いているならば、死がつくる影の色は光の黒なのかも知れない。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2012/08/Star_Wall_Small.jpg" alt="" title="《Starwall》, 2012, Sami Sänpäkkilä
©Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat Courtesy of Espace Louis Vuitton Tokyo" width="518" height="352" class="imgcaption" />
知っていることの価値 
サミ・サンパッキラは展覧会空間に大きな星空を出現させた。それは単に黒い石膏ボードに穴を空けただけのものだが、鉄格子が遮る光によって、本物の星空のようにきらめく。遠い昔、エジプトなどの文明を持つ知識人は星の動きを知っていた。自然の摂理を知ること、それによって導き出される物理や数学、時には呪術を知ることは、権力や価値の所有ともつながっていた。ピラミッドやその他の建造物はそうした知識の上に立ち上がり、人々は神を見上げるようにそれらを見上げた。
もちろん彼はエジプトの権力者でも特権階級の知識人でもない。彼は携帯電話から無料の天体アプリを使い、展覧会期のちょうど真ん中の7月25日の夜空をつくった。現在において知ることの価値は、権力とはイコールではないとでも言うように。そして文明がもたらした青山で7月25日に見える本物の夜空に、彼の予言した星座は明るすぎて現れることはない。私たちは何を見上げているのだろうか。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2012/08/Entire_View_5.jpg" alt="" title="《RIDESTAR》, 2010／《Today We Live》 , 2012, Hannaleena Heiska
©Louis Vuitton / Jérémie Souteyrat
Courtesy of Espace Louis Vuitton Tokyo" width="518" height="352" class="imgcaption" />
理解できないこと 
ライブハウスのモッシュピットにいる、ハードコアパンクの音楽に興じて身体を激しく揺らす若者たちがスローモーションで映し出される。ハンナレーナ・ヘイスカがハードコアを聴くようになったのは、CDのジャケットデザインを依頼されてからとのこと。ライブハウスで身体を激しく揺らすその動作は暴力性を感じるかも知れないが、その様式化された動きからは愛や笑いやユーモアが見て取れると、彼女は言う。
映しだされた映像にのって流れる音楽は、エリック・サティのゆるやかなテンポの連作ピアノ曲『ジムノペディ第一番』のドビュッシーによる管弦楽編曲版に置き換えられている。ジムノペディ第一番の主題は、「ゆっくりと悩める如く」であり、青少年を全裸にして神を称えるために踊らせるジムノペディアに由来していると言われている。モッシュの文化を知らない者は、動きにも「気付いている」が、ハードコアパンクのファッションで装飾された身体のフォルムがもつ言語をまず理解する。しかし、サティの曲で映像化されたモッシュからは、装飾された身体のフォルムが放つ反抗的で攻撃的な言語と、仲間とコミュニケーションを取り合い一体感を得ようとする、モッシュの動きが放つ言語の二重性が浮き出し、「見ていた」が「理解していなかった」側の言語と出会うこととなる。 
 
そして最後に、この展覧会のキュレーター、ラウラ・コーニッカはカタログの中で「太陽も死もじっとみつめることはできない」と17世紀のフランスの文学者フランソワ・ド・ラ・ロシュフコーの言葉を借りている。生の光も死の光も、その光の強さゆえに正視する視力をもつものはいない。つまり正視できない。しかし私たちはその存在に気がついている。目覚めることで、その存在を思うことが可能となる。
今回の展覧会は、用意されたテーマを元に制作されたものではない。しかしどの作品も『AWAKENING』というテーマを元に鑑賞することが可能だ。正視できない気づきとは、何を意味するのか。日本語には「気配」という言葉がある。それは感覚とも違う。ハッキリと意識できないが、無意識ではなく確かに五感で感じているもの。環境を丁寧に読み解かなければ、感じられないもの。薄暗い空間に配置された作品たちは、この気配を感じようと欲する私たちの感性をあぶり出している。

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ペッカ･ユルハ + ハンナレーナ･ヘイスカ + サミ･サンパッキラ 「AWAKENING」

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/11/Geometry01.jpg" alt="" title="《Geometry of Light》2011 （部分）
フレンネルレンズ、銀メッキグラスビーズ、ステンレスワイヤー" width="518" height="352" class="imgcaption" />
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/11/Geometry02.jpg" alt="" title="展示風景" width="257" height="386" class="imgcaption floatr" />ニューヨークを拠点に活動している彫刻家アリソン・ショッツの個展が、エスパス ルイ・ヴィトン東京にて12月25日まで開催されています。日本で正式に紹介するのは本展が初めて。ショッツの作品は、グッゲンハイム美術館、ハーシュホーン博物館と彫刻の庭、サンフランシスコ近代美術館、ホイットニー美術館などいずれもアメリカを代表する美術館に所蔵されていて、ロンドン、ストックホルムなどの海外でも紹介されています。
ルイ・ヴィトン表参道の7階にあるこのスペースは、全面ガラス張りという、アートスペースとしては珍しい開放的な空間構成で、東京の街並みが見下ろせるロケーション。ショッツはその自然光あふれる空間を活かしたインスタレーションを展開しています。
スペースに入るとまず眼に飛び込むのは、展覧会のタイトルにもなっている《Geometry of Light》。透明なアクリル板のフレネルレンズを数珠つなぎにして、ギャラリーいっぱいに広げています。そこに四方から飛び込む光や風景が反射し、様々な様相を呈します。作品は静的ですが、見る位置や時間帯によって、見え方は動的に変化します。屈折、反射、ホログラフィといった光の原理や性質を私たちの前に顕にしてくれます。 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/11/Geometry03.jpg" alt="" title="《Diffraction Spiral》2011, 二色性アクリル、アルミニウム 216×31×31 cm, courtesy of the artist" width="257" height="454" class="imgcaption floatr" />また、美しい螺旋を描く《Diffraction Spiral》の虹色の光線を四方八方に放つ佇まいは、きれいな模様を纏った法螺貝を海の底で見つけたような気持ちにさせます。フランスの詩人ポール・ヴァレリーは、著作『人と貝殻』の中で海岸を歩きながらふと拾った巻貝を考察しています。私たちは貝殻は自然物だということを知っていますが、それを除けば、それが本当に人工物なのか自然物なのかの判断がつくのでしょうか。秩序だった単純な構造のようでありながらも複雑で、人間の手では再現不可能な貝殻。私たちの創造の限界（際）をみせる貝殻。ヴァレリーは人工物と自然物を、対立ではなく人知とそれを超えた余白ではないかと位置づけています。
もちろんそれは自然が人工物に勝るという単純な話ではありません。自然物を考察することで、私たち人間の創造の根源にあるものまたその限界を探ろう、それにより私たち自身のあり方を描こうとしているという野心的な試みのようです。 
ショッツは「宇宙は何から成るのかという質問は、彫刻やアートが何であるかということの基本であるように思えるのです」とコメントしています。その発言からは、世界が存在する秩序としての物理学を意識しているように読み取れます。それはヴァレリーの貝殻の考察が物語っている、余白としての自然を喚起させる発言です。アクリルやピアノ線などの工業製品を用いながら、光や時間を見せるショッツ。私たちは、人工物の向こうにある自然に触れる時に何を見、何を感じることができるのでしょうか？宇宙という秩序をどうやって感じることができるのか。ショッツの試みはアートという人間の営みによって感じることのできる自然を通して、私たち自身を映し出す鏡を出現させることかもしれません。 
 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/11/alyson-00.jpg" alt="" title="《Geometry of Light》2011
フレンネルレンズ、銀メッキグラスビーズ、ステンレスワイヤー
1523×912×400 cm" width="518" height="346" class="imgcaption" />

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アリソン・ショッツ『Geometry of Light』

「記憶」とは、いうなれば頭の中の映像（や、その他の五感）。桜がもっているであろう記憶を、私たちはどのように捉えていけるのか。厳密には共有することはできない桜に関する記憶を私たちは、どのように現していけるのか。光の反射を焼き付けた記憶を再度、日常の光の反射の中にどのように戻していくのか。また、取り出したそれを私たちの頭の中に、どうやって焼き付けていくのか。何度も繰り返す四季の中で、何度も繰り返し焼き付ける記憶を写真の中にどう落としこんでいけるのか——
リコーフォトギャラリー RING CUBE にて4月10日まで、写真展『記憶の桜』が開催されています。出展作家は、大和田良、五島健司、武井伸吾、丹地保堯、テラウチマサト、楢橋朝子、ハスイモトヒコ、三好耕三、森山大道（敬称略、五十音順）。 
今回は、風景写真画家の丹地保堯さんにお話をうかがいました。『風景写真画家』とは絵を描くように写真を撮る丹地さんの造語。デジタル写真の黎明期の20年前から写真にデジタル技術を取り入れ、インクジェットプリントを版画の一手法に見立てたジグレー技法で、自然の姿を絵を描くように撮影しています。
 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/03/tanji.jpg" class="imgcaption floatl" width="257" alt="" title="丹地保堯" />――98年から桜の木の展覧会をされていますね
小学館から『桜の木』という本を出すことになって、桜の木の展覧会を何度かしました。桜というのは咲いている時しか気にしませんが、紅葉もきれいです。私は一年を通して桜を撮影しています。また、私は街に咲く桜よりも、山桜の方が好きなのです。江戸時代に交配してできたソメイヨシノが、日本中に広がりましたが、それよりずっと以前からある、自然のままの山桜が好きなのです。山々の他の木々に混じって、ぽっと咲いている桜に柔らかさを感じます。群衆というのは、力を持ってしまいます。しかし、そうではない個としての桜を撮りたい。
桜には日本人の情緒や物語があります。それを撮りたい。もちろん物語には歴史的・政治的な意味も含まれてきます。しかし何か具体的な物語がわかるように撮るのではなく、ただありのままを撮ることでそれを感じさせたい。今回の作品で、木の幹に桜が咲いているものがありますが、シワの刻まれた皮膚のような木の幹に、小さな新しい葉と桜がある。おじいさんに抱かれた孫をイメージした写真です。私は明るいことや楽しいことが好きなので、そのような自然を写していきたいのです。 
 
――自然の魅力とはなんでしょう？
自然は、そこから動けない。だから自分がそこに行かなくちゃいけない。私は旅が好きです。旅先で人と出会うのが好きなのです。旅する過程も含め、作品づくりは始まっています。私は花より木を撮っています。木は似たようで、1本1本違う。人間のようです。木の形は、動けないからこそ、その形になる。理にかなった形になるのです。
まず木のまわりをぐるっと回って、構図を決めます。構図はとても重要です。フレーミングをすることで、絵を描いているのです。私はもともと絵を描きたかった。写真を、絵を描くことに重ねて撮影しています。絵画や版画のように写真を撮っているので、『風景写真画家』と名乗っているのです。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/03/r001.jpg" alt="" title="作品について説明する丹地保堯氏" width="518" height="352" class="imgcaption" />
――自然をモチーフに制作を始めたきっかけを教えてください
もともと私はデザイナーで、注文された仕事をしていました。いわば素材の料理人のようなものです。しかし誰にも指示されずに、絵を描きたい、オリジナルの作品を作りたいとずっと考えていて、「自分の作品」を作りたいと考えたときに、自然をモチーフにすることで、それができるのではないかと思ったのです。
自分と自然が向き合う、そこには誰も入らない。照明も使いません。夜桜などライトアップされているものは、そのままの状態で撮影することがありますが、基本的に照明は使わず、自然光です。だから私の撮影はすごく早いのです。あっという間に終わってしまいます。太陽の光はあっという間に変化していきますから。
――異なる分野からの転向は簡単なことではなかったと思います。あなたはどのようにしてプロの写真家になられましたか？
プロとしてやっていくのは経済に乗ることでもあります。私は個展をしたときに、作品を売りたいと言って、値段をつけたのです。しかし昔は、写真は売るものではないという風潮がありました。見せるだけ。相場も何もわからず、相談する画商のような人もいなかったので、試行錯誤しましたが、結果的に売れました。
私の写真は入院されている方や、病院などが購入されることが多いです。写真に映っている風景だけでなく、フレームの外にある自然を感じてもらいたいので、病院などでは、それを感じて頂いているのではないかと思っています。また写真を美術に位置づけるため、版画のように扱っています。プリント枚数も、だいたい30枚までと決めてサインしています。紙も版画で使う和紙やファブリアーノ（水彩紙）にプリントしているので、同じ写真でも一枚一枚に少しずつ違った風味や表情が出てきます。
――水彩紙に出力すると、印画紙より彩度が落ちてしまいませんか？
水彩紙によって、温かみがでます。印画紙のような（彩度の）高い発色ではなく、紙の温かみで自然の光を表現できます。顔料を紙に落とすことで出せる温かみです。デジタルプリントには20年前から取り組んでいて、当時は（性能がそれほどよいものではなかったので）今のように使えるものではなく、こんなものもあるんだって、お遊びのような感じでした。しかし特にここ5年でプリント技術はすごく進み、顔料も飛躍的によくなった。顔料自体が酸化しないような仕組みになってきている。何年も発色が変わらない。
デジタルプリントをしている理由の一つには、全部自分でできるからというものあります。プリントを人に頼まずに自分でできる。写真は共同作業的なところがあるのですが、デジタルならプリントまで全部を自分でできる。モニターやソフトウェアとの相性で、同じプリンターでも仕上がりの色味は違ってきますが、慣れたものを使うことで、どんな色が出るのか分かってくる。自分で最初から最後まで手がけることで作品が作れるのです。 
――丹地さん、ありがとうございました
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2011/03/r003.jpg" alt="" title="作品について説明する丹地保堯氏" width="518" height="352" class="imgcaption" />
■インタビューを終えて 
デジタル技術の進化により写真が印画紙から開放され、どのように光を表現するかの幅が広がったように感じます。（特に写真技術が生まれる前において）絵画は写実的にものごとを描くことを目指していました。写真が絵画を目指すことで両者のパラレルな関係が浮き彫りになり、作家は、光をどのように表現していくかという問題により深く関心を寄せるようになりました。
今回の写真展は、様々な角度から9名の作家が『桜の記憶』をテーマにアプローチを試みる内容となっています。東京では桜が咲きはじめました。現実の桜と、あなたの中にある記憶の桜と、『桜の記憶』を同時に観ることのできる写真展です。

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「記憶の桜」展示作家　丹地保堯インタビュー

<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2010/10/sony1.png" alt="" width="518" height="375" class="imgcaption" />
秋の風が通る銀座の顔、数寄屋橋交差点。銀座と聞けばこの場所を思い浮かべる人も多いのではないでしょうか。交差点の一角を占めるランドマーク的存在のソニービルは世界中の観光客やビジネスマンでいつも華やいでいます。この白い壁面を、”アートウォール”として、新進気鋭の若きアーティストに開放しようという試みが2007年から行われ、今年第4回グランプリに選ばれたのはイラストレーターの神田ゆみこさんです。
神田さんは、日常生活で見慣れた「もの」をもう一度見直すことで発見する美をコンセプトに作品を制作しています。 
約1000点もの応募作品の中から選ばれた期待のアーティストに、今の気持ちを語っていただきました！ 
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2010/10/kanda1014b.jpg" alt="制作に対する想いをゆっくりと語る、神田ゆみこさん" width="518" height="375" class="imgcaption" />
——今回、グランプリに選ばれてみていかがですか。 

正直、びっくりしました。今まで受賞されていた方と自分の作品を比べると（私の描く作品は）当たり前の日常すぎる気がしていたので、選ばれないと思っていました。（そういった点で応募作品の中では）目立ちはするけれど、選ばれる気がしなかったです。だから、それが受け入れられたのはうれしいです。
——イベント初日までシークレットに準備が進められてきた作品がついにお披露目されましたね。 
「バナナ」をモチーフにした作品について教えてください。
食べものは、身近なものの中でも、好きなモチーフです。フルーツというのは、なまもの。時間が経って、熟れて、斑点が広がって、真っ黒になっていく。小さな斑点が大きく広がって、全体が真っ黒になっていく様子が面白いなと思って。特にバナナは、腐っていくというより、実が劇的に熟していく様子がおもしろいなと思って選びました。どんどん広がって、真っ黒になっていく斑点の存在感で、時間の経過や、いろんな想像をかき立たせるというか、そうなったらいいなと思ってます。これまでバナナというモチーフを著名な作家が今まで描いてきたけど、美術史的な背景は特に考えてないですね。
——作品はモチーフを決めた後、いつもどのように描いていくのでしょうか。 

作品を作るときは、写真を撮って描いていくこともありますが、実物をしつこいくらいにじっと見るんです。描きながら、どうアプローチしていくかを決めていくので、方向性が決まるまでに何日かかかりますね。じっと見ていくことで、そのモチーフが置かれてる場所や環境ではなくて、そのモチーフがもっている様々な要素が見えてくるんです。それを自分なりに消化して「こういう描き方をしよう」と固めていきます。
今回の作品でいうと、（“アートウォール” のサイズに）大きく引き延ばしたときに「斑点が広がっていく時間の経過がドラマティックに見えるかな」という思いがあったので、その辺を意識してつめていきました。 
今回の作品は（応募フォーマットの）縦横比を考えず、全体図をキャンバスに描いてから、一部分を切り取ったものなので、最初から縦に細長い構図を考えていたわけではないですね。今回は作品の全体図もギャラリーで展示します。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2010/10/kanda1014e.jpg" alt="《砂利》 神田ゆみこ　　日常で見慣れたものを描き出すという、彼女の作品"　title="≪砂利≫神田ゆみこ" width="518" height="375" class="imgcaption" />
——「Canvas @ Sony」に応募されたきっかけは？　以前からご存知だったのでしょうか。
３年程前にソニービル壁面の“アートウォール”を偶然みかけて、とても存在が大きくて、衝撃を受けたのを覚えています。ずっと大きくした自分の絵を見てみたいという想いがあり、今回はじめて応募しました。 
ソニーには先進的なイメージをもっています。このような企業がアートプロジェクトを実施している例を他に知らないのと、経験の少ない私をこういった規模のプロジェクトに携わらせてくれるというのは、大きな経験になっています。たくさんの人がこのアートプロジェクトに関わっていることを知って、成長しなきゃと感じています。（このチャンスを得られて）感謝してますし、こういった企業の取り組みがもっと増えていったらいいなと思います。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2010/10/kanda1014d.jpg" alt="神田ゆみこさん" width="257" height="375" class="imgcaption floatr" /> 
——神田さん自身について聞かせて下さい。子どもの頃から絵が好きだったのでしょうか。
家は姉と両親と4人家族なのですが、家にわら半紙がドーンとあって、子どもの頃から絵を描いていましたね。父は絵が好きだったので、その影響もあるかも知れないですね。少女漫画的な絵を、父も一緒に姉と３人で描いてました。1つのポーズを決めて、みんなで描くというようなあそびをしていました。
でも学生時代は絵でずっとどうこうしようとは思いませんでした。大学を出てから就職をしたのですが、仕事が合わなくて辞めてしまって。それからは好きなことをしようとアルバイトをしながらセツ・モードセミナーに通いました。
自分の作風に影響を与えたのは、熊谷守一です。日本人的な感覚が好きなのかもしれないですね。高校生の頃には、美術館で見た佐伯祐三の絵に、すごく衝撃を受けました。空想的な絵をよく描いていたときは、ミロやクレーなどが好きでしたし、写実的な部分ではエドワード・ホッパーが好きで、影響を受けましたね。
——制作の息抜きは何でしょう。 

息抜きは… 寝る時間をとるくらいで、あまりこれといってないですね。（制作に煮詰まったら）一旦、時間をおく。絵を一旦、寝かせる。朝起きてみたら違うように見えたりするんです。
どのようにアプローチをするか考えている段階では、静かな部屋で集中して制作に入るのですが、（アプローチ方法が定まって）作業がリズムに乗って描くような段階に入ると、音楽を聴きますね。
私は方々にアンテナを張って、動き回るタイプではないので、今は絵を描くことにじっと打ち込むことが楽しいなと思っています。
——今後の目標について聞かせてください。
描く「もの」と丁寧に向き合っていきたいです。やり方をつかみかけているような気がするので、技法であったり、心構えであったり、もっと精度を上げていきたいなと思っています。
私は生活の中にある「もの」、普段自分が見ていたり当たり前に使っていたりする「もの」を、親しみが沸くというか…そう描きたいです。（イラストレーションの仕事は）書籍の仕事がわりとこれまで多かったので、（大きく街角に設置されて人の目に触れる）ポスターなどの広告の仕事がしてみたいですね。
<img src="http://www.tokyoartbeat.com/tablog/entries.ja/wp-content/uploads/2010/10/kanda1014d1.jpg" alt="個性豊かな「Canvas @ Sony」のスタッフのみなさんと神田さん" width="518" height="375" class="imgcaption" />
——「Canvas @ Sony 2010」では、夢を叶えるヒントをみなさんからTwitterで募集してますね。 
神田さんの「夢をかなえるために、今なにする？」を教えて下さい。
私の夢は、描き続けて作品を作り続けていけたらというのがあります。そこでクオリティを上げていきたいですね。 
「今なにする？」…そうですね、「目の前を描く」という感じですかね。
——来年応募される方へ、グランプリ受賞者からアドバイスはありますか？ 

（今回選ばれたのは）すごく光栄なことだと思っています。作品をたくさんの方に見ていただける機会として、これ以上ないくらいすごいプロジェクトに関わらせていただいてるから、いいものをお見せしていきたいです。 
貴重なすばらしい機会なので、私が言うのもなんですが応募してみてください（笑）。一緒にがんばりましょう。
——最後にTABを読んでいる皆さんにメッセージをお願いします。 

楽しんで観ていただけたらと思います。親しみやすい作品なので、気軽に見ていただけたらと思います。
「Canvas @ Sony」を支えるスタッフのみなさんは、このプロジェクトで出会う若いアーティストから、よい刺激をいつも受けているといい、とてもアーティストへのサポートに熱心で、またみなさん自身も楽しんでいるのを、今回のインタビューを通して感じました。今後のプロジェクトの継続や展開が楽しみです。 
「話すのが苦手なので…」とおっしゃっていた神田ゆみこさん。お話の節々からは、誠実な人柄を感じました。制作に関わる貴重なお話と受賞のよろこびを語って頂き、ありがとうございました！ 

「Canvas @ Sony 2010」 イベント概要 
期間：2010年10月28日（木）〜11月3日（水）*アートウォール掲出は11月26日（金）まで 
時間：11:00〜19:00 
場所：東京・銀座 ソニービル 
入場料：無料 
主催：ソニー株式会社 
共催：ソニー企業株式会社 
企画協力：株式会社FM802 digmeout 
<a href="http://www.sony.co.jp/canvas">http://www.sony.co.jp/canvas</a>

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